李斯特《威廉退爾教堂》的音樂內容及演奏技巧

于欣然

引 言

浪漫主義時期作為鋼琴音樂發展中的一個極為重要的時期，涌現出了大量的鋼琴家和作曲家。而對于鋼琴演奏者來講，李斯特無疑是眾多浪漫主義鋼琴作曲家中極為重要的一位人物。主要原因是李斯特在拓展鋼琴演奏技巧上做出了極大的貢獻。他的鋼琴技巧在其老師車爾尼的基礎之上，更是借鑒了同時代其他音樂家的精華，并用之在鋼琴演奏上。比如在他的作品中很多借鑒了帕格尼尼小提琴演奏中的炫技性，深受柏遼茲交響樂的影響并努力將鋼琴的演奏效果達到交響樂般的效果。

《旅行歲月》是李斯特作品中比較重要的一部分，選集中的第一套瑞士游記創作時間是在1835年至1836年之間。其靈感來自他及愛人瑪麗達古特游歷于瑞士期間創作出來的。我們可以從李斯特旅行歲月第一集中的前言中可以了解得到：“近年，我游歷了很多國家，年時了各種不同地貌和那些在歷史和詩歌中被奉為神圣的地方，深深感到大自然的表象千奇百怪，隨著時間的推演卻又千變萬化。這一切都不只是在我眼前輕輕地一掠而過，而是在靈魂深處打動了我，彼此之間形成了一種微妙而直接的關系，一種不確定卻很真實的關系，一種無法解釋但又不可否認的精神上的共鳴——于是，我試著將最深切的感受和現貨的印象寫入我的音樂。”（出自李斯特鋼琴全集旅行歲月1前言）從這段前言中，已經最為直觀地表達出李斯特這套作品的創作靈感來源。

一、《威廉退爾教堂》所表達的音樂內容

前面已經提到這首作品創作靈感來源于瑞士的各個風景及歷史建筑和人文文化等。《威廉退爾教堂》應該說創作靈感結合歷史建筑及文化兩個要素。威廉退爾是十四世紀的一位傳奇性人物，他的英雄故事也在民間廣為流傳。這個故事歌頌了他曾經帶領人民結盟推翻奧皇的統治，塑造了一個反抗異族統治和封建統治，團建人民最終完成解放斗爭的英雄傳奇故事。因此這首作品從音樂內容上來講，不僅僅是針對教堂建筑的描寫，更是奏響了一首英雄故事的凱歌。針對威廉退爾的故事還有意大利著名作曲家羅西尼所創作的威廉退爾序曲。兩者之間描寫的故事內容是有相似之處的。

全曲的引子部分（1-20小節）是對于教堂鐘聲的一種描寫。音樂中包含了莊嚴肅穆的氛圍，李斯特通過慢速的lento及piu lento的慢速來展現教堂的宏偉，并運用了大量的和弦展現鐘聲的色彩，整體演奏效果就像沉浸在整個大教堂鐘聲的回響之中。而且隨著音樂的不斷行進，會很容易發現作品中的音域會不斷擴大，回聲的效果逐漸增強，給人以一種肅然起敬的效果。

全曲第二樂段（21-38小節），在和聲色彩中出現了許多的不和諧音，比如右手剛開始就運用了極不和諧的七度音關系，并且輔以左手部分快速的震音，讓人情緒突然變得緊張不安起來，這個樂段段落更多表達了一種潛在的危險情緒，更像是表達侵略者入侵的一種不安情緒。但即便如此音樂中依然沒有慌亂的感覺，依然處于保持著整體平穩的節奏。30-35小節的左手旋律部分，由最強的ff到極弱的ppp非常考驗演奏者的手指能力，這一樂段音樂中也非常像是教堂中聲音的一種回聲。值得注意的是，這一樂段的左右手交替來完成主要的旋律部分，因此主旋律聲部在演奏過程中應當注意統一一致的音色。在音量上震音部分的伴奏和旋律聲部差距也非常大，需要演奏者很好地平衡這一樂段的手指音量控制。

第三樂段（38-51小節），速度由原來的慢板變為快板。樂段中出現了大量的八度上行，象征著英雄的一種反抗和蛻變。這一樂段和李斯特的《但丁奏鳴曲》描寫煉獄的樂段創作手法有些相近，應該說兩首作品的創作意圖也較為相近，都是在痛苦中升華，抗爭。音樂創作中都運用了更多向上的八度和弦，音響效果也更多了一些強調的音樂色彩。這一樂段也為過渡到下一高潮段落起到了非常好的連接作用。

