青年評論家眼中的中國上海國際藝術節

近日，由中國戲劇家協會、上海戲劇學院、上海市文聯主辦的全國青年戲劇評論家研修班（簡稱“青評班”）在滬開班。在研修期間，學員考察了中國上海國際藝術節的辦節理念，與藝術節中心總裁王雋進行了對話，觀摩了藝術節系列演出，并特地舉辦“我看中國上海國際藝術節”論壇。來自全國各地的近30位青年評論家從各個角度暢談了對藝術節的看法。

張薇（香港西九文化區管理局高級研究主任）：協調好本土性和國際性之間的關系

一個國際文化盛事需要面對的問題是，怎樣協調本土性和國際性之間的關系。沒有本土性，國際性就是空中樓閣；沒有國際性，本土性就是自娛自樂。而就國際性本身來說，又存在一個矛盾，那就是既要凸顯不同文化的差異性，又要彌合其中的差異，讓它們統一服務于一個共同的藝術主題。 我們需要“回望傳統”，也需要“關注當下”。我們回望傳統的深度和廣度，直接影響著我們看當下的角度、表現當下的能力。而這種角度和能力，又直接影響我們委約作品時對題材、藝術形式的選擇，也影響著我們挑選節目、策劃藝術單元/子項目的趣味。

鄭永為（沈陽市藝術研究所研究員）：我們看世界，世界看我們

上海國際藝術節給我印象最深的首先是其國際性和經典性， 它以全球視野呈現了藝術發展的潮流和中國藝術發展的高度，是我們看世界的一個窗口，也是世界看我們的一個窗口。美中不足的是其國內板塊經典不少，但是新作偏少。觀摩了幾場演出，給我感觸最深的就是藝術本體語言的釋放，以及藝術領域創作空間的綜合。文學性較強的話劇作品我一個也沒看到，而不受民族、膚色、語言限制的音樂、舞蹈、視覺、肢體等藝術語言得到了釋放。戲劇家、舞蹈家、美術家、文本藝術家、視覺藝術家、導演藝術家等等，它們之間的界限模糊了，好多藝術史兼容并蓄的，好多藝術家是具有綜合表現能力的。

鄧添天（四川省文化廳劇目工作室創評室副主任）：中國文化發展的自我鏡鑒

首先，我覺得上海國際藝術節是一個國際級的平臺。這個平臺有兩層意思：一是請進來，學習國外戲劇的平臺。云集全球最新創作的或者說最成功的、最具獨特藝術氣質的戲劇；第二是“走出去”，藝術節還是一個展示國產戲劇的平臺，代表了當前中國戲劇的水平，是國際戲劇界了解中國戲劇的一次聚焦。

上海國際藝術節還是一面鏡子。這個鏡子也有兩層意思：其一是照見歷史傳承的現狀。戲劇有著悠久的發展歷史，不同的國別和劇種都有著不同或者迥異的發展軌跡和命運遭際；其二是可以照見戲劇發展創新的現狀，充分感受到國際戲劇的探索和發展， 找尋到適合中國戲劇的道路。

武丹丹（《劇本》月刊編輯部副主任）：親民和惠民不足以成為亮點

上海國際藝術節在當年是起到先導的作用，但是在五年來這樣的作用漸趨式微，越來越多節慶當中，上海藝術節可能沒有很高的識別度。國際藝術節的面面俱到，勢必會有大而全、龐雜臃腫的感覺，會變得沒有特點，是不是可以考慮瘦身，來凸顯藝術節更加精準的定位。

問起藝術節最大的特點，從2012年到2014年回答驚人一致——親民、惠民。我覺得對這樣一個高規格、高規模、高水準的藝術節慶來說，這不是最高的表揚。藝術節更加國際、更加藝術，而不是最近有惠民政策，就都跑到惠民去，我覺得這不是也不應該是上海的、國際的、藝術節的最大的亮點。上海國際藝術節無疑成為目前中國最大、最好甚至最美的平臺，展示中外藝術家的各種才藝，形式多樣，內容豐富，但是每年最好的季節，最好的城市，如果只是來展示，中外名家只是蜂擁而來，再紛紛離開，我們會不會有更深的期待：那就是有沒有可能，我們的上海國際藝術節在完美的平臺服務之外，從平臺延展，真正有藝術節自身的產品，能夠留得下來、傳得下去……希望藝術節出品的作品，在將來的歷史典籍里能夠查到，而不是一時一刻的。

