實驗與融合：論當代攝影的邊界問題
——以紐約現代藝術博物館新攝影（New Photography）系列展覽為例

陳鵬宇

圖2-1 Rachel Harrison 作品：《DIY》

一、攝影藝術的“邊界”

《攝影理論：歷史脈絡與案例分析》一書中就當代藝術中的“邊界”問題提到：“當代藝術中的媒介是以歧義性、多樣性、不確定性以及媒介之間的相互作用為特征，而不是純粹性。這并不意味著媒介之間的差異被消解了，或者藝術家對自己使用的媒介已漠不關心。相反，過去的藝術家們在整個創作生涯中往往堅持采用同一種媒介來創作，而當代藝術家們則選擇深入研究不同媒介之間的界限，或以不止以一種媒介來進行探索。”無論當代藝術還是攝影藝術，其“邊界”問題都是一個始終圍繞的老話題。那么，攝影媒介的邊界究竟是什么？

這條越發模糊的界限并非是一條清晰的輪廓線，而是一個柔軟的地帶，并沒有棱角分明。伴隨著攝影藝術自身的發展與變化，攝影的邊界問題在藝術家的不斷探索中進行變化。隨著藝術和時代的發展，當代攝影藝術中形式語言變得更加多樣化。雖然攝影的媒介具備一定的客觀性，但是相機作為一種生產影像的工具卻由人操控，鏡頭的指向、攝影師的站位、圈定的畫面、以及最終扣動快門的時機，必然受主觀支配。因此，交互性、開放性、虛擬性作為各類藝術媒介之間的共同特點，則為攝影藝術的創作提供了表現上的基礎，攝影藝術的“邊界”問題也隨之變化。

1985 年，約翰·薩考夫斯基（John Szarkowski）在紐約現代藝術博物館策劃了第一屆“新攝影”（New Photography ）的展覽，迄今為止該系列展覽已展出了133 位藝術家的作品，共舉辦了25 屆展覽，并根據策展人的不同情感，涵蓋了攝影媒介的不同范疇。“新攝影”展覽強調側重于個人成就，因此展覽的選擇更加突出攝影藝術家個人的創作脈絡。筆者將1998 年至2010 年期間“新攝影”展覽中的攝影作品與藝術家身份特點梳理后發現，這七屆展覽所呈現出兩方面的特點：第一，藝術家身份不再單一，與其他藝術門類之間的邊界不斷融合，在不同身份的驅動下，作品形式更加豐富；第二，展覽形式更加豐富，攝影作品不僅僅局限在二維照片的平面懸掛，而出現了以裝置、雕塑為表現手段，運用豐富的材料在形式上進行疊加或融合。展覽基于藝術家的身份屬性，將其對于藝術的新認識，實驗性，以及媒介上的探索融入攝影藝術，從題材選擇、視覺表達以及技術技巧等方面，逐漸找到一種新的可能與突破，呈現出多元并存的攝影新面貌。

二、形式語言的邊界延伸

在1995 至2010 年這一階段，紐約現代藝術博物館“新攝影”系列展覽中，實驗性與多媒介的特點已表現得較為突出，這一趨勢已經成為藝術領域中不可逆的現象。以攝影與雕塑的融合為例，1998 年第14 屆“新攝影”（New Photography 14）展覽中第一次出現了雕塑裝置與攝影結合的藝術作品《DIY》。

作者蕾切爾·哈里森（Rachel Harrison）將她的創作方法描述為“直覺與思維相結合”，她將藝術史、當代文化以及藝術家和雕塑在社會中的作用，融入裝置作品中。《DIY》在多媒體裝置中以組合的形式展出，她將照片插入泡沫塑料、紙塑制品或普通家用材料制成的雕塑中，將二維和三維融合在一起，從而在物體和圖像之間引發動態的關系，最終展現出雕塑作品中由抽象形式和消費品組成的半具象化巨石，包括罐頭食品、雜志、塑料食品和假發，以此來質疑雕塑的傳統功能。作品討論一次性物品泛濫所造成的環境問題。透過不同的視覺組合，豐富各異的展覽形式體現在攝影與雕塑中進行疊加，“物”的表達更能清晰地在視覺上產生關聯。

圖2-2 Robin Rhode 作品：《Stone Flag》

2005 年“新攝影”展覽（New Photography 2005），藝術家羅賓·羅德（Robin Rhode）的作品以多照片矩陣的形式排列，將攝影與行為錄像結合。羅德的創作思維受到了19世紀80年代運動規律研究埃德沃德·邁布里奇（Eadweard Muybridge）的影響，我們可以從作品的畫面上看到，藝術家自己為相機表演并利用攝影記錄這一過程，攝影最終成為這組行為的展現形式。在創作《Stone Flag》時，羅德將相機安裝在屋頂上，利用俯拍的方法記錄行為的過程，將他的身體和道具安排在地面上。畫面中為了慶祝南非民主的勝利，羅德揮舞著一塊由紅粘土磚制成的雕塑旗幟，身上的白色工作服在表演的過程中逐漸被灰塵弄臟，以此來暗示南非礦工生活的的艱辛。整部作品結合攝影與錄像，呈現出一種詼諧的影像敘事。在連續的照片中，藝術家的動作似乎改變了傳統二維圖像的效果，矩陣式的影像與錄像的相互結合壓縮了敘事內的時間和空間，融合了個人表達與對民主的社會化思考的同時，拓寬攝影這一媒介在傳統敘事范疇內的功能。

威力德·貝西蒂（Walead Beshty）是一位關于記錄攝影基本過程的藝術家。即使在不使用相機拍攝的照片的情況下。將攝影剝離到最基本的元素：將相紙暴露在光線下（Rayographs）。

