淺析影視聲音在藝術表達中的作用

[摘要]影視藝術隨著技術的發展，到如今已成為視與聽兩大部分語言結合而構成的綜合的藝術形式。一部優秀的電影作品的完成，自然不能缺少視聽語言在藝術表現上的合力。舉足輕重的是在對畫面的剪輯和鏡頭語言藝術的運用的背后，影視的聲音語言的運用也到了一個關系成敗的地位。

[關鍵詞]影視聲音 藝術表達

聲音在現代的影視藝術中是決不可缺少之元素。技術的發展為其更加淋漓竟至的表達提供了平臺。從最初的有聲電影，到立體聲再到現在的環繞聲。從技術角度來說，聲音的塑造比之當初顯然有了很大的飛躍。這樣以來，聲音語言這支“畫筆”更是以它日漸豐富的筆法為影視藝術添加了許些光彩。藝術創作者也更是越來越發現了它的重要性。

聲音的藝術語言表達當然是電影藝術語言中必不可少的一部分，更是在其藝術表達中占有關鍵之地位。在畫面語言出現的同時，聲音的運用在很多時候起到了決定性的作用，更在有些電影作品中成為點睛之筆。聲音語言在影視藝術表達中的關鍵作用大致可有協助鏡頭語言作用和對電影某段藝術構思想的成就起決定性的作用。

