舒伯特中提琴作品《a小調奏鳴曲》第一樂章演奏技巧研究

甘韜

【摘? ?要】隨著國家的快速發展，人們的生活水平逐步提高，這也導致人民對精神層面的需求愈發迫切，因此音樂在生活中的重要性也逐漸體現出來。中提琴雖然一直以來并不是一個頻繁出現在人們視野中的樂器，但在時代的浪潮下也出現了越來越多的中提琴演奏家和理論研究者，助力推動中提琴在專業領域內與非專業領域內的發展進步。本文就對中提琴作品舒伯特《a小調奏鳴曲》第一樂章的演奏技巧進行簡要闡述。

【關鍵詞】演奏技巧? 中提琴? 舒伯特

中圖分類號：J605?文獻標識碼：A??文章編號：1008-3359（2023）24-0099－06

現在大家常聽到《a小調奏鳴曲》的演奏形式大多是由鋼琴、中提琴、大提琴、低音提琴或者古典吉他所演奏。本文主要以分析中提琴演奏為例，作品自身有一定的難度，再加上中提琴演奏形式是改編而成的，所以在演奏上的技術難度較大，演奏者對于跳弓、重音、揉弦、力度的控制、左手顆粒性演奏、撥奏拉奏交替的技術難點等需要熟練地掌握，同時保持手指的韌性、靈活性、耐性，不僅技術上需注意，在情感上也要完全投入，融合浪漫主義的抒情性和作者自身性格的憂郁，才能完美詮釋作品內涵。

中提琴作為弦樂組中的樂器之一，有著醇厚的音色，能觸人心弦，不僅在西方國家廣為流傳，在中國也越來越為人熟知，備受歡迎。現在，許多的中提琴演奏家出現在大眾視野，中提琴的學習者也日益增多，隨著樂器的生產及系統性教材的涌現，使得中提琴藝術得到了長足發展。《a小調奏鳴曲》就是這樣流傳至今，作為舒伯特晚期的經典之作，備受許多演奏者青睞。

一、《a小調奏鳴曲》創作背景

舒伯特的《a小調奏鳴曲》是由六弦吉他型大提琴（阿佩喬尼）這種樂器的作品改編而成的，是1823年維也納人施陶費爾發明的樂器，是一種用弓子演奏的樂器，舒伯特對于這種樂器十分感興趣，并為他創作《a小調奏鳴曲》，這首曲子由三個樂章組成，正是因為這首經典作品，阿佩喬尼才被世人了解。

這首《a小調奏鳴曲》是舒伯特晚期創作的，曲子寄托了他的太多情感，曲中充滿悲傷和抑郁之情，在本該歡快的旋律之中，也帶有一絲哀怨，體現了舒伯特對他一生的哀怨和疾病纏身的苦楚。舒伯特用音樂的形式抒發自己豐富而深沉的情感，走進曲中，仿佛在訴說內心往事，通過音樂表現出情緒的起伏變化。

二、《a小調奏鳴曲》演奏技巧

任何樂器想演奏一首好的樂曲，需要注意各個方面細節。中提琴的琴身較大，演奏起來相對吃力，音量也相對較大，其音色應該是飽滿圓潤的，似大提琴那樣低沉，也似小提琴那樣清純明亮，所以中提琴的演奏重點應放在音色上，在把握其良好的音色后，再對演奏技巧進行練習。

中提琴的音色特殊，它屬于最接近人說話聲音的樂器，有磁性而且很溫暖，所以它是樂隊的中音區域，它成了管弦樂團的“腰”，同人一樣，腰是支撐身體很重要的部位，是樂團的中堅力量。雖然主要為伴奏聲部，但也是樂團中必不可少的，可以使樂團的聲音更完美地融為一個整體，在樂團或室內樂合奏中，中提琴與小提琴相比，其難度基數要低些，主要起到渲染音樂氣氛、在和聲中充當中音聲部等承上啟下的作用，以烘托小提琴或大提琴為主；在中提琴練習曲或者獨奏樂曲中，也不乏許多高難度的樂曲，中提琴與小提琴相比，中提琴的弦跨度較大，需要更大的力量，揉弦以及換弓都有一定的難度，所以筆者認為中提琴的技巧演奏難度更大。由于中提琴的琴箱大、弓子長、琴弦跨度大、琴弦粗，所以發音稍遲緩，左手要更加用顆粒性的指力按琴弦，需要更多的力量和穩定清晰的運弓才能有震動的發音，手臂需要更大幅度地彎向身體一側，以便運弓得以平穩，右手運弓也會幅度變大，對于演奏家來說是更加難以掌控的。只有做到左手和右手的完美配合，不斷加強練習，左右手默契融合才能完成好中提琴演奏。

