封神第一部，專業弒父

何承波

當烏爾善導演的《封神第一部》宣傳物料鋪天蓋地而來時，B站彈幕里，齊刷刷一片“爛片預定”，網友們似乎有充分理由相信這一點。

的確，號稱投資30億的巨作，宣傳物料給人強烈的“爛片既視感”：土洋結合的魔幻場景、廉價的特效、缺乏細節的服化道。在2019年最早一批宣傳片中，“爛片”感更是暴露無遺。

而導演烏爾善，算是一個有“爛片前科”的男人，他2012年執導的《畫皮2》，豆瓣評分6.1，是融合西方魔幻大片與中國神話傳說的怪異之作。

彼時，國內影視圈興起了模仿西方奇幻大片的創作風潮，《畫皮2》開了風氣之先。此后還誕生了不少影迷避之唯恐不及的爛片，諸如《西游記之大鬧天宮》《西游記之孫悟空三打白骨精》《封神傳奇》等。

疫情三年，時移世易。好萊塢在沉淪，美國大片在中國屢屢折戟，而《流浪地球》則打開了國人對國產影視工業的想象和自豪。2014年就開始籌備《封神三部曲》的烏爾善，一夢十年，改了天地，到《封神第一部》上映，他必然要面對影迷的質疑與迷惑。

弒 父

《封神演義》浩瀚、龐雜且混亂。

浩瀚在于世界觀構架：四族（神族、仙族、人族和妖族）、三教（闡教、截教、人道）。龐雜指的是人物，畢竟，最后所封之神，多達365位。

龐雜之處，是原著情節與敘事層面的混亂和矛盾，邏輯上的自相矛盾也不在少數。

種種原因，造成了封神宇宙的開放與松散。這不像《紅樓夢》，拍不出賈寶玉的多情與乖張，怎么都不可能對味，萬千讀者也不買賬。但封神宇宙沒有這種文學性的枷鎖，因此給了影視改編極大的自由。早些年，TVB版《封神榜》取了哪吒成長之路與母子情深，作為主線，是個極其聰明的做法，也符合黃金檔電視劇的定位，而改編力度也可謂大刀闊斧。

《封神第一部》，顯然也借弒父來塑造英雄的成長，從而串聯起“封神”的浩瀚宇宙。影片聚焦于一群少年質子，如何走進“殺不殺死父親”的倫理困境。

2019年爆火的《哪吒之魔童降世》，以及隨后誕生的《姜子牙》《新神榜：哪吒重生》《新神榜：楊戩》等，無一例外，都在弱水三千的封神宇宙中，只取了一瓢飲。

烏爾善導演籌拍《封神三部曲》10年，如今交出了系列首作《封神第一部：朝歌風云》（以下簡稱《封神第一部》），抓取了一個更有意思的切入口：少年，弒父。

弒父，是中國文學中少見的命題，而西方文化中則比比皆是，從古希臘戲劇《俄狄浦斯王》到《星球大戰》，弒父母題無處不在。但到了現代娛樂工業中，其意涵也發生了變化：“星戰”的弒父，將俄狄浦斯式命運論，改寫成善與惡對立的戲劇模版，是少年英雄成長過程中必經的坎兒，有如一場成年儀式。

《封神第一部》，顯然也借弒父來塑造英雄的成長，從而串聯起“封神”的浩瀚宇宙，影片聚焦于一群少年質子，如何走進“殺不殺死父親”的倫理困境。這里的“父”，既是血緣上的父，也是被政治構建出來的君父。又因其質子身份，二者，有時候合二為一。

現在問題來了，烏爾善的“弒父”之路，走對了嗎？

質子困境

說《封神第一部》是適合中國寶寶體質的“星戰”，并不太準確。

事實上，電影并不完全改編自《封神演義》，也許，弒父這一主題的構建，是來自《武王伐紂平話》。

雖說明代誕生的《封神演義》脫胎于這個宋元時代的話本，但主題卻不大相同。最重要的區別在于：要不要“伐父”。話本塑造的太子殷郊，得神人賜“破紂斧”，最終他請命一斧斬了自己的父親。跟《封神演義》中那位被申公豹說反的賢孝子孫，截然相反。