第四樂段（52-60小節），這一樂段應該被稱為全曲的高潮段落。李斯特將全曲最重的音量放在這一樂段中去，并且借助大量的和弦和分解和弦來展現這一樂段的英雄主義色彩。此樂更像是英雄通過團結人民進行反抗而獲得了最終的勝利。整個樂段充滿了光明和宏偉的色彩，就像借助了宏偉的教堂而展現了一幅英雄的贊歌。

第五樂段（61-75小節），這一段落和前一段落所運用的主旋律基本相同，并且音量上依然保持著寬廣和強調，只是借由中聲部的八分音符三連音，音樂的流動感增強而使音樂上變得更為舒緩和歌唱，音樂的表現內容更像是從贊頌變成了一種回憶。李斯特通過改變創作手法將相同的旋律變換了另外一種音樂效果，不僅可以很好地過渡下一樂段，也可以讓聽眾在欣賞完全曲主旋律持續的回蕩在腦海中。

最后一個樂段（76-97小節），音樂回到了最初引子部分的鐘聲描寫，整個音樂由歌頌英雄逐步回歸了教堂的鐘聲。更像是對這一座大教堂中所包含沉淀的歷史文化進行著最后的訴說。全曲的結尾所用音量依然是較強的，最后強調了整個教堂莊嚴宏偉的主色調。

二、《威廉退爾教堂》的演奏技巧

李斯特鋼琴演奏技巧種類繁多，針對這首作品主要包含以下四類鋼琴演奏技巧：震音技巧、八度技巧、聲部控制技巧、以及踏板技巧。

（一）震音技巧

震音技巧是李斯特較為常用的鋼琴演奏技巧之一。比如他在匈牙利狂想曲中以及超級練習曲當中的很多段落都有這種的存在。這首作品中的中段（21-35小節）更是運用了這類技巧。這種技巧的難點不在于讀譜本身，而在于追求最終的演奏效果。樂譜下方也用了tremolando sempre的音樂術語來標注，表示一直的震音技巧。從字面意思來理解震音是追求震動效果的一種技巧形式，演奏效果有點類似于顫音。顫音早期的形成原因有一部分是彌補鋼琴無法持續發音的弊端，而將單音通過顫音形式來拉長音符的時值，因此將顫音演奏成一種單音效果往往在作品中是失敗的，絕大部分也是不符合創作者的本意。震音技巧更像是顫音技巧的升級版，由原本單音的持續改為雙音乃至和弦的一種持續，因此這種技巧整體比顫音技巧要高出一個等級。從李斯特創作的整個震音樂段中大量運用了三十二分音符時值可以看出在這個段落依然演奏速度是非常快速的，也就要求演奏者有較高的演奏技巧功底。在這里可以給演奏者提供一些練習和演奏的建議，首先是嚴謹對待樂譜，震音技巧在這首作品中較比顫音更難的一點是所有音符寫得非常具體，并非像顫音一樣根據演奏者的能力和段落需求可以自行增加或減少顫音中的音符，因此需要我們準確演奏而非隨意改變。很多能力不夠的演奏者經常在會采取縮減音符加上踏板以蒙混過關，這種方法在針對所有作品是極其不可取的，任意增加或者減少音符不僅會影響作品段落中的振動效果，還會影響右手旋律部分的節奏韻律，因此最可取的方式是針對技巧采取練習和面對。很多的練習曲或者是基本練習中有包含這種震音技巧的練習，比如哈農手指練習中的最后一課以及車爾尼和克拉默練習曲中的某些課程，可以采取提前訓練這類曲目或者練習再過渡到這首作品。其次是要關注震音技巧中的平均度問題。這類技巧較為直白一點說更像是兩個音符之間的重復加速，好處是很快可以形成一種肌肉的習慣性動作，但針對部分練習者缺點就是容易任由手指的隨意重復而忽略掉本身的平均度要求，這種缺乏平均度的震音最終的效果將是災難性的混亂不堪，因此解決這種技巧要求我們用不同的速度練習時都要時刻關注平均度的要求，才能最終達到音樂本身的效果。