李季（《當代戲劇》編輯）：上海國際藝術節的現在與未來

雖然從1999年第一屆藝術節到今年的第十六屆，也已經有16年了，我仍然從產業營銷、藝術活動、演出內容、交流方式上看到了“活力”。上海戲劇學院的青年藝術創想周就非常吸引我。除了校園中可供演出的五個正式的封閉的劇場外，還有隨處可見的各種表演，他們人數非常少，最多不過10人，流動性很強，表演很有魅力。此外，創意市場的商品也都是自己設計手工制作的，小玩意有大創意，會是一個藝術家藝術創造的開始。“活力”顯示生命未來的長度，藝術節會有更多屆，將有更多的可能性。更實用的意義上說，藝術節也為我國藝術創作和產業發展提供依據和借鑒。

李紅艷（河南省文化藝術研究院副研究員）：理念與實際的落差

所謂的落差，是辦節理念與實際呈現的落差，是先前的期望和實際感受的落差。

作為委約創作的劇目（如今年的開幕歌劇《一江春水》），在委約之初，對作品的未來呈現有著怎樣的預見和估計？怎樣保證這個作品未來的品質和走向？避免巨資投入下的大跌眼鏡和曇花一現？

創新性、探索性與經典性本身就是矛盾的兩面體。經典只有經過市場和時間檢驗方才成為經典，創新、探索本身就意味著風險和期望與實現的落差。在經典和創新、探索之間，該有怎樣的權衡和選擇？從幾場觀戲的體驗看，似乎創新、探索的多，經典很少。

青年藝術家扶持計劃的一些作品與期望落差較大。也許這些作品先期的創意是好的，但在實際呈現時，缺乏有效的形式和手段，創意和理念也因而大打折扣。

從節目的構成和來源看，國外的作品多，國內的、地方的、本土的少；品種上看，歌劇、舞劇、音樂劇、舞蹈作品多，其他品種少；從地域上講，也有些分布不均，臺灣就有三臺；從觀眾的審美口味上講，適合現代青年精英的多，符合大眾口味的少，中央芭蕾舞團的《小美人魚》劇場爆滿，沈偉的《春之祭》觀眾卻不到五成，精英和大眾的觀眾群體，顯然存在巨大懸殊。

石俊（上海戲劇學院導演系副教授）：融合、創意、研判、革新

上海國際藝術節是國內的創作和國外創作的交流，同時在平臺上古典的、現代的、原創的、經典的各種各樣的創作方向一種展現。在這個情況下，其實開閉幕式非常重要，創意不能重復，第二，我覺得核心表現力產生了誤判。一個開閉幕式如何去策劃和委約它，這實際上需要有判斷。我早先不太看好開幕式《一江春水》的演出，為什么？首先我覺得在題材選錯了，歌劇不像話劇，最近改革很多話劇也可以在時間上側重，但是歌劇目前來講還是以物質結構為主題，往往還是注重于場面結構，這在改編上有一些困難。第三，我覺得雖然上海這些年很強調文化自覺和自信，但是在創作上往往不太自信，這次在主創的要求上面，我當時就產生了比較大的否定態度，導演在美術上見長，但是在歌劇上獨立性不強，還有，編劇對上海歷史不太了解，核心創作團隊選擇方面出了一些問題。在主演方面，這次是我看到廖昌永表現最好的一個歌劇，但是我們講作品的核心，很多宣傳提到要表現真善美的堅持，但廖昌永演的是反面角色張忠良，而這個作品原有主角是素芬，重心產生了偏差。

胡凌虹（《上海采風》雜志編輯部主任）： “國際”的胸懷 “藝術”的銳氣

民間有一種聲音，覺得既然是中國打造的舞臺，就應該給予國內劇目更多的上演的機會，事實上，“大義滅親”的最終目的是“鳳凰涅”，只有在開放交流與迎接挑戰中，在不斷的自我否定與提升中，才能浴火重生。但是，國際性并不只是引進國外的優秀劇目，還需要考量藝術節的團隊是否具有國際性眼光，具有海納百川的胸懷。在國外，很多藝術節的藝術總監都是其他國家的人，上海國際藝術家也可以組建國際性的團隊。

藝術節如何突破自我，如何彰顯特色，是逐漸迫近逐漸嚴峻的課題。當今只有開放與新銳的思想才能形成最強大的吸引力，尤其是對越來越不缺展示平臺的成熟藝術家而言。現在的論壇除了藝術與創造力，藝術與技術等宏觀話題的大論壇外，可以多設置一些話題更為具體的小論壇，還可以舉辦大師班，每年請來世界頂尖的藝術家，讓他們來交流創作的心得。