雖不清楚后面烏爾善會如何書寫殷郊的命運，但可以明確一點，影片貫穿始終的父子矛盾，是從話本得到了啟發。

電影原創了一個設定—質子：各大諸侯，各遣其子，入貢大商，敢有謀反者，先殺質子，然后族滅之。

這是烏爾善創意層面的聰明之處，但也是執行層面的敗筆，何以如此？

在封神宇宙中，人間最大的紛爭，諸侯與殷商的戰亂，本質是政治格局的矛盾。戰爭的理由，如果淪為正邪善惡的二元對立，可能會使影片變得乏味。但質子的出現，讓一切問題復雜化。

影片開場，便直觀地呈現了這種倫理困境的復雜性。

還未成為紂王的殷壽，奉命討伐謀反的冀州侯蘇護。白茫茫的大雪天，冰凍的城墻下，跪著蘇護入貢的質子，蘇全孝。這個名為“全孝”的好兒子，是來勸降父親的。

殷壽走到他跟前，告訴他，“我才是你的父親”，然后賜死了他。在質子軍團的眼中，城中不愿投降的蘇護，成了害死他們兄弟的兇手，殷壽也以為死去“兒子”復仇之名，發起了沖鋒的號角。

這樣的開場，算不得多驚艷。表演與拍攝技法上，也只能叫中規中矩。但它把創作者的野心拉到了臺前：接下來，影片要面對這種倫理困境的混亂與顛覆。

也就是說，紂王身后那些歡呼的質子們，將如何走進相似的困境，又如何抉擇難以逃離的命運：弒父，弒哪一個父？

質子，必然面對雙重意義上的“父”，離別多年的生父，以及有“教導之恩”的君父。而懵懂的他們不知道的是，他們，不過是被人擺弄的棋子。

父子君臣的倫理枷鎖，不光鎖住了質子們，其他男性角色也難逃此“劫”。殷壽作為非嫡長子，弒父弒兄，是他成王的必經之路。就連愛子心切的姬昌，最后也吃下了兒子伯邑考身上的肉。

反而是姬昌路上救下怪物般的“雷震子”，流露出某種真摯的父子之情，說起來也頗為諷刺。

新故事

《封神演義》本身是一個巨大的、荒唐的陰謀論。

人間戰亂與苦難，是元始天尊選拔神界骨干精心策劃的一場大戲。而選人不分善惡與是非，業務能力才是首要標準。不然怎么解釋最終所封之神，竟然反派陣營多過正派陣營。

這多少有些價值上的虛無。

電影創作者為了更切合大眾心理，重新改寫封神，很是必要。英雄敘事，是影視劇改編最常用的套路。顯然，烏爾善想在中國神話中打造一個好萊塢式的英雄史詩。

姬發，無疑就是少年英雄的天選之人。姬發有一個矛盾的設定，他是西岐送來的質子，卻瞧不起親生父親的軟弱，視勇武的殷壽為偶像，癡迷于他的人格魅力與理想。影片也給了他隱含的動力：成為英雄，成為殷壽一樣的英雄。

區別于其他作品中紂王的昏庸無道，本片中，作為反派的他，勇武與野心并存，對質子們而言，可謂頗具人格魅力。

無須劇透我們也知道，殷壽何等人也？成為紂王的他，何等殘暴。而姬發何等人也？成為周武王的他，毅然伐紂。面對這種家喻戶曉的故事，影視改編者所能做的，就是盡可能去夯實戲劇結構。《封神第一部》也的確做了這種努力。

為了讓弒父沖突走向合理化，主創還改寫了紂王的形象。區別于其他作品中紂王的昏庸無道，本片中，作為反派的他，勇武與野心并存，對質子們而言，可謂頗具人格魅力。為了強化這一角色，還一改他與妲己的關系：他不單純是受妲己魅惑與擺布之人，而是知曉妲己身份后，依然選擇了權力與欲望。至此，紂王被復原為一個相對真實的人，他的選擇，他所堅定的欲望，使其擺脫昏庸帝王的刻板形象。

