歌如行板 緩而有“度”

在我國2011年修訂的《義務教育音樂課程標準》中，對中小學音樂課中歌唱教學目標大致表述如下：“歌曲僅是歌唱教學中的一個素材，歌唱教學的目標不應該僅僅是讓學生學會演唱一首歌曲，或通過歌唱學習積累經驗，而更應該體現在對學生演唱表現能力的培養與提高上。”對照這樣的要求，反觀現實教學中的音樂課堂，我們會發現，許多歌唱教學的常態目標定位是遠遠不達標，甚至嚴重偏離的。

我們無意否定“唱會”和“唱對”對于完成一首歌唱作品的基礎作用，但很顯然，歌唱教學要解決的問題和要培養的能力遠遠不止于此。眾所周知，歌唱學習對人的生理機能、心理活動、語言表達、情感釋放、個性塑造，乃至生活情趣與精神世界的培養等諸多方面都能夠產生積極而深遠的影響。當然，要想獲得這種影響就要經過科學、嚴謹而有序的訓練，因為歌唱學習是一門“慢”藝術，不論是從機體的成熟、技能的嫻熟，還是從歌唱表達的自如性來看，都需要一個漫長的過程，因此，“緩而有度”“循序漸進”可以被視為歌唱教學的基本特征，從“唱會”“唱對”到“唱好”“會唱”是需要遵循一些原則、掌握一些方法的。本文將主要從以下三個方面予以集中探討。

一、欲速則不達——教學準備循“進度”

《禮記·學記》曰：“不陵節而施之謂孫……雜施而不孫，則壞亂而不修。”《荀子·勸學》曰：“騏驥一躍，不能十步；駑馬十駕，功在不舍。鍥而舍之，朽木不折；鍥而不舍，金石可鏤。”第一則古訓提出尊重自然規律而施教的重要性，第二則古訓論證了品格堅毅方能成事的真理。把它們運用到歌唱教學中，是最恰當不過的警示了。

1.目標分梯度

國外醫學研究將兒童歌唱能力分為八個層次，即前歌唱者（Presinger）、說話式歌唱者（Speaking Singer）、唱念混合歌唱者（Inconsistent Speaking Singer）、有限音域歌唱者（Limited-Range Singer）、有限音域唱念混合歌唱者（Inconsistent Limited-Range Singer）、原生音域歌唱者（Initial-Range Singer）、原生音域拓展歌唱者（Inconsistent Singer）和自如歌唱者（Singer），旨在提醒音樂教育工作者，正式的歌唱訓練必須在學生的生理器官完全發育時才展開，應充分考慮其生理與心理的變化、發展規律，適時教會學生控制自己的聲音與肌肉，避免聲帶受損。一般來說，在尚未變聲的小學階段，應以興趣培養、愉悅的游戲性操作體驗為主；到了初中階段，再慢慢滲透技能的教授與訓練，使其歌唱能力得到實質性的長進。

2.文本挖厚度

當前，在我國中小學音樂教科書中，普遍采用了一種“以文化主題構建單元”的編寫方式。這種編寫方式的最大好處是便于教師從作品的人文與文化線索出發，找到不同作品之間的聯結點，讓學生通過幾個關聯性作品的學習，從不同審美角度、不同藝術表現形式，獲得對某一文化主題或現象的深刻認知。因此，挖掘這些作品的共性文化特質與內涵，就是教師不可缺少的案頭工作了。比如歌曲的由來、創作背景與年代、詞曲作者賦予作品的主題思想、歌曲的音調與基本情緒、詞曲在語調與音韻方面的設計安排、作品的流行度與影響力等，都是撐起作品文化厚度的有力支點。

3.內容有開度

“一課一曲”“換課換曲”是傳統歌唱教學的慣常做法，這種固定思維在很大程度上限制了教學內容的延展，阻礙了教學方式的突破，繼而導致教學審美疲勞的產生。如果換做“一課多曲”或“多課同曲”的方式來構建一堂歌唱課，就能使課堂上時常保持一種新鮮感和鮮活度。

所謂“一課多曲”，就是在曲量上做文章。即，在教學的不同時段，適時切換曲目、變化音響，始終以新鮮的學習內容吸引學生，激勵他們保持學習能動性。“一課多曲”的方式，既可幫助學生積累聽覺素材、構筑豐富的音樂經驗庫，又賦予了不同曲目不同的學習任務，讓學生通過不同作品的學習鍛煉歌唱能力、動作能力、表述能力、思維能力、讀寫能力或編創能力，一個階段積累下來，綜合能力的提升必定是驚人的。