近兩年新設的青創周是一個很好的推動青年人才創作的平臺，有很多具有想象力的作品，也請了很多藝術名家與青年學子進行對話，建議再加強名師資源的利用，不只是舉辦講座，還可以舉辦名師工作坊，讓已有成就的藝術家帶領一些青年才俊一起進行創作。此外，建議可以在展演月外，創設長期的形式多樣的非盈利性藝術教育或培訓項目，開發、吸引各個層面的潛在的觀眾群，慢慢培養觀眾與市場。

在新的歷史條件下，又有著一種新的生機，現在比較流行的一個詞是“跨界”，所以我以為，作為綜合性的藝術節，在“跨界”方面大有所為，比如跨界交流，請來不同領域的藝術家對話，更重要的是跨界合作，或通過委約或通過工作坊形式，產生新的跨界作品等，從而迸發更多新的思想，產生更多創新的作品。

青創周感想

郭晨子（上海戲劇學院副教授）：作品與預期還有差距

青年創想周是向所有有意愿嘗試舞臺劇創作的年青人開放的，遺憾的是目前更多受惠于此項目的還是藝術院校的學生，不過從中檢討自身教學的得失倒是一個意外的收獲。

以兩年的青年創想周來看，作品與預期還有差距。對“青年創想”的期許，不是作品實現得多么完整，而是出乎意料的的新驚喜！不知是怎樣的遴選程序和資助方式產生了上述作品，建議之后的這一單元在每一年設立主題，比如，某一年可以都是原創小型音樂劇，再比如從《狂人日記》延伸出來的經典重構、從《女人，她說》延伸出來的女性/性別劇場。不妨參照雙年展的策劃，使青年們的創意和想象展現得更有力量。

羅麗（廣州文學藝術創作研究院戲劇創作研究室副主任）：把創造空間交給青年人

《一江春水》、《宋慶齡》等幾部國產歌劇，再放眼綜觀近年來的戲劇舞臺，舞美布景體量龐大、舞美投資日益增加的傾向似乎在統治著國內舞臺、尤其主旋律作品的創作，似乎打造精品就必須豪華舞美掛鉤。誠然，歌劇沒有像舞劇、戲曲等具有肢體語言等多種舞臺手段可以作為視覺呈現，在舞臺調度和環境渲染上可以調度的技術手段有限，是可以理解的，但這絕對不是舞美布景豪華化龐大化的借口，舞美堆砌絕不等于精品。

創想周將社會影響和經濟效益有機結合，進一步探索和實踐藝術演出市場化運作模式，立足打造成具有競爭力和國際影響力的文化產業長期品牌，突出體現“藝術先鋒”的核心理念，展示“新銳創意、國際時尚、跨界先鋒”的品牌內涵。而本人最為關注的，這些孵化之后怎么樣？是否有后續的關注跟蹤？現在國內并不缺乏原創的實驗的作品，但往往是缺少長期的持續的演出并以此完成對作品的打磨、以及主創在作品進一步完善過程中的思考。

廖夏璇（廣西戲劇家協會理事）：進化、適應與衍變中的青年藝術創想周

“扶持”是青年藝術創想周的重要關鍵詞。我認為，在發揮作品展示平臺作用、鋪開廣度的同時，“青年藝術創想周”應該關注深度，更加重視對青年藝術家的引導和扶持，授之以魚的同時授之以漁，讓青年藝術家通過藝術周發揮優勢、發現不足，對作品的后續發展給予繼續的關注和支持，而不僅僅局限于“雁過無痕”式的展演。針對“青年藝術創想周”演出劇目類作品，我認為，在條件成熟的情況下，可從每屆挑選數個作品進行重點扶持，組織專家引導青年藝術家從編、導、演及舞美等多方面對作品進行修改、提升，將修改后的作品在下一屆藝術節上再次公演，讓觀眾看到通過藝術節平臺青年藝術家的自我突破和進步，讓青年藝術創想周在進化、適應與衍變中不斷煥發出強勁的生命力。

楊子（上海交通大學工商管理博士后）：在多元文化語境中講述自己的故事

頗具探索性的劇場作品作品《狂人日記》引起大家的熱議，其中一個關鍵的議題是：中國需不需要后現代戲劇。有一方觀點認為中國目前基本不需要，“目前”是指中國總體的文化生活狀況，“基本”是指廣泛意義的民眾文化需要，并指出“這不僅是政府文化政策的說辭，而是有良知的評論家所不能無視的現實”。

