巖彩意象

受訪時間：2013年11月

受訪地點：上島咖啡

受訪人：鄭慧元

采訪人：李 愷

鄭惠元：我本科就讀于中央民族大學，國畫、油畫……我都涉略過。一次偶然的機會我負責為韓國的交流活動做翻譯，前后大概兩年左右，在相互交流的過程中，我發現彼此國家的繪畫藝術很不一樣。從國內的視角來看他們的國畫更像是西畫，咱們傳統的國畫注重鉤、染等技法，得有一定的法則和標準以供畫家們來對應使用。

SHMJ：歷史上提出“國畫”這個概念是為了與西方繪畫相互應區別，韓國對于本民族傳統繪畫的命名與界定依據的是什么呢？

鄭惠元：我們所謂的“中國畫”在韓國稱之為“東洋畫”，在韓國學習的《東洋美術史》就是《中國美術史》。韓國畫家們也學六法，皴法……但和中國畫家不同的是韓國畫家不會刻意的持守某些固定教條，古代高麗畫家畫的山水也跟明代沈周時期的畫家差不多，然而，當代韓國的畫家對于畫面的要求不局限在技法和材料范圍，主要是看一位畫家的作品表達的是什么？你要說的問題是什么？更強調畫家或者藝術家的個人意識。一般在學習《東洋美術史》的時候，教學通常會從客觀的角度去展開，會肯定一些作品、畫家，也會同本土畫家做比較，不刻意回避什么。另外，韓國有自己所衍生出來的皴、擦、點、染的方法，同時也有與之相對應的名稱，創始者是誰記錄的清楚詳細。我是朝鮮族，老家在延邊，朝鮮族的純正文化主要集中在朝鮮半島上，所以我就決定去了韓國，希望親自體和學習驗朝鮮文化，同時豐滿自己的創作。我語言上沒有問題，交流起來很流暢，在韓國我首選中央大學是因為那里的老師對于色彩的運用有自己的一套方法，非常吸引我，另外，中央大學的畢業生里能堅持做藝術的人比例是比較高的。

SHMJ：整個遠東地區的傳統繪畫中，“巖彩”都被廣泛的使用過，目前，韓國是否有著以純“巖彩”作為材料進行繪畫創作的畫家？

鄭惠元：韓國的畫家一直延續著使用天然的礦物色進行創作的傳統，其中包括“巖彩”和比巖彩低一級用石子加工而成的“粉彩”，“粉彩”有點類似國內使用的“水干色”，二者在質量上有很大的區別。一般有條件的畫家會使用進口的優質“巖彩”，沒有足夠條件的畫家往往使用低一檔次的“巖彩”。我剛開始接觸“巖彩”的時候只知道怎樣將它們粘在畫底上，相對于成熟的巖彩畫家來說顯得膚淺一些。在碩士的畢業創作中我使用了各種材料去完成一個主題創作，摒棄了傳統造型訓練對我的干擾，僅僅通過使用的材料來呈現出我的個人情緒和感情。我渴望作品與觀眾之間產生共鳴，這種共鳴還必須產生一個價值讓人們有興趣思考。從藝術生的論文就可以看出國內與國外藝術環境很不同，國內學生往往會緊扣自己的所在學科尋找論題展開論述，國外則不需要緊扣一個具體學科、技法、材料來展開論文。我想，某種技法或者材料任何人都可以去學習嘗試，然而藝術家的個人世界都是不一樣的，個人世界的體驗與表達才是藝術創作的來源所在。相反，材料、技法和與之相對應的一套評判標準早已明澈于天下了。另外還有一點，藝術家僅僅在作品中表達了自我感受意義還不夠，如果作品能觸動到他人，促使人們完成一系列的思考后最終找到自己的答案，那么這件作品才完整。

SHMJ：很顯然，你是一位注重內心感受和思考的人。“藝術品”是創作者與觀眾互動產生的價值，你個人的作品更側重于展示材質本身，還是兼顧某種敘事性的成分？

鄭惠元：我側重于前者。強調材料本身潛力的挖掘以及呈現，“巖彩”同其他的繪畫材料之間有著幾點不同的特性，時間久了“巖彩”也不會變色，它有自己的光澤，它本身就是一種極具裝飾感的事物。當然，這種裝飾性也不能直接挪用，需要通過藝術家的組織和轉換，藝術家更需要具備“構成”的思維觀念。一直深入沿襲傳統的畫家對于“構成”往往有些忽略，國內對繪畫的界定一般情況會分為“具象”、“抽象”，國外把處在二者之間的區域成為“非具象”，如果這樣界定的話，我個人認為我的作品應該屬于“非具象”的繪畫。