所謂“多課同曲”，就是在“曲意”上下功夫。即，在不同課時中，有目的、有計劃、分步驟地復習和回顧同一教學內容，并將這一教學內容的維度、寬度和深度進行分層，讓作品的多重屬性逐漸顯現出來，讓歌唱表現活動變得豐滿而立體。

這兩種教法都是值得嘗試的，它們提供的是一種或開放或聚焦的教學思維，突出了教學的序列性，讓教學內容的整合與發散找到了基于邏輯構架的依據。

二、細節定成敗——教學實施講“效度”

教師一旦明確了“教什么”的問題，接著就是思考“怎么教”？雖說教無定法、貴在得法，但是怎么教才教得有效、有趣、有意義，一直以來都是廣大教師孜孜以求的一則命題。基于歌唱教學的特殊性，筆者建議從三個方面精準發力，提升教學實效。

1.切入選角度

每一首歌唱作品都會顯現出諸多特點，比如特色音調、方言襯詞、節拍律動、節奏風格、和聲疊置、調式調性、唱法潤腔、表演形式，等等。作為音樂教師必須從中找準最典型的音樂特征，在一節課的有限時間內予以強化和深化，以供學生有針對性地感受與學習。突出不同類型歌曲的標志性音樂語言，有利于學生在未來的歌唱學習中舉一反三，自主掌握歌曲學唱的一般性規律。比如民歌戲曲類的歌唱作品比較適合從方言、音調、唱腔和韻味入手；童謠校園類歌曲會更多從節拍律動、音樂風格和表演形式等要素展開教學；而合唱類作品則需要從和聲寫作方式、音色控制、調性色彩和伴奏分析等角度進行賞析，更準確地為歌曲特征“把脈”。

2.體驗求深度

人的情感體驗主要來自三種不同類型：形式性情感體驗、內容性情感體驗和經驗性情感體驗。中小學音樂教育面對的是普通學生，因此，更提倡利用形式性或內容性情感體驗方式進行教學，幫助學生建立體驗經驗系統，最終形成經驗性情感體驗的能力。值得注意的是，在進行前兩項初級體驗活動時，必須遵循“情感優先”原則，即把對學生歌唱欲望和情感的激發看作是教學的首要任務。通過模仿、跟隨、接唱、呼應、合作、對比等多種學唱（歌唱）方式，先讓每一位學生敢唱、愛唱，做到自然、自信地歌唱，繼而采用“聯覺通感”的方式進一步加深、優化體驗。比如在歌唱活動的同時適時、適度地融入肢體表現、空間感受、畫面想象、情節設計、角色扮演等情感參與模式，使學生獲得更豐富、更綜合的音樂體驗，對歌唱活動產生深層體認，并在愉悅、和諧的氛圍中分享合作的成果。

3.余音留溫度

“聲帶是有記憶的。”這是筆者在中央音樂學院聲歌系求學時，聲樂教育家黎信昌教授在授課中告知的，據說也是經過醫學論證的結論。因此，每次黎先生都會在筆者唱得最舒服、情緒最高漲、音樂表現最充沛的時候微笑喊停，結束一節課的學習。按照他的話來說，那是“見好就收，給下一次課留一個最好的開頭”。仔細揣摩，頗覺在理。我們在平時歌唱教學中也是同樣，不僅要會聽辨學生的聲音質量，還要時時觀察學生的情緒、狀態和體能，學會適可而止，絕不竭其所能。讓每一次學習都帶著上一次美好的記憶，一張口就對自己充滿信心，對歌唱充滿熱情，這就是最有利于歌唱的學習準備。

三、不走尋常路——藝術表現定“準度”

1.要音準更要音色

雖然用音準衡量一首歌唱作品的完成度的確無可厚非，但我們要追問的是，與十二平均律等高的就是歌唱所需的“好音準”嗎？歌唱教學中，會不會因為跟音準過度較勁兒反而丟掉某些更有價值的審美體驗呢？這些問題都有待我們進一步深入思考與探索。中小學音樂教科書中的歌曲，大多朗朗上口、簡單易學，除了特殊的風格需要導致局部可能出現少許大跳音程或裝飾音、變化音外，一般的旋律框架都可以在充分聆聽中快速建立。如果從聲音美學的角度來評判，其實比音準更為重要的藝術表現手段恰恰是音色這個要素，甚至不夸張地說，加強音色的科學訓練將會大大改善和提高音準的教學效率。

