淺談舞臺藝術(shù)攝影的創(chuàng)作

■張婷

攝影藝術(shù)，就是利用攝影材料、攝影語言，依據(jù)藝術(shù)家的主觀審美理想，運用藝術(shù)的概括能力，通過個別的特定的具體形象，來表現(xiàn)現(xiàn)實的本質(zhì)的藝術(shù)。舞臺藝術(shù)攝影是攝影技術(shù)與舞臺攝影藝術(shù)的結(jié)合物，是厚重燦爛的中國文化元素與現(xiàn)代高科技的光影完美融合的表現(xiàn)形式。舞臺藝術(shù)攝影是在特定的時間、空間上創(chuàng)作的藝術(shù)形式，它和人們長期實踐中的其它攝影不同，有獨特的拍攝語境要求。同時，它也受客觀環(huán)境的影響，比如：各種強弱燈光的瞬間轉(zhuǎn)換、人物角色的動與靜、拍攝位置等。

舞臺攝影的一般特點可以概況為以下幾個方面：

首先是光線的特殊性。舞臺攝影通常是在室內(nèi)舞臺燈光照明下拍攝的，舞臺燈光不僅能夠有效地渲染舞臺生動的氛圍，而且變化性相對較多，不同燈光可以組合成不同的舞臺效果。所以，在前期彩排拍攝時，應(yīng)該針對燈光的轉(zhuǎn)換色、燈光明亮度、柔光燈等進行分析和檢測，了解燈具的位置、色彩變化、照射范圍、明暗度等，以便于結(jié)合舞臺實際情況，并適當利用后期技巧來修復(fù)照片的缺陷。

其次，舞臺攝影的攝影間距變化小。目前國內(nèi)大中型劇院都設(shè)有升降樂池和圍欄以及1.5 米左右的走道。假設(shè)在最佳觀賞點拍攝舞臺，離演員有30 米左右的距離。依據(jù)以上情況，拍攝者使用24-70mm 變焦鏡頭可以拍全景，使用70-200mm 變焦鏡頭或135 定焦鏡頭可以拍中景或一、二個演員特寫畫面。

除此之外，舞臺攝影的拍攝點相對固定。目前劇院一般設(shè)在室內(nèi)，多能容納1000 名左右的觀眾。演出時劇場要求大家遵守秩序，保持安靜，不允許隨意走動，避免影響演員的表演和觀眾的觀劇效果。因此拍攝者不宜拿著相機到處走動，只能坐在自己的座位上拍攝，對相片取景造成了一定影響，這與室外攝影顯然有很大的不同。

區(qū)別于普通攝影的舞臺藝術(shù)攝影，因其獨具的特點，具有特色鮮明的藝術(shù)創(chuàng)作方法。一旦掌握了舞臺攝影所包含的攝影方法，就能創(chuàng)作出有內(nèi)涵、有技術(shù)、讓人眼前一亮的優(yōu)秀作品。

首先，要掌握表演情節(jié)。視覺的表現(xiàn)離不開對現(xiàn)實生活的形態(tài)、色彩、空間等的“目有所感”。對演出情節(jié)的熟悉是攝影師能夠如愿抓拍到理想中的優(yōu)秀作品的前提。對演出內(nèi)容的發(fā)展節(jié)點都看在眼里、記在心間，對演出的精彩部分有清晰的把握，加上開拍前選好的最佳拍攝角度、鏡頭焦距、正確曝光檔級，才能展開忙而不亂的從容鎮(zhèn)定的舞臺拍攝。對表演情節(jié)一知半解的攝影師，很大程度上要失去、遺漏出彩的重點，造成不應(yīng)有的遺憾。筆者的單位是群眾文化藝術(shù)單位，每一次演出的連排、彩排，領(lǐng)導(dǎo)都要求筆者在現(xiàn)場觀看，以便隨后的演出中，真正做到胸中有數(shù)，不慌不亂地拍攝出與主題相映相趣的作品。

其次，要注重多重曝光動感呈現(xiàn)。與繪畫藝術(shù)創(chuàng)作不同，舞臺攝影注重對演出過程的原始見證與記錄，其作品沒有虛構(gòu)和想像的成份。就常態(tài)而言，動態(tài)影像的呈現(xiàn)，肯定要比單一的畫面具有更強大的吸引力、感染力和說服力，也更容易被人肯定和傳閱。因此在舞臺攝影的過程中，攝影師需要慎重把握舞臺上的每一個動態(tài)，通過科學(xué)精準的攝影方法，讓特定的靜態(tài)的攝影作品幻化出流動的張力，使觀者面對靜態(tài)的畫面，感受到“此時無聲勝有聲”的力量。而要想達到畫面的動態(tài)效果，多重曝光的攝影方法就派上了用場。何謂多重曝光呢？就是增加一張底片的曝光次數(shù)，從而產(chǎn)生猶如萬花筒般的神奇畫面，層疊有序，神韻交錯，魅力無限，又似是對立而放的兩組平鏡，幻化出鏡中鏡、鏡中像的藝術(shù)效果。相較其它舞臺攝影作品，它毋庸置疑可以將攝影師心中的畫面依次生動唯美地組合在一起，構(gòu)成美不勝收的動態(tài)感藝術(shù)攝影。因此在每一次的舞臺拍攝中，攝影師一定要嚴謹勤奮，“心”“目”高度配合，充分把握好創(chuàng)作要領(lǐng)，發(fā)揮自身潛在的本能，提升舞臺拍攝的成功率，使舞臺攝影的藝術(shù)性有質(zhì)的飛躍。

