聲樂教學中獨唱與合唱的對比研究

胡玲

[摘要]獨唱與合唱是聲樂藝術中重要的藝術表現形式，對于聲樂學習者來說，如何很好地將個人風格展現在獨唱中，將自身的聲音融合到和音之中，構成一個整體，既需要理論學習，也需要不斷實踐。本文依據獨唱與合唱的特點和發展，對比其訓練方式與二者的聯系、異同，以期更好地演繹好這兩種藝術表現形式。

[關鍵詞]聲樂教學;獨唱;合唱;對比研究

在聲樂教學中，對比、分析獨唱與合唱的異同，把兩者結合起來，通過獨唱的方式引導合唱，或者借助合唱的理念理解引導獨唱，能提高演唱的技巧和效果，進而提高聲樂教學效果。

一、獨唱與合唱在不同時期的發展狀態

1.單音音樂時期的狀態

歐洲音樂發展歷程中，單音音樂是在古羅馬希臘階段出現的，延續到13世紀結束。獨唱與合唱的形式在古希臘時期便已經出現，由于這個時期的音樂表現較為單一，合唱的概念實際就為齊唱，并無聲部之分。這個時期，音樂與詩歌的形式被捆綁起來，不可獨立存在，是詩人的同時也是歌者，雙方的表現亦是半朗誦形式的音樂特征。在這之后，單音音樂又經歷了最為黑暗的中世紀時期，音樂的表現與思想被覆蓋上濃厚的宗教氣息，合唱的宗教色彩得以壯大。之后，歐洲在長時間的壓迫之下出現了具有民間性與共性的“流浪藝人”與“游吟詩人”等群體，獨唱藝術在不同民族與國家中的表現形式也愈加豐富，開始出現嶄新的面貌。

縱觀整個單音音樂時期，獨唱與合唱的表現形式在早期音樂發展時都展現出了其各自的魅力及特點，但總體由于音樂旋律的簡單，相比于場面宏大的合唱表演，獨唱的形式顯得過于單薄，加上宗教與社會傳統理念的束縛，在早期社會合唱代表著單音音樂時期的主流表現形式。

2.復調音樂時期的狀態

復調音樂的出現與發展是聲樂創作中的重要時期，其從出現到盛行經歷了幾世紀的時間，大大豐富了聲樂表現與音樂體裁。“奧爾加農”是最早被稱為復調音樂的方式，其上方聲部運用的是格里高利圣詠，下方聲部屬于狄斯康特，雖然合聲比較簡易不會多于四度音程，但恰是由此啟動了復調音樂多聲部轉變進程，尤其對于合唱藝術來說是突破性的發展。

隨著復調音樂手法的多樣化，歐洲音樂進入了文藝復興時期。在此期間，作曲家除作曲之外，還擔任唱詩班的教學與演唱工作，由于作曲家的唱譜能力與視唱水平較高，也能夠演唱較為復雜的樂曲，自文藝復興后期將器樂加入進演唱后，復雜的復調作品使得合唱水平愈來愈高，合唱水準達到了頂峰，相比于獨唱，合唱仍占據主導地位。

3.美聲與歌劇唱法時期

隨著歌劇的產生，聲樂藝術的展現形式邁入了全新時期，主調音樂引起關注，獨唱在歌劇表演中被給予全新的價值。在復調音樂時期，由于多聲部的發展與客觀因素的影響，聲樂演唱以合唱占據主要內容。盡管合唱整體藝術水平較高，但針對合唱隊員的獨立演唱素質與自身演唱水平而言，歌唱的準確性并不嚴格。而歌劇中因為詠嘆調的使用，必須運用獨唱的形式展現歌詞內隱含的情感差異，人們更加關注個人的歌唱水準，美聲唱法恰是在此環境下形成。

從獨唱與合唱的發展變化來看，不同時期中這兩種藝術表現形式有著不同的側重點與偏向性，由獨唱到合唱，再到獨唱，直到在歌劇藝術出現之后，在經歷不斷的融合演變中得到兩者的接洽點，構成“你中有我，我中有你”的藝術展現形式 。

二、聲樂教學中獨唱與合唱的訓練方法對比

1.獨唱與合唱中的氣息訓練

獨唱的氣息訓練需要結合歌曲樂句的長短與高低來進行，隨時根據情感調節自身音量的大小與節奏緩急，從而使歌曲流暢自然。獨唱的吸氣要運用呼吸器官與腰腹部配合，保證氣息深入飽滿，為接下來的演唱蓄足力量。在演唱的過程中，需注意保持自身吸氣的狀態，腰腹向外擴張，使自身充滿氣息與能量。

合唱中的氣息訓練也是最根本的訓練，要保證每名合唱隊員的氣息控制擁有共性，并科學認知合唱團的呼吸理念。合唱和獨唱有差別，它更關注共性理念，合唱的對象必須調整自己的呼吸節奏，成員保持一致的呼吸方式，也就是合唱的過程中運用特殊的氣息訓練形式。合唱團作為一個整體，需進行好吸氣與呼氣的統一協調，才能夠獲得和諧、統一的效果。