（一）呈式部演奏要求

《a小調奏鳴曲》作品以“中速的快板”為整曲定下速度基調。在演奏過程中，除了注意演奏技巧和音樂表現外，也不能忽視樂曲整體的速度要求。樂曲開頭由鋼琴引入，意味著“故事”的開始，隨后中提琴進入，開始展開自己的敘述，奏響主題，這揭示了樂曲的核心思想，并為整個樂曲奠定情感基調，既憂傷又抒情，深深地抓住聽眾的內心。“中速的快板”要求并不是過于迅猛，而是在中速的范圍內給予演奏者一定的表現空間。這個速度要求在整個樂曲中貫穿始終，要求演奏者在保持速度的同時，能夠準確地表達樂曲所要傳達的情感和思想。樂曲的情感表達兼具憂傷和抒情的特點，深深地觸動著聽眾內心。在演奏過程中，演奏者需要注重表現樂曲的情感變化和音樂結構。通過恰當的音色、動態的控制和細膩的表現力，將樂曲中的情感層次逐漸展現出來。同時，要注意與鋼琴的配合，保持良好的音樂默契，共同呈現出樂曲魅力。

1.揉弦的演奏技巧

揉弦是弦樂器最具表現力的演奏方法之一，除了快節奏的演奏中可以忽略揉弦，大多數樂曲都離不開揉弦。在適當的地方加上揉弦，效果會比沒有揉弦的樂句在聲音上要生動得多。在該作品中，揉弦是很常見的，但多數不是大幅度高頻率揉弦，一般在低音區演奏時揉弦的頻率較低，速度較慢、比較緩和；在中高音區域，隨著音域提高，揉弦的頻率和幅度也隨之增加，音域越高且揉弦的速度加快。中提琴的音色深沉而有內涵，與舒緩的揉弦融合在一起，使音樂更加富有感染力，音色更加渾厚有共鳴。在揉弦時需要注意揉弦速度快慢、揉弦幅度大小，準確掌握不同樂句和不同樂段的風格特點，這樣的揉弦運用才是有效的，并且能使作品錦上添花。

以樂曲開頭為例，在鋼琴伴奏結束后第10小節處開始，進入全曲最優美的旋律（見譜例1）。

譜例1：

萬事開頭難，在進入之前演奏者就需要開始揉弦，否則會進入得很生硬，失去旋律的美感，第10～13小節處都要進行揉弦，不能松懈，旋律是流動的，可以揭示核心思想，奠定全曲的感情基調，憂傷與抒情并重，深深抓住聽眾的內心。在不同的節奏型里揉弦的速度和幅度也是有所不同的。該樂曲筆者建議選擇用手腕揉弦的方式，揉弦的時候左手放松，使音的頻率、力度、節奏一致，時值長的音大幅度地揉弦，時值較短處則可以快速地輕揉，要在節奏內完成揉弦，例如11小節處的三個八分音符揉弦，筆者建議選擇用手指揉弦的方式，因為八分音符時值較短，揉弦頻率不變的情況下，可以減小揉弦幅度，加快揉弦速度，此處譜中出現連線與斷音記號，這使得演奏時值更短，所以手指揉弦是最佳選擇。