另一邊，留給姬發的問題便是，如何覺醒、如何蛻變，如何在雙重“弒父”的困境中，作出艱難抉擇。

至少，《封神第一部》帶來了故事講法的不同。過去，中國影視劇熱衷于將個人升華至家庭、社會和國家等集體中。《封神第一部》則試圖反其道而行之，將“人”從政治與家國中解構、剝離，從集體復歸于個體。這種創作初心，是難得的。

影片試圖將所有人構筑在父子君臣的倫理牢籠中，也試圖借姬昌之口，給出答案：“你是誰的兒子，不重要，你是誰，才重要。”可見，本片的改編嘗試，其實是非常現代的。

但以上種種，都止于“試圖”。簡單來說，《封神第一部》在大綱層面有著扎實的、牢固的底子，但一落到細節的執行上，就開始泥沙俱下。

失 焦

姬發從一開始就失了焦。

作為串聯一切的人物—“姬發”，本該有一條完整的人物弧光，有起承轉合、有鋪墊、有醞釀、有爆發，但最終看不到任何人物情感轉變的軌跡。

還是回到電影開場：《封神第一部》其實預設了雙重視角。一開始是黃渤飾演的姜子牙的旁白，他從宏大敘事層面交代了整個封神的世界觀，這是屬于神與仙的視角。

另一個視角是微觀的，屬于人的視角。我們的主角姬發，用簡短的旁白，簡單交代了“我”的身份與立場。但這個旁白可有可無，一兩個鏡頭后，姬發的“在場感”，很快被“宏大場面”所擠壓。

在姬發人生轉變的幾次重大時刻，這種失焦感都是很顯著的，無論是告發與逮捕生父，還是面對偶像的塌房，抑或面對弒父的重大難題，所有轉折點的鋪墊與醞釀，都是一帶而過的，走馬觀花的，浮光掠影的。

所有質子都一樣，當他們“決定殺死父親”，或者決定背叛（反抗）“君父”，這本該是人性最為掙扎的時刻，影片卻缺少了耐心，只留下幾聲虛張聲勢的哭喊。

最直接的例子，便是當姬發決定“殺死”親生父親時，影片幾乎一閃而過，草草交代了這一核心情節，看似討巧地留下了一個懸念，但也簡化了這個人物的情感邏輯，他，只是在執行一件看似天衣無縫的計劃，成為劇情快速推動的提線木偶。

很難說是誰的問題。演員？編劇？還是導演？想想李雪健扮演的姬昌，戲份少，又是個功能性角色。當得知剛吃的肉餅是用兒子之肉做的，他頓了一會兒，反遞給紂王，反復叫著：你嘗嘗，你嘗嘗。接著，他撲向了紂王，要跟他拼命。

《封神第一部》的通病在于，原本人物需要有的鋪墊、情緒醞釀，起承轉合，被大大壓縮了，追求一種短視頻時代所特有的“快速高潮體驗”。

從表演層面來說，頗為動人，無可指摘。回到原著，姬昌其實這一刻隱忍著不發，繼續若無其事地吃肉。逃離之后，他才開始崩潰。

由此不難看出，《封神第一部》的通病在于，原本人物需要有的鋪墊、情緒醞釀，起承轉合，被大大壓縮了，追求一種短視頻時代所特有的“快速高潮體驗”。

類似的問題，還出現在姜子牙、哪吒、楊戩等人身上，以至于這些配角通通淪為純工具人的存在。至此，在一部以考驗人性為主題的大戲里，觀眾其實感受不到真正人性流露的時刻。對于烏爾善導演而言，這一點也不意外。

不朽與速朽

烏爾善導演，做廣告片出身，對美術有一種執著的追求，這一點，跟第五代導演，尤其是張藝謀，很像。畫面、視覺與形式，大過人物、故事，是他們的立身之本。

對張藝謀來說，成于此，也敗于此，從《紅高粱》到《三槍》，張藝謀還是那個張藝謀，只是時代變了。

烏爾善處女作是《刀見笑》，荒誕滑稽的造型、臟兮兮的畫面與場景，幫助他在審丑美學中，找到了電影表達的可能性。但畫面一轉，烏爾善交出了《畫皮2》，審丑復歸“審美”，重回華麗的廣告美學，算是老本行了。