（二）八度技巧

提到八度技巧絕大部分鋼琴演奏者是不陌生的，因為一般鋼琴演奏到中等程度八度技巧運用已經處于一種常態化，由于八度演奏比單音色彩更加飽滿，這類技巧甚至存在于大量的流行音樂中。針對李斯特這位炫技大師而言八度技巧在作品中的大量存在更是不稀奇。但依然需要引起演奏者注意的是，李斯特八度演奏技巧是在其老師車兒尼練習曲技巧的基礎之上加以進化和提高的，他本人更是為了追求鋼琴色彩的多樣化加入了各種八度技巧的變化。比如作品中38小節的八度跨越，39小節的八度半音以及50到51小節中的八度音階等等。需要注意的是演奏者在訓練這類技巧過程中要保持音符的完整和清晰，這一點也是很多人容易忽略和犯的錯誤。比如部分人在演奏八度過程經常丟音，尤其是低音演奏不清楚。還有部分演奏者彈這首作品的這類技巧缺乏手指的支撐感，下鍵較軟，聲音無法達到作品要求，甚至會出現連續兩次八度音第二個音符沒有聲音的情況。針對這首作品，需要演奏者在練習演奏中懂得運用小臂和大臂的力量來推動演奏，而不僅僅局限于手腕關節，并且手掌和手指的支撐感要強，手腕關節不可過高，否則聲音無法達到通透的效果。這類技巧的練習依然需要較好的技巧功底，值得一提的是，八度技巧如果能力本身不夠而硬性大量練習的話，容易造成手部的創傷，包括一些職業的鋼琴演奏家也時常會因為八度練習技巧的練習造成手部的疼痛甚至由于肌肉拉傷造成了終身的影響。因此在訓練這類技巧時可以循序漸進來練習，不可操之過急。

（三）聲部控制技巧

作為一個多聲部的樂器掌握聲部演奏技巧是鋼琴演奏者所必備的基本素質之一。從鍵盤樂器早期發展的巴洛克時期，復調作品中就大量運用了多聲部的演奏技巧，這種技巧發展到浪漫主義時期在絕大部分作品中都有所運用，盡管在充斥著主調音樂為主的浪漫主義時期作品中，難度相較于復調作品稍低，但仍然不可忽略。《威廉退爾教堂》這首作品中接近于尾段的61到73小節這一樂段基本包含了三個聲部。控制聲部的技巧是這一段的重點。這個段落主要旋律的高聲部是需要演奏者在演奏過程中剝離出來練習的。一方面是需要清晰知道李斯特在這個段落過程中所表現的主體旋律是那些聲音，第二方面是將這類主旋律的聲音需要連接成一個完整的樂句甚至是樂段。在完成了高聲部的訓練之后，中低聲部的訓練也必不可少。盡管作為次要聲部，但演奏者仍然需要對中聲部的音符流動感加以訓練，如果聲音超過高聲部將會出現主次不分的情況，聲音的過分生硬也會影響樂句走動。中聲部的訓練建議手指以緊貼在鍵盤上走動為主，這種觸鍵容易讓聲音連貫而柔和。作為低聲部的分解和弦可以聲音略重，起到低聲部聲音支撐作用，可以較好地拓展音域，讓整體和聲效果更為飽滿。因此在這個段落的聲部訓練過程中，突出高聲部的同時整體協調好各個聲部的職責和聲音控制，相輔相成的展現作品的音樂是極為重要的。

（四）踏板

針對浪漫主義時期作品而言，踏板技巧是一個不得不提及的演奏技巧。古典主義時期開始到浪漫主義時期，鋼琴本身的樂器發展也在慢慢變化，踏板的功能也逐漸趨于更好的共鳴和延長效果。因此這一時期幾乎很少有作品是完全不用到踏板的。但僅從李斯特《威廉退爾教堂》原版曲譜中發現，踏板是沒有被標注出來的。這點其實很多浪漫主義時期作曲家創作作品都是如此，不一定會標注全部的踏板，甚至有些作品完全沒有標注任何踏板。即便如此絕不代表演奏者是完全不用的。從作品中的和弦連線，震音的振動延長效果，到和弦重音最終所需要達到的飽滿程度，無疑這些要點缺了踏板音樂作品很難達到一個很好的效果。這里給出演奏者的建議是按照旋律及和聲來參考踩踏板。比如整個引子樂段（1-20小節），由于段落速度較慢，和聲變換頻繁，因此踏板換的頻率也非常高，甚至有部分小節會換到三到四個踏板。而針對后面的震音樂段（21-37小節）和后面的快板樂段（38-51小節）而言，速度較快，和聲變化少，演奏者就可以適度減少換踏板的頻率，某一些小節完全屬于同一和聲就沒有必要換踏板。在此值得一提的是，沒有一個標準的踏板是一定要如何運用的，一名好的鋼琴演奏者會根據不同的鋼琴甚至不同的場地不同音效來隨時輕微改動踩踏板的方式，因此在這里只可以適度給出一些踏板建議僅供參考。針對踏板總結一句最為精華的話就是用我們的耳朵聽辨來及時控制踏板的運用。

結 語

通過對李斯特《威廉退爾教堂》的分析，可以讓更多音樂愛好者感受到浪漫主義時期的音樂魅力及李斯特鋼琴技巧中所包含的技巧難點和部分解決要點。作為強調抒情性、自傳性和歌唱性的浪漫主義時期，李斯特這首作品無疑成功的，也為后面《旅行歲月》曲集的整體創作展開了一個精彩的篇章。■