2.重音的演奏技巧

重音在意大利語中統稱為“Nota Buorw”，根據不同樂段風格特點的需要，重音演奏的方式也是多變的，不同的樂句中有的需要強奏，有的需要中等力度演奏，而有的短促且很弱，以下筆者列舉一處中等力度的重音。但要注意無論運用哪種重音，都應注意其音質，演奏時不能刮奏，更不能過度用力壓琴弦發出噪音，所以對于重音的掌握需要研究其巧妙的方法。無論是在樂團中演奏，還是個人獨奏，都應該了解重音的讀譜方法和演奏方法，在不同的弓法和時值里，完美呈現，應在正確的位置、正確的拍子上將重音做出來，并和旋律完美融合，41～43小節處分別出現重音記號（見譜例2）。

譜例2：

例如譜例2，第41～43小節處，分別出現重音記號，這就是中等力度的重音，又稱“強調重音”，這種長音符與中強力度重音，需要把重音的音頭演奏得強一點，然后隨著旋律漸漸弱下，這種重音常表現旋律中特別重要的音。重音要用較長的弓段演奏，不要壓弓子，右手食指突然發力，且將弓子稍重一點，再靠加速弓速完成。要注意的是，重音記號前后兩個音不要斷開，只是意識上被斷開，所以最好可以左手保持揉弦，根據拍子的長短進行演奏，但不能有音符之間斷開的聲音。所以在練習的過程中要對重音的演奏技巧足夠重視，分析其不同重音的力度，以及對于琴弦力量的控制。

（二）展開部演奏要求

進入展開部以后，調性進行一次改變，轉入F大調，由撥弦作為呈式部與展開部的過渡，在和聲中用分解和弦為鋼琴伴奏，起到承上啟下的作用，為再現部的出現做鋪墊。

1.撥弦的演奏技巧

撥弦譜面常見標記為“Pizz”，撥弦最常見的是用食指撥弦和中指撥弦，通常用食指進行撥弦演奏。該樂曲的撥弦有撥和弦與撥單音，下面筆者以個人演奏經驗進行分析（見譜例3）。

譜例3：

例如譜例3中第71～74小節均為和弦撥奏，和弦的撥奏方法和拉奏有相似之處，都是從里往外，均勻而有力地進行演奏，用食指撥弦，其他手指握住弓子，不要讓弓子觸碰到琴弦發出撥弦以外的聲音，食指向外側傾斜，撥弦時向面前方向撥，撥指板大概兩三厘米的地方，這里的共振效果是最好的，聲音響亮，此處也是琴弦較柔軟且容易進行撥奏的地方，若是太靠近琴頭則會太干硬、刺耳；若是太靠近琴碼方向，則會使聲音小而虛弱。撥奏和弦的時候手指與琴弦呈45度角，快速離弦，否則就會出現死板、生硬的聲音。采用準確的撥弦方式才能使呈現出來的聲音更清晰、明亮。

例如76小節處開始，持續5小節單音撥弦，不能像撥和弦那樣從上而下過度用力，此處應該注意撥弦的時候食指不能勾弦，自然伸直，八分音符時值較短，右手食指輕微用力，清晰地撥奏出每一個音符，左手需要配合揉弦。

此處還需額外注意，拉奏和撥弦的轉換不要有縫隙，拉奏換撥奏時，要注意演奏夠時長，不能因為急于換撥奏而縮短拉奏音時值，左手快速找準三和弦位置，右手也要快速進行轉變，自然地完成轉換。81～82小節處由撥奏轉為拉奏，右手需要注意的是在撥奏過程中要握好弓子，不能改變手型，否則在轉換的過程中容易出現明顯痕跡。

2.力度控制的演奏技巧

力度主要是指在樂曲中音的強弱程度，也是力量的強度，此處的力度控制技巧主要是對于樂曲漸強的掌控，此處也是樂曲的最高潮，107～118小節處是樂曲的高潮點（見譜例4）。