2.獨唱與合唱中的共鳴訓練

在聲樂演唱中頭腔共鳴、胸腔共鳴與口腔共鳴是演唱者經常使用的共鳴技巧。從理論上來說，頭腔共鳴多用于高音，胸腔共鳴則用于中低音，在實際演唱過程中，需要演唱者根據不同歌曲的曲調與情緒將共鳴腔體有機結合，融會貫通，共鳴統一。

獨唱在表演樂曲時更加注重演唱者對于歌曲的理解，演唱者可根據自身不同的感觸來處理聲音的共鳴運用。而合唱中，共鳴腔體的運用則稍有不同，由于合唱演員不再是獨立的個體，在合唱的過程中需與合唱隊的整體聲音為一個單位，任何隊員的共鳴腔體運用不當都會對整體造成破壞。加上合唱中每個人的音色、音質等不同，合唱人員在選拔中，要追尋技術水平與聲音條件基本持平，同時也必須注重平時的訓練，運用科學的方法追求合唱腔體共鳴的良好效果。

3.獨唱與合唱中的起音訓練

不管是獨唱或合唱，起音訓練都是十分關鍵的，從小的樂句起音到大的整首音樂的起音都始終落實在演唱環節中。特別是在合唱過程中，起音是鑒賞合唱團整體與團隊素質的重要體現。在獨唱聲樂教學中，從發聲原理的角度分析，弱起音需要更高的演唱者的氣息，必須做好充分的氣息準備，調整好氣息的傳輸。在演唱的過程中，必須要關注讓氣息先起，適當釋放氣息給予試探，然后在保證起音質量時再進行放聲，而這種尺度與技巧的把握需要在日常的聲樂教學中去練習和提高。

從合唱聲樂教學的角度來說，合唱中起音的訓練是教學內容的重點，也是合唱團專業性的體現。與獨唱不同的是，合唱的起音主要以“軟起”與“硬起”而分別，對于起音的要求也由于合唱的集體性要求整齊劃一。在進行合唱聲樂鍛煉的過程中，應當從短音訓練開始，換句話說，就是運用斷唱的形式，之后逐步提升速度，加大力度，向長音轉變。另外，合唱還能夠針對和弦的斷唱進行練習，注意和聲的爆發力以及聽覺效果的統一。

三、獨唱與合唱之間現實問題沖突的思考

1.表演形式與表達方式的沖突

獨唱或合唱都是聲樂表演的形式，二者表現形式的差異，也決定了其在表演技巧、發聲狀態及音響效果追求等方面的差異。在聲樂發展的歷史中，這兩種藝術表現形式有很多共性值得我們研究和借鑒，但也存在著沖突，其中獨唱主要以個人為中心，舞臺表現追求個性，看重個體風格和技巧對整部作品給予對應的表現;合唱則更注重團隊在整個舞臺上的表達，講究共性二字，這就要求對每個合唱成員進行約束，要絕對服從指揮。

2.社會地位之間的矛盾沖突

獨唱與合唱之間的沖突在長時間歷史發展的過程中是相互制約、共同成長的，掌握當下其兩者的矛盾依然存在。聲樂演唱的主要目標包括唱好每部作品精髓，唱出名氣，得到觀眾的認可，這種想法表現在實際中，就是很多人追崇個性化的獨唱，認為獨唱比合唱更具有優越性。而事實上，沒有哪種藝術形式優于另一種藝術形式

四、合唱對于獨唱的借鑒意義

1.曲目積累方面

如今合唱作品的范圍與題材越來越廣，涉及到不同民族地域與不同語言文化，這些合唱曲目能夠更好地幫助我們積累曲目量與經驗，同時掌握不同的演唱方法與技巧。由于演唱作品的不斷積累，合唱曲目也能夠提高演唱者的風格、表現能力及專業素養，幫助演唱者在獨唱時把握個人風格，提高演唱曲目整體的完整性，更好地演繹獨唱作品。

2.克服舞臺緊張情緒

聲樂表演藝術由于舞臺效果的需求，大多數情況下需要以面對面的方式去展現聲樂作品，干澀僵硬的表演會影響聽眾對演唱的感受，舞臺上如何與觀眾進行交流，以自己的情緒感染觀眾，在緊張的狀態下如何調整自身發音與情緒共鳴等是表演中的重要問題，而參加合唱團是很好的解決方法，合唱能夠幫助演唱者調整自身發聲及共鳴等問題，能通過相互學習與聽取別人演唱反饋來提高自身演唱水平，是克服舞臺緊張的有效方法。

通過比較獨唱和合唱兩種聲樂表現形式在不同發展階段呈現出的不同特征，以及在訓練中的異同點，我們發現，對于聲樂學習者來說獨唱與合唱都是提高聲樂演唱水平不可或缺的內容。只有將二者的優勢發揮好，才能適應各種作品的不同需求。

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（責任編輯 付淑霞）