黃安倫鋼琴作品《序曲與舞曲》的音樂演繹

李媚佳

〔摘 要〕《序曲與舞曲》創作于1974年，是黃安倫鋼琴作品代表之一，自問世以來，這首不可多得的原創作品便登上了國際樂壇，成為國內外各大型鋼琴比賽必彈曲目。整部作品由抒情優美的“序曲”與節奏鮮明的“舞曲”組成。為更好地把握、演奏本作品，本文分析了作品的創作背景，并從技術、節拍、力度、音色等方面探究演奏手法。

〔關鍵詞〕序曲；舞曲；演奏分析

一、《序曲與舞曲》的寫作背景

1966-1976年，中國處于社會動蕩、經濟停滯、文化落后時期，鋼琴則作為“小資”樂器遭到封殺。這期間的鋼琴作品大都屬于“改編曲”，原創作品數量并不多，很多作曲家選擇了改編古代傳統器樂曲或者采用民間音樂加以豐富其織體、和聲使之成為鋼琴曲。在這樣的社會背景下，黃安倫于1974年完成了《中國暢想曲第二號》的創作。據黃安倫回憶：這首作品是在我師姐魏立的影響下誕生的。當時，魏立特地跑過來讓我看她收集的臺灣家鄉民歌，對于耳邊總是聽大陸歌曲的我，其中幾首高山族的《阿美組曲》引起了我的注意，生動新穎，加之魏立還激動地為我展現了當地的舞蹈動作。她對家鄉的熱愛深深打動了我，幾天后，這首《中國暢想曲第二號》便誕生了。

遺憾的是，由于當時政治環境因素，這首不可多得的原創作品并沒有當即問世。直到1977年，劉詩昆首演了此作品并改名為《序曲與舞曲》，才在當時脫穎而出，成為這時期鋼琴作品的“佼佼者”。

二、《序曲與舞曲》的演奏分析

《序曲與舞曲》給人一種動靜一體的音樂性格，既有感人至深的旋律線，又有棱角分明的節奏點。許多鋼琴演奏者憑借此作品獲得世界鋼琴比賽大獎，所以無論是技術層面，還是音樂層面，都是很有挑戰性的。加之《序曲與舞曲》這部作品對技術、節拍、力度、音色等方面的特殊要求，使這部作品在具有鮮明的中國風格的同時，又具有非常強烈的現代感，對演奏者來說難度很大。

1.技術特點 序曲樂章是一首復調音樂，全曲有一個貫穿始終的主音D。在高山族民歌中，最常見的就是以這種持續主音進行來襯托主旋律歌唱，序曲中很多段落正是采用了這種歌唱形式。

樂曲開頭持續主音D（第1—8小節）是單獨出現的，而后左手聲部在主音基礎上加入了低音旋律，一只手需要演奏不同聲部，從而加大了左手對各聲部音色控制的難度。同時，右手除了旋律聲部外，也加入了內聲部織體，這就要求演奏者左右手有極強的獨立性和協調性，且將力量的重心側重于上方的旋律聲部，并設計好指法，突出旋律的連貫歌唱。

其中A、A1、A2樂段演奏方法基本一致，都是以左手切分音型加以右手旋律弱起進入的，彈奏時手臂、手腕放松，用指尖演奏連貫歌唱的旋律。這段音樂材料取自于馬思聰小提琴曲《阿美組曲》中的《山歌》片段，演奏者要用鋼琴去模仿小提琴綿延不斷的音色和悠揚的氣息，這就要求指尖觸鍵飽滿，力量在各指間移動。同時，運用延音踏板加之潤色，使音樂纏綿動聽。由于聲部間走向的變化，左右手始終在演奏不同的音樂線，但這和西方的復調音樂有所不同，因為鋼琴琴鍵的位置并不適應五聲音階的彈奏習慣。因此彈奏中國調式對于演奏者來說并不順手，想要很好地詮釋這部作品，演奏者就必須解決好這種特殊的演奏方式，來適應中西方音樂語言在鍵盤上的差距。

舞曲樂章與序曲樂章截然不同，主要突出棱角分明的節奏，像鼓樂一般，注重力度與速度的變化，展現了高山族動感的舞蹈場景。樂曲開頭為鋼琴最低音A2和bB2的交替進行，由于在鍵盤的最低音，因此在彈奏時身體重心需要向左傾斜，手指并攏，力量集中到指尖，恰似鼓錘敲擊鼓面，強弱分明。一小節的散板結束后，進入引子樂段，音樂由此進板，呈現出一種新的節奏型——切分節奏，且幾乎貫穿整個舞曲樂章。這種改變強拍與弱拍規律的節奏，非常具有民族特征，在黑人爵士樂中常見，而臺灣高山族的音樂也常使用這種切分音型。演奏這種節奏，要尤其注意音符時值的準確性以及重音位置的把握，力量集中到手指尖，手掌給予很好的支撐，敏捷觸鍵并很快離鍵，營造歡快跳躍的舞蹈場景。

