舞臺表演中聲樂演員的情感培養策略探究

【摘 要】聲樂表演與其他表演有很大區別，與其他舞臺表演相比，聲樂表演顯得太過單一，盡管舞臺的表演形式在一定程度上對聲樂表演進行了豐富，但是這還遠遠不夠，要想在舞臺表演中取得成功，就必須要對演員的情感進行培養，以此為基礎，本文主要探討在舞臺表演中，如何對聲樂演員的情感進行培養，使其在具有良好演唱能力的同時，還具有出色的舞臺表演效果。

【關鍵詞】舞臺表演；聲樂演員；情感培養

【中圖分類號】J616 【文獻標識碼】A 【文章編號】1007—4198（2023）24—121—03

引言

在物質生活日益豐富的今天，人們對于精神生活的渴求也日益強烈，而音樂正是開啟這種渴求的一把鑰匙。隨著人們對音樂的重視，也隨之對聲樂表演的觀看效果更加重視，人們不僅在聽覺層面要對聲音感到享受，還要觀看表演的時候，尋求精神世界中的共鳴。聲樂表演其實是一種將嗓音作為表演的主要內容，在聲樂演唱方面，有美聲演唱、戲曲演唱、通俗演唱和民族演唱等。聲樂演唱既是一門聲音藝術，又是一門視覺藝術。聲樂演員不僅要具有較高的歌唱水平，還需要具備較好的舞臺表現能力，這樣才能更好地向觀眾傳達情感，提高聲樂表演的魅力價值。因此，在舞臺表演中，如何對聲樂演員的情感進行培養，已經成為當前人們最為關心的話題。

一、對聲樂演員產生影響的主要因素

（一）聲樂演員自身的天賦

在選擇和培養聲樂演員的過程中，往往更注重演員本身的天賦，而忽略了他們在后期的努力。從古至今，人們總是在將天賦與勤奮進行對比，但不得不承認，并不是所有的人都在聲樂方面有天賦，也不是所有的人都天生擁有一副好嗓子。而且也要認識到并不是所有會唱歌的人都能成為一名歌手，固然天賦很重要，但是在天賦背后的勤奮和努力同樣不能被忽視。并且也不是所有的聲樂演員都是天賦的，對于這些大部分沒有音樂天賦的人來說，怎樣科學地培養他們在聲樂表演中的情感表達，從而提高演員的表達能力就顯得尤為重要。

（二）聲樂教師忽視對演員的情感培養

情感的培養對聲樂演員的舞臺表現力起著非常重要的作用，在進行聲樂教育培養時，許多教師都更重視聲樂技巧上的教學，而忽略了情感的培養。在當前的舞臺表演中，許多聲樂演員都是一板一眼地去唱歌，這就造成舞臺表演缺乏吸引力，使觀眾對這個節目提不起興趣。盡管歌唱家的歌唱技術已經非常成熟，但如果沒有感情的投入，觀眾則很難產生共鳴。因此，在進行聲樂教學的過程中，教師要更加重視對聲樂教學中情感的培養，將技巧與情感有機地結合起來，從而達到最佳的舞臺表演效果。

二、聲樂表演的相關知識

（一）聲樂表演的藝術表現特點

聲樂藝術是一種通過表演者的嗓音來展現藝術魅力的方法，是音樂表演中最基礎的一部分，也是舞臺表演中最關鍵的一部分。聲樂藝術表演者可以重現創作者所要表現的情景，而聽眾可以在舞臺情景的構建中理解作品所要表達的意境，從而與表演者產生感情上的共鳴。聲樂演唱也是一種最直接的感情表現形式。在聲樂藝術的表演過程中，表演者必須要全心全意地投入到音樂中，才能體會到音樂的魅力，并且要以一種身臨其境的方式來表演，只有將自己的情緒完全地融入到音樂中，才能與觀眾產生共鳴。而聲樂藝術又是一門語言和音樂的綜合藝術。聲樂藝術既要有文學語言、旋律語言，又要有演員的身體語言。在演奏中，必須將這三種語言融為一體，使其充分發揮出藝術的魅力。聲樂的創作是把藝術的想像和生活的實踐性結合在一起的。聲樂藝術來自于實踐，所以在聲樂藝術表演的過程中，要運用表演者的生活經驗，去體會聲樂藝術。同時，聲樂藝術也經過了藝術加工，所以在表演和欣賞的過程中，要充分發揮自己的想象力，用自己的想象力來構建出聲樂藝術作品所要表達的空間。