譜例4：

從107小節處開始，樂曲一點點走向高潮，并標注漸強，樂曲的走向逐漸向上，十六拍的揉弦幅度需要隨著力度的漸強變化而變化，要計算好時長，不能急于漸強，也不能過晚開始漸強，最好控制在四拍出現一次強弱明顯變化，從弱到中弱再到強，但注意的是力度不可以超過mf的力度，111小節處保持力度不變，112小節處是第一個小高潮點，mf的力度，右手食指發力，在音頭處有一個爆發點，會使音樂效果聽起來更震撼，小附點第一個音也不能松懈，要比mf更強，為后面漸強的音樂表現做鋪墊，再搭配揉弦的合理運用，會使音樂呈現翻倍效果。

在113～117小節處，還出現了更強的力度記號，所以揉弦時切記在幅度大、速度快的基礎上，要為后面音樂的漸強留有余地，115小節處才是最強的爆發點。高頻率大幅度的揉弦需要注意的問題是，聲音不能毛躁，即使力度變強也要注意音質，四連音的演奏要清晰，力度不能松懈，每一拍的時值要飽滿，揉弦要充分，讓手指在琴弦與指板之間充分摩擦，發出結實又深沉的聲音。

（三）再現部演奏要求

再現部與呈式部大致相同，速度回到原速，是很規整的創作手法，在細節上有所改變，為樂曲的繼續發展起到推動作用。

1.和弦的演奏技巧

和弦指的是一定音程關系的一組聲音。將三個或以上的音，按照三度或非三度的疊置關系，在縱向上加以結合，就成為和弦。和弦從調性意義上去領會，表現出的音樂特征也有所不同，在演奏和弦時要仔細去聽和弦的音響效果與和聲關系，一定存在有回響且和諧的聲音，在音色上更加飽滿、圓潤，在聽覺上能給人以美的享受。147～148小節處出現和弦，此處的音準需要注意（見譜例5）。

譜例5：

例如147小節第一個和弦，兩個音用一個手指按弦，兩個音都用到二指，將手指稍微放平，接觸面積增大，讓手指可以均勻地接觸二弦和三弦兩根，接觸不均勻的話，會出現和弦不均勻的情況，或者出現某一個音聽不清的情況。演奏時不能過度用力，手指不要繃得太緊，否則會使左手變得僵硬，演奏者容易疲憊。

和弦的音準問題是致命的關鍵，音不準，聽起來是令人痛苦的，失去了演奏意義，無論做任何裝飾技巧和音樂處理都是白費力氣，所以把音準作為基礎，掌握良好的練習方法尤為重要。在練習之前確定四根弦已經校正音準，先將和弦分解練習，準確找到其中的每一個音，再按照雙音進行練習，聽辨其和聲，正確的音準是有和諧共鳴的，聽起來無雜音，飽滿。

在演奏和弦時，從低音向高音演奏，三和弦的演奏先演奏根音和中音兩根，演奏后手指自然松開，再演奏中音和高音兩根；四和弦的演奏一般先演奏低音和三音，再演奏五音和高音，若是該和弦時值較長，則可以在最后兩個音演奏后加入揉弦，會使和弦更飽滿。無論是任何一種和弦，都要使每一根弦充分振動，不能忽視任何一個音符，否則會失去和弦的共鳴效果。

2.左手顆粒性的演奏技巧

將四分音符平均分成四個十六分音符，叫“音符均分的特殊形式”。四連音的顆粒性與清晰度是該樂曲演奏中的重點之一，在較快的速度下，曲中出現許多處連續四連音。左手的重要性是最不容忽視的，過輕或過重的按弦都會影響發出的聲音，過重按弦，會使演奏者手臂僵硬，容易疲憊，導致左手手指失去其按弦的靈活性；過輕按弦，不能充分按壓琴弦的話，就不能使其完全震動，會使聲音不清晰、發虛，則失去練習意義。163～167小節處出現連續的四連音演奏（見譜例6）。

譜例6：

例如曲中163小節處，雖然有連弓的標記，但也不能使音符黏在一起，要有顆粒感，在快速的連續四連音中，缺乏獨立性的手指則會顯得更加混亂不清，聽不清演奏音符。164小節處出現“p”，但此處聲音不可以發虛，即使是弱奏也要顆粒感分明，只是在前1小節的對比之下較弱即可，每一個十六分音符的第一個音都要發一下力，突出旋律走向。167小節處出現較多的變化音，在掌握正確音準的前提下，逐漸加強，力度不能松懈，清晰地演奏出每一個音符，連續5小節的較快速度的四連音容易使演奏者左手手指疲憊僵硬，所以要針對性訓練左手靈活性。

