學習西方音樂史對雙簧管演奏的重要作用

摘要：西方音樂史課程雖然在各音樂院校已普遍開展，但其重要性卻常被很多表演專業的學生所忽視，從而導致很多演奏者在專業技能具備的條件下，卻不能將作品詮釋得富有有深度和感染力。本文意在通過對雙簧管演奏的體會，淺述學習西方音樂史對雙簧管演奏的重要作用。

關鍵詞：西方音樂史；雙簧管；重要作用

中圖分類號：G652 文獻標志碼：A 文章編號：1674-9324（2013）03-0111-02

雙簧管演奏作為一門表演藝術，旨在以特有的音色和特點來詮釋作品的風格與內涵，力求體現演奏者自身以及對作曲家思想、情感等方面所進行的完美展現，并達到升華的過程。但是，現今有相當一部分雙簧管演奏者經過了多年的專業技能學習后卻往往難以將作品的思想及表現力詮釋得具有深度并富有感染力。究其原因，主要是過于重視技巧的訓練，從而導致了對藝術表現的關鍵性方面有所忽視和能力不夠。試想，如果不了解這些譜面之外的重要信息，那么所演奏的音樂定會沒有“靈魂”，這樣的音樂，非但不能打動聽眾，恐怕連演奏者自身也不會存有感動，甚至在練習作品時也會感到乏味。筆者認為，廣泛并深入地了解音樂歷史對于全面、深刻地把握作品的思想內涵、增強音樂表現力、提高演奏者對作品的興趣等方面，有著不可忽視的重要作用。作為一名演奏者，在了解了各類音樂文化現象和特點后，才更易把握住作品的風格，指導演奏心理及演奏技法，從而將作品表現得淋漓盡致且恰到好處。

例如在巴洛克時期，宮廷和教會具有強大的統治地位，這也就迫使作曲家在其創作內容上，很少有對人、對生活、對社會的關注，更多的則是體現了宗教的神力和貴族的權利。這時期的音樂風格特點華麗、輝煌和富有動感，更加重視外在的表現，喜于強調形式的多變和氣氛的渲染。而追求氣勢的龐大、夸張并注重音響效果的對比是這一時期音樂的特征，正是由于這一系列因素，使巴羅克音樂甚至忽略和影響了對內容的深入表現及對作品內容的細致刻畫，從而缺少一定的生動性和生命力。但是，巴羅克音樂有其優秀之處，即對音樂有著開放、自由、瀟灑、熱烈以及不受拘束的追求，在不脫離穩健、自然、深切和厚重之特性的同時，達到動感、氣勢、夸張、多樣化，有著極大的空間感和立體感。如在演奏阿爾比諾尼的《D大調雙簧管協奏曲》時，就需要注意到作品特有的時代氣息與自身風格。第一樂章在多為四小節至八小節的樂句中，在少有大跳音程的境況下，旋律要短巧簡明，使雙簧管同樂隊在相互追逐、呼應中將主題表現得鮮明、統一并且變化多樣。要注意此作品是以大小調為基礎的，要將不同的旋律線條組織起來，不僅使橫向線條顯得獨立、突出，更要注重縱向的和聲關系，使雙簧管在追求自身完美性的同時，取得與樂隊結合無間的效果。對于這部作品第一樂章的演奏，我個人概括出這樣幾點應當注意的地方：（1）吹奏要富有激情，表現要豪華生動，要帶有起伏和生氣，甚至帶有炫耀感，以體現巴洛克藝術輝煌、華麗的風格特點。（2）強弱演奏不以漸強、漸弱為變化，而是采用階梯式的力度變化來強調對比效果。如9～12小節和16～19小節，它們雖為相同的主題樂句，但前者是以“強”演奏，后者則以“弱”演奏，但這決非是一種機械性的強和弱，它們是有表現因素和富含生命力的。有時也可將這種對比做得更夸張一些，這樣的處理在突出主題的同時又不會讓人因樂句的相同和重復而感到單調、乏味，反而會體現出某種獨特的藝術效果。（3）斷音要自然、飽滿且富有彈性。不能因過分的短促和跳躍而顯出滑稽的色彩，要符合貴族尊威、華貴、熱情卻不失風度的一面。（4）顫音的演奏遵循從上至下進行的原則，裝飾音要在正拍上進行，以確保作品演奏的規整和統一。