（二）聲樂演員的演唱規范

在聲樂表演過程中，對聲樂演員的歌唱語言有很高的要求，而要達到這種標準，聲樂演員就要對聲色、音色的語音規則有準確的理解和把握，這樣才能對聲樂演出起到有利的作用。聲樂歌手也要對人體聲腔、口腔和舌頭的結構關系有一定的認識，如此也便于歌手在試音中，由低到高，達到良好的嗓音標準，并使歌唱語言規范化。其次，歌唱家在歌唱時，也要遵守音質的音律，找到正確的音位，保證嗓音的形態，以達到歌唱語言的標準。

（三）聲樂演員的發音基本功訓練

要讓聽眾聽得清楚，聽得懂，演員不僅要說話清楚，而且要有很好的語言表達能力。對演員進行發音的訓練，首先要從聲音入手，然后再結合基礎的“氣”“聲”和“字”三方面的基礎訓練。歌手在舞臺上的演唱，要求嗓子要有節奏感，而且要鏗鏘有力，低音要沉穩，也要剛柔并濟。做到這一點，就需要注意每一個字的發音，盡量不要出現吃字、倒字等情況。比如“山”就是一個舌音，因此，在發音的時候，一定要小心，不要將其變為牙音，而變為“三”；如果歌手的發音太弱，很容易將“沒有”改成“唯有”，如果嗓門太小，很容易將“慢來”改成“悶雷”，還有一些歌手在發音的時候，將“有力”改成了“咬裂”，這都是對原有音位的改變。其實，造成音變最主要的原因就是歌手對每個字的音素處理得不夠好，從而使每個音節組成的元素發生了很大的變化。因此，歌手要準確地掌握每個字的頭、腹、尾部，確保每個字的音素都規范在一定的比例內。聲樂的練習，先要掌握音質，然后才能掌握音量、音高等等。只有做到了正確的發音，才能保證嗓音的正確，才能保證音質的準確性。其次是吐字，不但要有清晰的發音，而且要每個字都擲地有聲，在練習的時候要注意不要養成只練高音調而不練低音調的壞習慣。唱腔與曲調必須同步進行，這就需要歌唱者同時加強嘴部肌肉的訓練，以免因口部軟弱無力而導致呼吸不暢。

三、提升聲樂演員舞臺情感的策略

（一）注意演員的肢體動作訓練

聲樂演員的情感修養不僅限于對聲音、歌詞、曲調、音色等方面，而且在歌唱時，演員的身體語言也是一種表現情感的方法。所以，在日常的訓練中，可以適當地對演員的身體動作進行訓練，在正式的演出中，人們認為，恰當地運用身體語言，不但可以提升表演者的氣勢，還可以渲染出一種情緒。但是，這也需要演員對舞臺有一定的控制力，將自己最好的狀態展現出來。此外，歌手在唱歌的時候，也不要有過多的身體語言，并且表演的時候要自然流暢，同時還能與歌詞和情感相結合，隨心所欲。例如，做手勢這個動作，要在唱歌的過程中有意無意的運用，而不是故意的搖晃，不然就會讓觀眾覺得畫蛇添足，達不到渲染情緒的效果。然而，不管是在日常的訓練，還是在正式的比賽中，都不能過于依靠身體語言，身體語言只能起到一種渲染情緒的作用，所以演員在演唱的過程中，不能把主次顛倒過來，否則就會得不償失。

（二）正確把握舞臺聲樂情感

聲樂舞臺表演是一種綜合性很強的表演，對演員的要求也很高，既要有好的嗓子，又要對演唱的歌詞有正確的理解，對歌曲的情感內涵有準確的把握。在歌唱中，如果僅僅注重聲樂的技術，而忽略了歌詞所表達的情緒，那將會使一首歌失去生命。由此可見，在舞臺演出中，對情緒的恰當控制是非常重要的。因此，要想正確地了解和掌握情緒，就必須先了解歌曲。

一首歌由兩部分組成，一是曲調，二是歌詞，其中的歌詞采用了文學創作的方式，并且融入了歌曲所表達的意蘊，使得歌詞本身有了一定的思想感情，使作品更具形象化。作曲家在創作時，將自己的情緒與歌詞相結合，而歌曲的旋律則是將歌詞中的情緒表現出來。可以說，一首歌最關鍵的就是歌詞，如果忽視了歌詞所傳達出來的意蘊，那么就不可能彈奏出一首優美動人的曲子。對歌手而言，只有對一首歌的歌詞有了透徹的了解，才能對一首歌有更深層次的認識。所以，在開始演唱之前，歌手必須要對歌詞展開深刻的分析和理解，準確地掌握歌詞所要表達的情感因素，并用一遍又一遍地背誦歌詞，來確定自己對歌詞的判斷是否準確，這樣才可以使演員的舞臺表演效果更好。