聲音語言與鏡頭語言相輔相成來成就影視藝術表達這一方面是在每部作品中都顯而易見的。有源音樂，無源音樂以及場景音樂在電影中的運用；語言，語言的音色；動效，環境聲等等都大大的幫助了鏡頭語言的藝術表達。電影《教父》開場中，先于教父正面鏡頭出現的那段由錄音時運用近講效應造成的特有的語聲的音色就為教父在影片一開始形象的塑造打下了很好的基礎。在電影《阿甘正傳》中聲音的運用更是不僅補充畫面而且更蘊涵了創作者更多的苦心。這部電影引用了大量的非原創音樂，大量使用這些音樂作為場景音樂，有源音樂還有無源音樂。電影中在主人公在參加越戰時，從第一個場景也就是乘直升機抵達前線開始，就一段接一段的引用音樂，基本上都是無源音樂。下面對這些音樂本身的文化背景做出分析再結合到具體的鏡頭場景，導演的用意自然就會顯現出來。先來看地一個場景，主人公乘坐直升機，從鏡頭一開始出現，背景音樂也就開始。這里音樂引用的是Creedence Clearwater Revival樂隊的歌曲Fortunate Son，這支樂隊是活躍1967年前后美國流行樂壇的一支搖滾樂隊，這首歌曲當年在美國也曾經是響遍接頭，歌曲中主要是反對美國的特權階級(指在越戰中一些有錢階級的家庭有特權不讓自己的兒子去參加越戰，而同時老百姓確沒有更多的選擇)。曲中用很多很長的句子直接反擊特權以及美國官方愛國主義所掩蓋下的戰爭的骯臟，作曲本人也曾在美軍服役，并且深知軍國主義所造成的惡果，這些經歷更使他能看清事實。在歌曲的最高潮部分，他反復的唱著我不是“幸運的兒子”。唱出了那個年代的最高呼聲。曲子用在這當然不是巧合，導演的用心可見一般，在阿甘剛到戰場的日子里，響起這段無源音樂不僅把觀眾的回憶更加拉近那個年代，對熟悉歌曲的或者相關文化的人來說更是有一份額外的情緒指向或者是某種引導，無限的意味油然而生。讓觀眾在鏡頭很音樂塑造的真實之中深得其意。在這之后的幾組鏡頭也同樣引用了那幾年在美國本土流行音樂榜上有名的歌曲作為塑造那個年代的一個手法。在這里聲音變成了一種符號，代表了一個年代。再往后一點，出現阿甘寫信的鏡頭，再次引用了一段音樂，阿甘此時正是給國內的好朋友，女主人公寫信。這段音樂的響起非常好的配合了鏡頭在阿甘所處的戰地與美國國內女主人公的鏡頭兩組鏡頭之間的切換。歌曲本身名字是California Dreamin’來自于美國60年代同樣很流行一時的樂隊爸爸媽媽，這首歌寫于一個紐約寒冷的冬天，歌曲很明顯表達了一種想引領聽者達到精神生活自由和滿足的愿望。也是當時美國國內年輕一代人精神生活的寫照。用在這兩個鏡頭之間當然也是恰到好處。緊接著鏡頭就切入了戰場，音樂也隨之而切換到了另外一首歌，這同樣是那個年代的一首反戰歌曲BuffaloSpringfield樂隊的For What It’s Worth。不同的是在這里好像音樂本身的內容更加接近于鏡頭畫面，一群不知道要發生什么的士兵在雨夜步行在一片無人的叢林中，沒人知道后面會發生什么，此時歌詞里也唱到There'ssomething happening here.What it is ain'texactly clear，竟然是與鏡頭完全巧合的。這里導演又在不經意間用音樂，用聲音語言去引導了觀眾引導了觀眾的情緒，并配合了敘事。同樣是這一段歌曲，在05年又被電影《戰爭之王》引用做片頭曲。在這段片頭中這段音樂更多的被作為無源的鏡頭配樂，節奏與一顆子彈的生產到運輸，買賣，使用到發射的全過程切合，這里此音樂作為一首著名的反戰歌曲又成為一中潛在的符號暗示這電影的反戰情緒，索性這也可認為是開門見山了。除此之外，這段片頭中音效的運用也很不錯，尤其是子彈的金屬聲給人真實感。并在最后隨著歌曲的節拍子彈被發射，音樂的停止，子彈的目的地卻是孩子的頭顱，隨著最后一聲低頻的，類似人體中彈的聲音，觀眾應該是會在影片的一開始的這段之后靈魂就被震撼了一下。可無論是《阿甘正傳》還是后者，導演都使用了有意味的“筆法”。先從引用的這幾段音樂來看，表面上導演的用意是把它當成是一種聲音符號(在《阿甘正傳》很明顯)營造一種年代的真實，或者是簡單的對畫面節奏的配合也可說是配樂。再往深一點看，卻是不得了。是寄托和答載了太多，在里可以簡單的用很有意味來形容。歐美60年代的搖滾音樂熱潮可以說是對那個時代，那個時代里的年輕人的一種特殊的人文關懷。生活在社會中下層的輕年人著特有的時代情緒和草根精神，想唱就唱，唱響了那個年代。導演在選用這些歌曲時必然是看中它們的人文意義，因為太多的西方觀眾對這些曲子很熟了。

這里著重談一談以上所寫到的《阿甘正傳》中的這幾段音樂的剪接和運用。對于不熟悉60年代美國文化和西方文化的觀眾來說大可把這些音樂在此的運用看成是對鏡頭的輔助作用，但從經歷過這個年代或者是熟悉這個年代的人來說，更多了一層意味深長。導演可能也是親歷過那個年代，通過他各人對那個年代整體情緒的看法和經歷，挑選出了這么幾段音樂，讓人不只是回到那個年代更是回到導演所希望到達的60年代的某個特定社會情緒，在這里作者也觀眾通過這段聲音達到交流和共鳴，再用這種情緒去看眼前的畫面，當然是意味深長。這又多少有了些許“移情”的意思。更讓這段聲音的運用在某個角度來看成為點睛之筆。也可說，有著某中決定作用。