關于這個觀點我表示反對，所謂后現代戲劇，是上世紀六七十年代以來劇場作品從以語言為中心、以文本為中心走向以身體為中心，以人的社會行動的活動模態為藝術的出發點的轉變，在這個意義上，戲劇的本體也必須被重新定義。

我同意這些戲屬于非主流戲劇，而非主流戲劇是我們當下社會文化生活中無法忽視的戲劇狀態。這些劇場作品的主要特點在于其原創性，無論是劇本還是表現形式，都致力于藝術和表達上的創新，不因循、不受控于主流和傳統審美模式，不妥協于商業戲劇，這是它們獨立精神的表現。第二，這些非主流劇場作品，往往站在個體意識的據點上，呈現出時代性、社會性、現代性的精神層面，在主流消費文化、主流意識形態之外，以社會個體的獨立性，孵化出另一種價值創造。在這里，表演不僅是用藝術手段來表達創作人的思想意識，同時也是藝術家在面對生存現實時所采取的主動行為。在這個過程中，它回答的是“我們是誰，我們怎樣表演，我們為什么要表演”，以及“什么才是屬于社會個體自己的表演方式”這一問題。

“非主流”在我們的社會文化生活當中不可或缺，也不可忽視，顯示了我們這個時代文化的多元性。這不但給創作帶來新的話題，也給戲劇理論和批評帶來新的話題。現在的中國，劇場處于物質上的黃金時代，但處于精神與思想上的小時代，這是我們面臨的現實，也是我們面臨的最大挑戰。

張瑩（安徽省藝術研究院編劇部主任）：從“青年創想周”看青年編劇的培養模式

在現階段關注戲劇問題的時候，除了已經被廣泛重視的劇種的傳承與保護、傳統與創新、戲劇生態等已經被廣泛關注的問題之外，目前不得不重視戲劇編創人員缺乏及斷代這一現象，以及由這一現象所造成的戲劇創新能力不足的問題。 特別是現在院團轉企以后，面對市場化的需求，以及“文化包工頭”現象的出現，無疑制約了青年編創人員良好的成長發展空間。而青年創想周的模式有效地解決了這個問題，包括它的委約創作模式，可以通過傳播推廣，為其他省份和地區提供有益的借鑒。

觀劇感受

顏榴（中國國家話劇院《國話研究》雜志主編）：三部戲看后現代藝術的問題

《松煙》《春之祭》兩部作品：第一個是林懷民的和沈偉的兩者比較。林懷民借助聲光電，現代舞的語言以及西方音樂，陳述的是一個中國文化、東方文化的夢，它從本質上來說是一個書法。沈偉重視大視覺，糅合時裝、當代繪畫、戲曲等多種的國際元素。人物形象的裝扮很具沖擊力，也有爆炸性，甚至有一種哥特搖滾黑色幽靈的魅力。現代舞的生命力與現代音樂的問題相同， 一種煙花的沖擊力，還是一種后現代的原子和虛空。對《狂人日記》劇的評價不高，是基于我對中國后現代戲劇整體發展的感言，從上世紀80年代末到今天80后代表的審視。從現在的類似作品中看不出新意。觀眾對文本的各種改編方式比較包容，但是對聽覺、視覺的東西反映比較直接。把一個壓迫感的東西放在一個高高在上的舞臺，如果技術標準達不到，是很冒險的。這出戲的音效不少人不能接受。

中國是否需要后現代戲劇？當然需要，但“目前基本不需要”。“目前”是指中國總體的文化生活狀況，“基本”是指廣泛意義上的民眾文化需要。這不僅是政府文化政策的說辭，而是有良知的評論家所不能忽視的現實。

我們總認為藝術需要深刻，做任何東西要有個根源，有個憑證。搭一個聲光電特別刺激的東西，這個表面效果比較容易解決，最重要的是要尋找深處的自我，藝術家生命內部的根扎在哪兒。藝術不能空心化，但后現代藝術的特征之一就是空心化，平面化，同質化。這個問題怎么解決，世界上也沒有統一的答案，需要我們自己好好思考。

劉小波（寧波市文化藝術研究院研究人員）：提升品牌 擴大影響

第一，藝術節需要在媒體宣傳上下更多的功夫，更需要好的有價值的評介工作的展開，將藝術節上優秀作品的創作理念和創作方法通過不同渠道傳播出去，使其影響大眾及藝術創造者，最終達到提高我國藝術作品整體水平的目的。第二，藝術節所安排的藝術品交流的廣度還不夠，如果不是親自聆聽，大概我們很多人都不知道有這樣的交易平臺。這一點也希望國際藝術節中心擴大宣傳，讓更多好作品有機會搬演上舞臺。