到了浪漫主義時期，作曲家們逐漸擺脫了受雇于教會、宮廷的局面，有了屬于自己的生存空間和創作空間，并能夠通過音樂來抒發自己豐富的內心情感。因而，這一時期的音樂充滿了個性，具有豐富的表現力。同時，還受到法國大革命自由民主思想和啟蒙運動思想的影響，作品中充滿了個性、感性、自由、抒情和民族性風格，并發展成為了浪漫主義音樂的精神實質。這一時期的音樂節奏更加自由并且變化豐富，最常見的是交叉節奏以及多個節奏型的同時使用；其快速不規則節拍、切分音等技法的使用，讓音樂有了更加細膩和多樣的表現；旋律上為了表情的需要，喜歡使用大跳音程，常常是六度、七度，甚至四個八度的大跳和許多增減音程的跳進；和聲方面大膽地使用變化音及色彩和聲，并通過調性、音區、和聲上的色彩性變化來刻畫特有的音樂形象及個人心理狀態的發展變化。這種通過多方面內容以展現某一個音樂形象的表現手法，造就了浪漫主義音樂的獨特風格。圣桑的《雙簧管與鋼琴奏鳴曲》就是一部具有鮮明浪漫主義色彩的作品。通過對浪漫主義音樂特點風格特點的理解，在演奏這部作品時我們需要注意：（1）演奏時需要做出更多、更細膩的表情處理以豐富音樂表現力。如在演奏樂曲第一樂章呈示部的三組四分音符時，要做得含蓄、優雅，之后引出剛鍵有力、極富美感的主題，使得演奏情感與作品的結構一同步步展開、釋放，并將樂曲推向高潮。（2）大段的連奏要富有詩意和歌唱性，在充滿熱情的同時不要有過度的激情；斷奏時，根據情緒描寫的變化，選擇將斷音演奏得活潑或是莊重。（3）顫音、裝飾音的吹奏不同于巴洛克音樂較嚴格的要求，可根據作品情緒和表現的需要進行調整。

同時，一位作曲家自身的感悟和喜好也會隨著時間的推移而發生變化，從而導致同一作曲家不同時期的作品有著不同的風格。浪漫晚期的音樂家代表理查·施特勞斯就有著迥然不同的創作風格。

理查·施特勞斯早期受到傳統古典主義風格及家庭的影響較深，其作品風格樸素、嚴謹，極具古典主義音樂風格。創作生涯中、后期，受到了李斯特和瓦格納等人的影響，并主張要以李斯特、瓦格納和柏遼茲的作品為榜樣來表達音樂，作品開始變得結構宏大，色彩艷麗，手法新穎，充滿了令人激動的音響，強調手法與技術甚于情感，顯示出了近似于表現主義的音樂風格。而創作于施特勞斯晚期的《D大調雙簧管協奏曲》卻以輕快和優美為主，其全盛時期的歌劇音樂及交響詩風格也已逐漸銷聲匿跡了，所取而代之的則是音響保守、主題樸素的音樂，完全摒棄了復雜、絢麗的作曲手法。一位作曲家的創作風格會有如此大的變化，是與他的經歷密不可分的。理查·施特勞斯前半生可以說功成名就、過著富足的生活，但由于種種政治及世俗原因，晚年的他選擇了淡寞和孤寂，過著閑云隱士般的生活，心里倍感落寞和疲憊的同時，卻又慶幸自己的心靈得到了不曾有過的平靜。《D大調雙簧管協奏曲》正是伴隨著這樣一種心情，創作于瑞士醉人的湖光山色之中，以平靜、脫俗之態對自己的一生進行了回憶和總結。那么，在演奏這部作品時就要做得樸素、真實，而非浮華，以符合作曲家的初衷。

綜上所述，筆者認為在演奏一部作品之前，首先，做到基本的譜面要求外，還要熟悉這一時期音樂作品所具有的共性，并區分不同作曲家的創作特點；其次，深入了解作曲家的生平、創作狀態，把握作曲家在不同時期的不同創作思想和意圖，找出最貼切的音樂表達方式和處理技巧；最后，通過良好的專業技能，結合演奏者自身的內心感悟，將作品完美地展現出來。要做到這些，就要熟知歷史上的音樂狀況，豐富個人修養，這樣才能夠不失其實地進行“二次創作”，從而完美地詮釋作品的精神實質，使演奏具有深度并富有感染力。

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