最后，要運用大光圈鏡頭的視覺沖擊。現(xiàn)實生活中，很多攝影師都喜歡用成像效果更清晰更有質(zhì)感的大光圈鏡頭進行拍攝，因為大光圈能使攝影師要表達的主題更加鮮明，促使圖像呈現(xiàn)美妙的景深與虛化效果，是眾多攝影師所追求的一種夢幻視覺。同時，大光圈鏡頭還有功能上的絕對優(yōu)勢：首先是較其它普通鏡頭的通光量大大增加，有曝光時間縮減的優(yōu)勢；其次，在物距和焦距沒有變化時，光圈愈大，景深愈淺，效果自然是背景虛化，被攝主體愈加立體醒目。

舞臺攝影師的擔當責任，就是在恰好的時間段，捕捉表演者所釋放的一切喜怒哀樂，在表情豐富的瞬間按下快門，定格觀眾心目中的最美神態(tài)和最精彩的畫面。如若作品能夠讓觀看者在第一時間就把目光鎖定在圖片主體上，延伸出視覺感和故事情節(jié)的連續(xù)性，想必會大大增加拍攝者對今后工作的信心。

那么舞臺攝影應(yīng)該怎樣具體操作呢？

第一步，就是選擇合適的相機和鏡頭。為了拍好舞臺上的精彩畫面，最好能選擇數(shù)碼單鏡頭反光照相機。筆者目前使用的是佳能EOS 5D MARK Ⅳ，此類數(shù)碼相機IOS值高，連拍張數(shù)多，快門時滯小，自動對焦速度快，尤其在劇場低照度光線情況下能快速抓拍到運動中的表演人物，非常適合舞臺攝影。鏡頭一般配備24-70mm 和70-200mm分別用于拍攝全景、中景和人物特寫，在拍攝戲曲演唱，舞蹈等特寫鏡頭時70-200mm鏡頭還可以起到很好的防抖效果。

第二，要正確選用感光度。一場劇目中舞臺燈光是多變的，為了要拍到演員清晰的形象，抓取主體表演的精彩瞬間，往往需要拍攝者根據(jù)光線不斷調(diào)整合適的ISO進行拍攝。對于燈光明亮的場景要適當降低感光度，以免出現(xiàn)曝光過度的情況。而燈光較暗的場景需要用6400 以上的高感光，根據(jù)場地的實際情況設(shè)置，避免出現(xiàn)照片噪點明顯過多的情況。

第三，還要設(shè)定快門和光圈。一般來說，相同的焦段下，鏡頭的口徑越大，光圈就越大，鏡頭的通光量就越大，能獲得的有效光線就越多，有利于拍攝出淺景深的照片，但也會影響成像質(zhì)量。光圈越大，意味著有更多的光線要從鏡頭邊緣通過參與成像，這就直接導(dǎo)致了成像質(zhì)量的下降。其表現(xiàn)為解析度降低，出現(xiàn)暗角或者是色散等情況。而光圈過小，就意味著光孔過小，通過的光線太少，也不利于高質(zhì)量成像，甚至于在極端情況下，光線會發(fā)生衍射現(xiàn)象，從而降低分辨率表現(xiàn)。因此，鏡頭的光圈一定存在著一個最佳的成像光圈，能夠結(jié)合快門和感光度實現(xiàn)最佳的成像效果。

攝影師按下快門的那一刻，就把主觀意愿通過最典型的角色和最精彩的瞬間傳遞出來了。舞臺藝術(shù)攝影是記錄舞臺表演的過程，更是基于攝影師自身的藝術(shù)審美、解析、品讀進行再創(chuàng)作的溫曖經(jīng)歷。為讓舞蹈、音樂、戲劇、曲藝、雜技等，在不同舞臺上傾情亮相，使繁榮于舞臺之上的一切演出更加完整完美地呈現(xiàn)、傳播、傳承，也讓昔日的觀眾目睹到攝影作品時，又回到觀演時的美好時光，感受重臨現(xiàn)場的心境，舞臺攝影者在熱情的工作之余，一定要認真梳理和總結(jié)每次拍攝的得與失，不辭辛苦地去了解和把握舞臺表演的每一個神態(tài)，熟練掌握攝影技巧，創(chuàng)造舞臺影像的大美境界，讓靜態(tài)的瞬間綻放流動的魅力，給時代發(fā)展留下難忘的精彩瞬間，給燦爛的中華文明留下厚重的影像財富。