王一亮（黑龍江省藝術研究所研究人員）：爭議戲更具生命力

沉浸與游離，是觀眾大致呈現出兩種較為普遍而又截然不同的審美感受。為何會出現如此大的反差？哪一種藝術作品更具生命力呢？是符合大眾審美的還是挑戰大眾審美的？我以為，反差之大是由于我們固有的審美理念，習慣站在理論和自我的高度進行評判，而對于具有探索精神或是瑕疵的作品缺少平等和寬容。而正是基于此，這些充滿爭議的作品才更具有生命力。因為它們吸引了更多的關注度，引發了對于藝術表現、理念、形式、內涵等等諸多方面的辯證思考，才更接近現象或問題的本質。爭議戲是肯定其勇于探索的精神，并非完全認同其中的某些藝術處理。但是如果喪失探索精神，固執保守，只愿意接受、承認或欣賞某一種或某幾種形態的藝術作品，亦將導致審美疲勞，藝術發展便只能趨于大同。

智聯忠（福建京劇院戲劇評論員）：美的傳達需要美的形式

首先，創作主體深刻的生活體悟與獨特的思想情感，只有傳達給受眾才能實現美的創造和傳達。第二，藝術家所創造的作品只有通過美的形式才能完成美的傳達，否則根本無法創造美、詮釋美。第三，傳達美的藝術形式是有意味的形式，且一切形式、手段都是為創造者服務的。藝術的美是多重的，形式具有美的特質，甚至具有獨立審美價值。不過，無論是藝術本體的表現方式、媒介，還是道具、燈光、服裝等都是為美的傳達服務的。芭蕾舞劇《小美人魚》這部清新而富有童趣的童話在傳達美的同時，在服裝設計上還存在一些不足。美人魚華美的長長的藍尾巴，也就是褲子在多名舞者的輔助下搖曳生姿，不過褲子顯然太長了，阻礙了演員的表演。美的傳達需要美的形式的完美傳達，而不是簡單的標新立異。

王洪喜（中國戲劇家協會新疆分會會員）：成功作品需要“敘事的藝術”

我們中國人看戲大多喜歡看故事，講究故事有開始，發展，高潮和結尾。歌劇《一江春水》整場的節奏比較慢，感覺戲平。每一場和每一場之間沒有明顯的層次感，更談不上劇情的起伏跌宕，特別是張忠良與素貞在小閣樓的二樓房子一段，舞臺調度很不合理，限制了演員的表演，使觀眾感覺不到劇情在向前推進。在舞臺置景上，形式與內容也不統一。劇中大船的出現，反而破壞了我們的美的視覺，當演員站在大船上時，我沒有享受到美的感覺，反而擔心“王麗珍”會不會從船上掉下來。

王巖（吉林省長春市藝術研究所戲劇及藝術理論研究員）：《一江春水》——老上海的文化品牌

歌劇《一江春水》帶來三點感受，第一，上世紀二三十年代的懷舊之風，上海的懷舊一直到彌漫今年的文學課題。第二，我想談張忠良人物的人性變化和刻畫力度，根據歌劇詠嘆的方式，展現人物內心的多重性和復雜。第三點，我見證這一部歌劇具有史詩和宏大虛實的用力，反復用歌劇的形式吟唱搬運搬運，力圖打造國家形象和我們藝術形象與靈魂的沖力。作為老上海的文化品牌，突出了國家形象、宏大敘事，以及悲愴的史詩的意味。

靳文泰（《中國戲劇》雜志社編輯）：技術與態度——左右藝術發展的左腦與右腦

西方人的經驗是，技術是為故事服務的，為人服務的。國內藝術事業，技術過硬漸漸成為了唯一指標，成為了包工程的硬指標，但恰恰忽略了態度也是一個左右藝術事業發展的關鍵因素。藝術包工頭們接活無數，盲目擴張。以往一出戲都需要幾年才能打磨出來，現在卻成了快餐文化，有的甚至一個月便搬上了舞臺，藝術質量難以保證。還比如，現如今的某些導演作品，導演手法單一，元素雷同，本來被寄予厚望，卻因自己的盲目樂觀，慢慢被人遺忘。我們的戲劇藝術近年來呈現活躍的態勢，這是有目共睹的。但同時，也要意識到我們的作品雖然在質量與數量上不斷成長，但仍然有很長的路要走，還面臨著很多的挑戰。這就要求我們的藝術生產不僅僅需要保證作品本身的質量，更需要態度上的改變。