說到聲音藝術語言運用的決定作用，接著上文對《阿甘正傳》下面再來看幾個例子。確實是沒有聲音再好的戲也出不來，稍加留心就會發現很多這樣的例子。聲音語言的運用在很多時候，對導演來說是完成藝術構思的最后而重要的一筆。也可能關系成敗《阿甘正傳》中必然是有它中和的一面，一面可看作輔助作用，一面可看作點睛之筆，這是視觀眾不同而定。可這里就有幾個影片，其中聲音語言的運用明顯變的很重要。《女巫布萊爾》真的是以它粗糙到一定境界的視聽手法而聞名于世。其中如果沒有那粗糙，聽似真實的聲音，那么電影也必然不會那么成功。2005年上市的電影加斯、范、桑特執導的《最后的一天》描述了上個世紀90年代中期，大名鼎鼎的另類歌星，美國著名樂隊捏盤的主唱，在他生命最后幾天里的歷程。可想而知，如果表現這樣一個歌星而不用他的音樂或者是沒大量引用音樂，使用背景音樂讓人無法接受。可是導演就是這么做了，并沒有過多使用什么成形或者經典的音樂或是場景音樂。但是影片中的唯一的兩段所謂的音樂的使用卻有決定作用。其中第一段出現的音樂詳細的說是由樂器的噪聲一層層堆疊發展而來的。在這之前，電影一直在潛移默化的表現這位在商業和社會壓力還有自我內心矛盾摧殘下的藝人。在這里他在某種壓力也好或者說是情緒的驅使下或是自發的走進了自己別墅中的琴房。所有的樂器都只面對這他一個人，這時候漸漸的就響起了一段靈碎的并沒有旋律的吉它聲，并持續了很久，畫面是遠景鏡頭，主人公在琴房里無助的不停把弄每件樂器，就這樣一層一層的進入低音樂器，最后進入鼓。每部分樂器之間完全談不上任何旋律的進行聲部的和諧，完全是每部分的無規則聲堆疊在一起，最后一段零亂鼓節奏的進入更是把這個情緒托到極至，而且這段鏡頭和音樂持續了很長時間。切實將觀眾帶入了主人公那空虛，矛盾，無奈的內心世界。再來看電影《夢》，著名日本導演黑澤明的最后作品。全片有八個光怪陸離的夢，讓人看后不盡深思。也可說是黑澤明最后對自己藝術人生的總結。影片的第四個夢，巧妙的給人帶來了一個反戰的主題。整個故事的敘事完全是由音效聯系起來的，這里其實就是簡單的一個混響效果的運用。開始是狗的叫聲由濕聲漸漸變為干聲，隨著軍犬的出現，故事的敘事從畫面和心理雙重展開，在這里說是心理，因所謂人心只動，感于聲而動，情故然也動于其中。故事每次敘事的推進都離不開那混響濕聲干聲漸變也就是所造成的由山洞深處而來到近處的效果。在這里此效果用在戰死的日本兵士的腳步聲中更是使聲音造成了他們由陰間回到戰敗后幸存軍官眼前的一層意思。更好的刻劃了整故事在心理上的刻畫。如果此處沒有使用什么聲音語言的運用，那么鏡頭的說服力簡直是不能讓人為之所動的。故由此處幾個電影的舉例很明顯的看出了，聲音語言的運用在一些時候對電影藝術表達完善的決定作用。

聲音藝術語言的使用也并非以上所舉的那么幾類，也遠比這手法多樣的多。但總的來看，以上所論所談到的足夠證明了聲音對鏡頭的輔助甚至是決定影片藝術表達的重要作用。總而言之，聲音也同樣沉載著大量的信息，沉載著創作者的藝術構思，最終到達觀眾，成為他們之間溝通的橋梁，成為電影必不可少的藝術表現語言。

作者簡介：沈愛國，男，浙江德清縣人。畢業于原杭州大學新聞系，現為浙江大學新聞與傳播學系黨總支書記，新聞傳媒與社會民展研究所副所長，副教授，碩士生導師。社會兼職：浙江省新聞工作者協會常務理事，浙江省傳播學會理事。孫瑩，男，現為浙江大學傳媒與國際文化學院在讀碩士研究生。