此外，整個舞曲樂章包含了很多雙音、三和弦、七和弦的演奏，無論它們時值長與短，要彈出整齊且好聽的聲音，一定要進行分句慢練。彈奏時手掌要擺好架子給予支撐，不能塌陷，將手臂的力量通向指尖，切勿僵硬，先摸住位置再準確無誤地下鍵。觸鍵時指尖要堅定有力地站住，這樣演奏出來的音色才會更加通透。

不僅如此，作品自始至終的持續性，沒有給演奏者以喘息機會，使得在演奏作品時沒有思考的空隙，因此完整性的把握也就成為彈奏者的一大挑戰。加之舞曲采用的是變奏手法，給演奏者加大了背譜的難度。演奏者需要時刻保持靈活的手指與清晰的頭腦。

2.節拍特點 節拍上的豐富多變，主要集中在序曲樂章。每一句旋律歌唱結束后，作曲家都會采用變化節拍的方法安排一個長音，仿佛音樂即將終止，好像嘆息，但很快又將聽眾帶進另一段旋律中，看似隨意，卻意境深遠，詼諧有層次。

樂曲開始為4/4節拍，隨著音樂的變化發展，先后出現了3/4、5/4等節拍的變換交替，使音樂的發展更加有張力，情緒也更加高漲，從而達到全曲高潮，最后歸于平靜。與此同時，在不同節拍的變化中，全曲大篇幅使用切分音型。想要完美地演繹切分節奏，演奏者要有很強的節奏感。在節拍的變換交替處，演奏者要銜接自然。

3.力度特點 這部作品創作于1974年，歸于現代作品，而現代作品最突出的特征之一——力度對比。巴洛克時期樂曲，力度對比通常出現在樂段之間；古典主義時期樂曲，則強調樂句之間力度對比；浪漫主義時期樂曲，力度對比則出現在各個樂句內部；而現代作品在力度上更加強調細膩精致，甚至是對每一個音的控制。

序曲樂章總體布局為弱—強—弱。作品A、A1、B樂段基本處于p的力度，在高潮C樂段，力度增強，達到ff，甚至fff，最后再現A2樂段歸于安靜，力度較A樂段更加暗淡，變為pp，直至結束在ppp。

舞曲樂章由于創作特征以及演奏技巧，更加強調力度的對比，全曲類似打擊樂，在鋼琴鍵盤低、中、高音區進行敲擊。樂曲開頭第一小節為自由節奏，輪流敲擊鋼琴鍵盤最低的兩個音，以fff進入，隨后漸弱，然后達到ffff，最后結束在pp。由于舞曲樂章是變奏曲式，所以決定了每一個變奏樂段都充滿了力度對比。引子樂段為pp，主題樂段稍加強為p，變奏一為mp，變奏二音樂擴充拉長，所以變化也更加豐富mp—mf—ff。隨后的連接段為ff—pp—fff推向高潮，同時進入尾聲，在ffff上結束全曲。

作曲家在整部作品的力度表現上可謂是精致入微，因此演奏者在詮釋作品時要深入理解作品，控制好每一個音的力度，做到既有鮮明的強弱對比，又有清晰的層次表達。

4.音色特點 音色變化是詮釋好整部作品最關鍵的一個環節。作品中除了包含高超的技巧外，就是對音色的控制。

序曲樂章首尾兩段是抒情、柔美的旋律，在彈奏時要盡可能自然流暢一些，具有延伸感，不要過度表現抒情而顯得做作。同時，在旋律下方始終有一個持續主音D貫穿全曲，襯托出綿延不斷的長線條氣息。另外，還要注意與主題旋律、持續主音相呼應的其他聲部旋律的進行，做到層次分明，線條清晰。

樂曲的中段，情緒推向高潮。持續的三十二分音符快速跑動段落，也是全曲的華彩樂段，演奏時要求手指觸鍵敏捷，聲音飽滿且富有顆粒性，音樂一氣呵成。而后鏗鏘有力的切分大和弦，以及左手的八度低音進行，則要求手形與手掌有一個良好的支撐，肩膀、手臂、手腕要放松，力量下沉貫穿至指尖，貼鍵彈奏，氣息連貫。

舞曲樂章主要突出棱角分明的節奏型。開始的低音像敲鼓般強—弱—強—弱的不斷變化，震撼人心。隨后是很輕的切分音型進入，富有彈性和動力，要求指尖觸鍵敏捷，節奏鮮明準確，注重跳音和保持音的表現，造成抑揚頓挫之感。所以在演奏時要注意音樂幅度的安排，不管是非常弱的還是非常強的，都要突出一個鮮明的有棱有角的節奏。演奏時除了運用全身的力量外，尤其需要注意對不協和音響的控制，要求肩、臂、腕、指及時給予適當的柔化，讓音色更加娓娓動聽，深入人心。

（責任編輯：劉小紅）

參考文獻：

[1]吳瀅.黃安倫《序曲與舞曲》“指—腕—肩—腕—指”的演奏處理.科教文匯，2013.

[2]吳珂昕.黃安倫鋼琴作品《中國暢想曲》（NO、2）創作與演奏研究.山東師范大學碩士論文，2010.