技術誠可貴，態度價更高。

藝術節中的戲曲

白勇華（《福建藝術》副主編）：戲曲的科技化困局

戲曲似乎進入一個“技術化”的時代——試圖依仗“科技”成就戲曲的未來。大多數戲曲劇種的當代創作無暇顧及傳統劇目難以為繼、技藝傳承舉步維艱、文化內涵日漸消融等等關系劇種存續命脈的問題，借助科技力量實現藝術創新一度被視為戲曲突圍的內生力量和融入現代、走向未來的唯一途徑，而這種變革不僅阻隔了戲曲與傳統接續的路徑，也改變了戲曲的審美追求。在愈加強勢的舞臺科技面前，戲曲不但未出現與科技融合提升的局面，而是傳統表演藝術體系不斷遭遇挑戰，已面臨主體藝術價值與文化內涵被逐步舍棄的危機。如何借助科技的力量有效提升戲曲的現代品格又不至于被炫目的聲光電所淹沒，是值得深入研究的重大課題。

葉驊（《上海戲劇》編輯部副主任 ）：引進外地劇目 形成全新視野

我覺得在創新劇目方面，國際藝術節做得比較好。 也有兩個遺憾，第一個遺憾外地劇目在上海首演非常少，幾乎沒有，這有可能跟院團體制有關系，是不是國際藝術節可以通過打破體制，引進一些外地劇目在上海首演。第二個，開幕式和閉幕式當中沒有戲曲，這個問題我想國際藝術節也可以思考。

上海觀眾構造比較復雜多元，它會形成一些新的視野，就舉一個具體的例子。2009年坂東玉三郎演的《牡丹亭》。一個日本人演昆曲《牡丹亭》造成了較大的國際影響。劇場在座有很多日本觀眾，還有外國的官員，日本領事館特地為此開了新聞發布會。這對于中華民族藝術推向世界是一個很好的嘗試。

對比反觀

黃波（重慶市文化藝術研究院戲劇影視研究室主任）：打造區域文化特色

可以通過對演出劇目的選擇、演出票價的限定以及推廣手段的革新等，讓更多的市民走進劇場，同時充分協調整合教育界和企業界的力量；區域性的藝術節慶活動應該進行市場細分工，每個城市都有自己的城市文化特征和區域文化特色；要給予本地藝術院團充分的展示空間，結合藝術節的各種體驗活動，拉近與觀眾之間的距離；主辦單位應該針對不同的演出類型和劇目，通過客觀公正的評估，給予不同的扶持政策，在票價、媒體宣傳等方面區別對待，利用價格的杠桿撬動更大的消費市場，吸引觀眾走進劇場；除了常規的媒體報道宣傳外，由藝術節主辦單位組織專業評論團隊有計劃地進行引導和介紹，激發觀眾對藝術的熱情。

劉濤（山西省戲劇家協會組聯部主任科員）：集體合力建設城市文化品格

一個城市文化品格還需要人民的天然認同，并熱情參與其中，才能算最終形成，如果只是官方自己給自己貼標簽，并不能算是一個城市文化品格真正的體現。上海人應該和政府定位的上海文化品格同頻共振，形成集體合力，喚起全體上海人的認同和參與上海文化品格的建設，文化建設就接了地氣。再加上上海又有一套行之有效的對藝術工作者、尤其青年人創新發展的孵化機制。我想，上海的文化發展就更具有無限的潛力。

賴衛華（云南省戲劇家協會工作人員）：綜合創新，當代文化建設和發展的基本路徑

張岱年先生在上世紀80年代提出“綜合創新”的文化發展觀。學界大多也承認綜合創新是當代文化建設和發展的基本路徑，但是在如何實現綜合創新的問題上，大家又感到缺乏切實可行的具體操作手段。上海國際藝術節這十幾年的運作，可以作為一種有價值的借鑒。上海國際藝術節不僅是弘揚中華民族藝術，更是公共文化的服務平臺，對于營造上海良好的文化氛圍，激發文化生產和消費的良性循環。文化節科學的運營機制以及合理的內容安排，已經成為優秀文藝作品的展示平臺，文藝青年人才的孵化平臺，文化產業的貿易平臺和公共文化的服務平臺。這樣的文藝節慶活動對于帶動上海文化建設的積極作用是顯而易見的。