SHMJ：其實在中國也有與之對照的名詞概括——“意象”。嚴格意義上來講，中國傳統繪畫藝術從來沒有真正走進“抽象”，它所達到的極致是“意象”的。

鄭惠元：我表現的就是“意境”。

SHMJ：以往創作中你不僅僅使用過“巖彩”，同時也駕馭過許多種材料，通過這些嘗試你對于“材料”這個詞形成了怎樣的個人理解？

鄭惠元：材料是一種表達方式，看你要表達什么內容了，可能有些內容以“巖彩”來表現最為合適，有些內容以“墨”來表達就足夠了，利用最適合的材料去表現所要呈現的內容。之前幾年我嘗試了許多繪畫材料，包括油彩、水墨、丙烯……最終發現使用“巖彩”最適合表達我的作品，它很容易形成漂亮的色彩構成，不需要過度的調和，也無需考過多的慮因為調和不當所帶來的負面效果。“巖彩”可以層層堆積，畫“意象”的東西符合我目前對于藝術的追求。對于一個藝術家來講，最幸運的是找到了適合的題材、適合的工具，我都找到了，接下來需要時間磨合出適用于自己的方法。

SHMJ：回到國內以后你對于目前“巖彩界“的倡導者和“巖彩畫家”的實踐中能否找到不一樣的新鮮感呢？

鄭惠元：每天都是新鮮感。這邊的老師會讓我感覺到周邊存在許多許多的題材，一時間多了太多的題材可以讓我去表現。另外，“巖彩”對于我而言不僅僅是一種材料，我把每一個礦物質顆粒比喻成一個人，他不會變色，也許會被其他顆粒壓在下面不為人所知，可是他的確存在。

SHMJ：當觀看者的理解與你所表達的觀念產生了偏差，你對此會做出什么樣的反應呢？

鄭惠元：我想，所有的畫家都會想過這個問題。一部分觀者會與畫家想法相似，也許大部分觀者與畫家的想法大不相同，每個觀看者的經驗，知識準備是不一樣的，所以一部分畫家會趨向于“大眾性”，希望得到廣泛的受眾；而另外一些畫家更趨向于“作品性”，他們對大部分觀看者產生不了感動，也沒有什么共鳴，但是他們依舊固執著創作初衷，就看你要成為哪一種創作者了。

SHMJ：在韓國藝術批評家能否左右大眾對于藝術的判斷？

鄭惠元：我想他們不會對大眾產生影響，批評家們的反應會對藝術家產生很大的影響力，而不會直接波及廣泛的人群，在中國也會是這個情況。藝術家們會留意甚至研究被批評界點名的藝術家的作品，每個藝術家都有這種體會吧。我所熟悉的一位韓國評論家，他不太輕易為藝術家寫評論文章的，即使是一起共事的同事也是一樣的。通常情況一個評論家只會為固定藝術家寫文章。他們的角度必須相對客觀，才能避免語言上的夸張過火，把個人感情與工作分得開是一種能力。

SHMJ：你個人更適應韓國的藝術環境，還是中國的藝術環境？

鄭惠元：兩邊都還好。大學剛畢業我就去了韓國，一開始畫了一批很自由的作品，一度畫的很奔放，很極端。開始校方的反饋還不錯，以為我慢慢就會回歸到嚴謹的畫風上面來，可是我卻越畫走的越遠了。教授希望我能持有一些最初的繪畫習慣在新的創作里面，一時間我畫不出來畫了，很彷徨，很恐懼，這一點在我后來的作品中都有體現。記得，在國內讀大學的時候，有來自德國的外教為我們講解抽象的觀念，從一張寫實素描開始，通過構成的方式，歷經四個月時間最終得到了一幅抽象作品。通過那段時間針對抽象藝術的研究，所的出來的作品真的和之前不一樣。所謂具象，也只不過是在一定范圍內的認知經驗，抽象也是……

SHMJ：能否談一談對你產生影響的藝術家有那些？

鄭惠元：我喜歡克里姆特和米羅，一直不變……克里姆特的作品裝飾感很強，對于人物的處理非常細膩，米羅在作品里融入了游戲的因素，符號化很強。既看他們的畫冊，又讀他們的文章。在韓國幸運的是能看到好多大師的作品展，國內不太有機會看得到。留學三年期間我曾在博物館工作，參與許多藝術展覽的策展活動，媒體宣傳，要與藝術家們保持溝通，了解這個藝術家以及他的作品……和你所從事的工作有些相似。