當攝影是否作為記錄的手段，一直以來都是攝影的本質問題被人們討論。威力德的巨幅彩色攝影作品討論的就是攝影的本質問題。為了制作它們，威力德將部分未曝光的彩色相紙卷起來，并將它們暴露在不同顏色的光線下，過程是在完全黑暗中制作的，從紙張的大小到圖片的顏色、構圖都是藝術家預設下的直接結果，這些參數決定了作品的外觀方式，對比強烈的色塊讓攝影作品看起來更加抽象。這些照片是藝術家“表演”的效果，這種放下相機，不凝固瞬間，不是單一焦點的表達方式，是對攝影的一次實驗性探索。

圖2-3 Walead Beshty 作品：《Rayographs》

圖3-1 New Photography 14 展覽現場

圖3-2 New Photography 2005 展覽現場

三、“界”的消失：藝術家身份的融合

藝術家將自身所擅長的藝術領域方法論模糊化，并將媒介延伸于其他領域，即藝術家身份的融合，這是新面貌的第一個具體體現。回顧新攝影系列展覽，我們不難看出，之所以涌現出大批不同身份的藝術家參與攝影創作，原因之一是基于圖像視覺的攝影媒介，與其他藝術媒介的方法論之間有共通性。此外，攝影媒介在藝術史的論述中，向來是繪畫藝術的延續與爭論的焦點，故不應該與其他圖像媒介所剝離。因此，藝術家的身份不應作為一個單一標簽或屬性，而應是由其擅長的中心擴散出的多個“島嶼”，彼此參與到對方的場域。實現藝術之間的互通，并在此過程中加深彼此的認識。

如本雅明在《攝影小史》中明確提出：“如果我們把看待攝影的方式從‘攝影作為藝術’轉換為‘藝術作為攝影’，那么強調的重點將完全改變”。從“攝影作為藝術”轉換到“藝術作為攝影”，并非簡單的主賓語倒置，這一轉換對于攝影理論與實踐都具有重要意義，自1939 年至今，攝影術誕生一百八十年，從不被認同到被納入博物館的收藏體系，經歷了眾多的爭議。今天，不同身份的藝術家借用影像進行表達，以視覺為出發點，將藝術作為攝影，逐漸模糊各藝術門類間的界限，利用媒介之間的關系，形成無法被歸類的藝術語言。

二十世紀九十年代，以新攝影系列的第十四次展覽中（New Photography 14）的四位藝術家為例，他們的作品呈現出四種不同的攝影類型，從大型全景照片到封裝在物體中的圖像。他們的共同點是都積極融入其他媒介，這并作為此次展覽的特色。其中珍妮·鄧寧（Jeanne Dunning），薩姆·泰勒（Sam Taylor）使用了錄像這一媒介，埃利亞松（Eliasson）的作品結合裝置與攝影去表達，理查德· 哈里森（Rachel Harrison）是一位以雕塑為主要媒介創作的藝術家。他們在攝影方面的工作得到其它藝術創作的滋。在此次展覽中藝術家的身份逐漸由單一走向多元，純粹的攝影圖像表達不再作為當代攝影中最主流的趨勢，無法再用單一的概念去歸納總結藝術家的創作類別。

2005 年新攝影展覽中，羅賓·羅德（Robin Rhode）作為以為行為藝術家，利用攝影為自己的行為過程做記錄，反之，也利用行為作為他視覺語言的表達方式，藝術家采用自拍的形式，自己為相機進行“表演”。在2006 年新攝影展覽中，英國藝術家喬納森·蒙克（Jonathan Monk）以繪畫和雕塑進行創作，蒙克面對他的藝術創作時表示“我意識到原創幾乎是不可能的，所以我嘗試使用各種材料作為我工作的源材料”。2007 年“新攝影”展覽中，貝尼·海內爾（Berni Searle）利用視頻和裝置再現他個人經歷與記憶的部分，利用紅色葡萄汁去澆灌成一組家庭影像，以此來豐富圖像的視覺表達。作為“新攝影”系列展四次主策展人的芮斯皮尼（Eva Respini）女士，在出席2009 年“新攝影”展覽時說“隨著攝影媒介的迅速變化，他們共同見證并拓寬了傳統攝影的定義，當下藝術家不斷地質疑：二十一世紀拍照意味著什么？”

四、結語

新攝影展覽一再強調展覽側重于展示個人成就，而非揭示攝影的發展趨勢，不斷在展覽的推進過程中探索攝影藝術的“邊界”，隨著時代的變化，攝影的特征與其他藝術媒介之間在藝術的形式語言或媒介傳播發生著不同的聯系與變化。

從本文分析紐約現代藝術博物館“新攝影”系列展覽在這一階段所呈現出的兩種特點可以看出，不同藝術之間的實驗與融合，源自于藝術創作方法的相似性與共同性，機械背后是人的意識與眼睛，藝術家將人的意識放大到極致，將不同媒介的特點融入彼此，不斷在攝影的“邊界”問題上試探。因此，攝影的邊界經常被人提及以及研究討論，或許當我們遠離其本身后，然后再回歸攝影本身的時候，或許又有新的理解和認知。

注釋

① [比利時]希爾達·凡·吉而德，[荷蘭]海倫·韋斯特杰斯特:《攝影理論歷史脈絡與案例分析》，毛衛東譯，中國民族攝影藝術出版社，2013 年，第4 頁。

② [德]瓦爾特·本雅明：《攝影小史》，廣西師范大學出版社，2017 年。