一個正確的持琴姿勢非常重要，好的手型和姿勢是手指靈活性和獨立性的關鍵，所謂的獨立性就是可以任意下落手指進行按弦，不受限制。另外手指力量的練習也尤為重要，力量的練習是顆粒性的關鍵，在練習的時候可以高抬手指，手指自然彎曲，準確且有力量地下落手指，不得刮弦，當按壓到琴弦上時，可以聽到清晰的音高和手指與指板“碰撞”的聲音，四個手指分別要在不同的把位、不同的琴弦上進行練習。

3.跳弓的演奏技巧

右手在握弓時將拇指朝向中指，當作一個支點，食指在弓上施加壓力發出聲音，通過食指的壓力大小來掌握音樂強弱，小指起到平衡的作用。中指和無名指自然地放在弓上。握弓時必須保持弓子的運動自由，為了保持靈活性，演奏時右手放松，自然演奏即可，過度用力反而弄巧成拙。在提琴演奏中，跳弓是右手技巧中很重要的一項，其中最常見且使用最多的有兩種，分為“自然跳弓”和“人工跳弓”。自然跳弓又稱彈跳弓，或是快速跳弓，一般在曲子速度快時多有用到，在音樂術語中一般標記為“sautillé”。人工跳弓又稱擊跳弓，或是控制跳弓，一般需要演奏者右手有技巧地把控，在音樂術語中一般標記為“spiccato”。

178～179小節處出現連續跳弓的標記（見譜例7）。

譜例7：

例如譜例7中的跳弓就屬于前文所提到的人工跳弓，因為此處速度為中速稍快，意為適中速度的快板，所以更適用于按照人工跳弓處理，這種跳弓可快速可慢速，強弱也相對好控制，可以演奏厚重或很輕巧的音響效果。

中央音樂學院趙薇教授在小提琴教學的理論書籍中，曾對其做出以下定義：“人工跳弓就是弓子離弦，從空中掉下，同時做橫向運動，拉完這個音以后，弓又順著反彈力離弦，等于弓在弦上走了一個下弧形，在這個弧形的底部或接近底部處觸弦。這種跳弓的速度可以人為控制，弓段也可以根據音樂所需要的效果來選擇。”在練習跳弓時，演奏者身體放松、右臂放松，自然地落在琴弦上，輕松地演奏即可，不要繃緊神經、過度緊張，跳弓本身就是一種省力的演奏技巧，只有心態和肢體協調放松，才能呈現完美的效果。演奏時弓子與指板平行，和拉奏一樣的位置狀態，人工跳弓更多是需要對弓子橫向把控，每個人都有自己運動的習慣，要對自己的弓子了解，熟悉它的重量、它的彈跳點和平衡發力點，同一把弓子不同的人運用就會有不同的效果。練習演奏出的聲音要平均力度，不能時而重、時而輕，控制聲音需要多加練習，演奏出的聲音決定音質的好壞，且最終決定跳弓的演奏效果。

（四）尾聲演奏要求

尾聲部分是樂曲的補充，調性和旋律都在主題素材上，樂曲一點點減弱、漸慢，將猶豫和傷感之情描寫得淋漓盡致，掌握這一部分的主題，將樂曲表現得更飽滿充實，為第一樂章畫上完美的句號。

三、結語

舒伯特賦予《a小調奏鳴曲》深刻的內涵，用中提琴這種最接近人聲的樂器演奏，更像是在訴說觸動內心深處的聲音。作者細膩而極致的創作與演奏家們傾情演奏相結合，以至于《a小調奏鳴曲》至今備受音樂家和聽眾的喜愛，在演奏過程中，不僅要運用正確的演奏技巧，而且要把握作品的內涵，把作曲家的音樂風格與創作背景相結合，用詮釋中提琴演奏的方式呈現最真實、最完美的作品。

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