筆者在本文提供一些可供參考的做法。第一，保持個體音色的柔和性。“柔和”即表明歌唱狀態的松弛和自在，如果歌唱機能始終處于一種可調配的靈動狀態，就算遇到音準難點也不會躲、不會僵，那么渡過難關自然容易很多。第二，學會聆聽并控制自己的音量。鼓勵每一位學生在集體演唱中控制自己的音量，創造聆聽對方和被對方聆聽的雙重機會。歌唱中一旦有聆聽，就會有模仿；有了模仿，就會有碰撞；有了碰撞，就會有微調和矯正，不和諧的音準與音色就是在這種精細入微的聽覺環境中被一一抹去的。第三，尋求有穿透力的“班級合音”如同火箭發射一般，只有高能量、高速度和高聚焦才能合力完成一次穿越云層的大爆發。聲音也是同理，對一個班集體而言，“高聚焦”的聲音就是要求大家心往一處想，勁往一處使，始終以集體的音質為標準，迫使自己靠近。或者，在班級中樹立一個音準穩定、音色漂亮的聲音范本，讓其余學生分批模仿、疊加進來，保持原有色澤、不斷增加飽和度，最終獲得既有質感又有力量的班級合音。

2.將“音符”化為“音樂”

音符是平面的，音樂是立體的；音符是靜態的，音樂是流動的；音符是理性的，音樂是感性的。那么，對于一首歌曲而言，怎樣才能將譜面的音符演繹成打動人心的歌聲呢？關鍵點在于掌握歌曲的神韻，以韻來連綴歌曲的句式段落，以韻來調和歌曲的氣口腔調，以韻來傾訴歌曲的嗟嘆吟詠。

何以得“韻”？第一，在氣息里找韻。素來歌唱有“長吁短嘆”“一唱三嘆”等說法，大概意思是說樂句有長有短，氣口有連有斷，很多歌唱的韻味就藏在這一口氣里。為歌曲設置合理的氣口，是歌唱學習中學生必修的一項基本技能。氣口不僅能夠體現歌者對樂思的理解、運用氣息的能力，還可以檢驗其對歌詞的解讀和表現能力。第二，在力度里找韻。力度可以改變聲音的振幅，美化聲線的形態，力度變化豐富的聲音更容易塑造立體的音樂形象，也就更容易激發聽者的情感共鳴。因此，在歌唱教學中，甚至在聲訓活動中，都不要忽略對力度的強化訓練，尤其是漸變式力度（漸強、漸弱）最能夠鍛煉學生的控制力，鞏固歌唱的持續力。第三，在咬字中找韻。咬字是歌唱學習中最重要的輸出環節，再好聽的聲音也要借助咬字把情感傳遞給聽者。咬字原則在于字頭要分清，字腹不變形，字尾須收好，聲調要念準。當然，不同的曲風，咬字也會有不同的訣竅。比如戲曲唱腔類作品需突出“字頭的范兒”、講究“依字行腔”；民歌類作品強調“聲隨字發、聲隨腔行”，并要求音質的“甜、脆、圓、亮、水”；而一般的歌曲則要做到“字正腔圓”“聲情并茂”。

3.由“唱歌”轉向“歌唱”

如果說唱歌是一種音樂活動，那么發自內心的歌唱就應該視為一種情感高度參與的藝術表現行為了！貝內特·雷默在《音樂教育的哲學》一書中指出：“審美觀察×審美反應=審美體驗。”也就是說，只有審美觀察還不是真正意義上的審美體驗，只有將自己浸潤在音響中，分享包含在音響中的感覺意識，并對其做出獨特的審美反應，才算獲得真正的審美體驗。回到歌唱教學的主題，這些“獨特的審美反應”就是歌唱過程中的一系列內心活動，就是歌唱過程中的情感經歷，把歌唱中獲得的審美反應通過歌聲表現出來，才是一次完整的音樂審美體驗之旅。中小學音樂教師應當堅持這樣的教學導向和標準，秉持這樣的育人理念，把普通的、簡單的“唱歌”活動逐步提升為由內而外、以情傳情的“歌唱”藝術活動。把每一首歌打造成一幅畫、一場景、一出戲，在歌聲中師生共傳情，互訴最美的心聲。

歌如行板，靜待花開。愿每一位音樂教育工作者都能緊緊把握教育對象的身心特征，遵循歌唱教學循序漸進的原則，以行者的步履和心態，細心播撒歌唱的種子，靜候歌聲豐收的季節！