（三）把握觀眾的心理需求

一件藝術品的成功與否，它的美學價值，主要取決于觀眾對它的判斷，所以，在舞臺上的表演中，表演者要對觀眾的心理有一個準確的把握，使自己在舞臺上的表現可以引起觀眾的注意，從而讓觀眾對這一表演做出一個好的評價。臺下的觀眾都想看一場精彩的表演，而演員也都想演出一場精彩奪目的表演。對聲樂演員而言，要想讓觀眾在自己的表演中體會到人物的情緒，理解作品的內容，就必須要對觀眾的心理有一個精確的把握，作品要符合觀眾的審美需求，用演唱的方式去感動觀眾，從而得到觀眾的認同。

（四）提升表演水平，增強舞臺想象力

首先，要加強基本功的培養，提高演奏的水準。一方面，在對基本功進行訓練的過程中，老師們應該將自身的引導價值發揮到最大，采取將實踐及理論相結合的方法，通過對演員進行言傳身教，從而提高聲樂演員的綜合技能水平和基本功訓練水平。

其次，要加強聲樂演員舞蹈動作的標準化，為聲樂演員的基礎訓練打下堅實的基礎。無論是古典舞、現代舞還是民間舞，只有構建起一套科學、規范的基本功訓練體系，才能讓聲樂演員在舞臺演唱時所結合音樂作品的舞蹈動作變得更規范，從而避免出現動作畸形和受傷的情況。為此，必須有一套專門的舞蹈教學資料，以便給學員們提供一套科學的教學方法；要遵循循序漸進的難度指標，逐漸提高訓練的難度，通過規范基本動作的練習，降低練習中可能發生的危險，進而提高舞蹈練習的總體效果。最終，想象力在舞臺演出中有明顯的體現，從前期對人物的設計創造，到中期對人物情緒的調節，從動作節奏的安排，到身體語言的使用，到后期的舞臺效果和音樂的安排，都離不開人的想象。沒有了想象力，就不可能將音樂與舞蹈有效結合起來。由于受到了空間和時間等方面的限制，舞臺表演不可能還原出人物所處的時代背景，所以，只有通過編導和舞者的想象力，才能對音樂作品展開二次創作，才能深入地刻畫出音樂作品與舞蹈的精神內涵，在表演的過程中，激發出觀眾的想象力，達到藝術上的共鳴。

（五）在舞臺表演過程中融入自身的獨特性格

在舞臺藝術演出中，可以把自己的性格融入其中，使演唱更加流暢自然。在進行情感培育的時候，聲樂演員要將自己所處的時代背景和創作者的生活背景進行替換，在對作品進行解構的時候，要充分地了解創作者所處的那個時代和當時社會人們的精神世界。與此同時，歌唱者也要將自己的性格融入到作品的演奏之中。聲樂演員擁有著不一樣的聲音特點，他們在表演作品的時候，或許會在音調上與作品的走向相一致，但在音質方面，卻不能將作曲的本來面貌還原出來。此外，不同的民族、不同的地區，在表演同一首作曲時，會有不一樣的表現效果，一場演出只有將表演者的情緒反映出來，注入了演員的情緒特點，才會有活力。所以，在聲樂演員的表演過程中，需要將自己的人格和時代的精神風貌融合到一起，這樣才能對作品的情感進行豐富。

（六）注重對聲樂作品的分析理解

音樂作品是一種藝術表達形式。聲樂演員和創作者，根據彼此的生活經歷和思考角度，他們對音樂作品的理解可能會有不同之處。如果聲樂演員僅僅站在自己的角度上，對聲樂表演進行思考，那么他們與聲樂作品真正要達到的境界之間就會有不同之處。另外，有些歌手還需要演唱一些外國的歌曲，由于文化的差異，使得歌手們更無法站在創作的角度去演唱。在某些聲樂表演過程中，聲樂演員只是簡單地將歌詞唱出來，從而導致作品失去了藝術魅力，使得整部作品變得平淡無味。如果想要讓作品的情感變得更加豐富，就需要聲樂演員在前期的演唱練習過程中，對聲樂作品的理解進行強化。對舞臺聲樂作品的創作環境背景，語言上的表達方式、所傳達的情感及其變化進行了解后，對音樂作品進行全方位的分析，并在每個環節中把握好音樂作品的情緒，以此來再現音樂作品的真實情感。

四、結語

總的來說，聲樂演員的情感表現在舞臺表演中是非常重要的，老師在對聲樂演員進行培訓的時候，不能只注重技巧的熟練程度，還要從發聲訓練、音色訓練等方面，對聲樂演員展開情感的培養。提高自己的舞臺表現能力，與觀眾的精神世界產生共鳴，從而達到在舞臺上取得成功的目的。本文通過對聲樂演員在提升舞臺情感方面的問題上所提出的幾點建議，以期助力聲樂演員在音樂道路上走得更遠。

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作者簡介：李俊財（1985—），男，甘肅天祝人，本科，國家三級演員，研究方向為聲樂表演。