第十二屆上海當代音樂周述評

邁入第十二屆的上海當代音樂周延續自創辦以來的創新旗幟，逐年成長至今，不僅管弦樂團成為標準配備，搭配上音歌劇院的建設完成，同步向國際征求室內歌劇作品，加上國際樂壇頂尖的現代室內樂團演出國際知名作曲家們的專場音樂會，論參與演出的樂團規模與作品量，音樂周的擴展顯而易見。一如往年，音樂周的節目除了開幕與閉幕音樂會為管弦樂之外，邀請國際知名現代樂團擔任駐節樂團、知名作曲家作為駐節作曲家、駐節作曲家作品專場與講座、跨界作品演出、加上國內外音樂家與作曲家的合作節目與室內歌劇征件，堪稱為一個國際級音樂節的完整結構。超過十年的堅持，對于走在時代前鋒的藝術，是十分可貴的，所有的參與推動者，都值得我們給予最高的敬意，然而，也因為十二年的積累，提供我們足夠的經驗與量體，得以剖析音樂周的內在經脈，進而在紀錄演出活動之外，思考更深入的意義層次。

曲目與演奏者的連動關系

但凡一個國際性的音樂節，在演出者的邀演名單與節目內容上，多半會有相互連動的思考，有時以邀請對象為主，則演出內容除了被邀請的音樂家提出之外，主辦方也會提出適合對方的曲目，最后形成一場適切的演出曲目。亦或者以作品為主，則主辦方大多會尋找適合演出這些作品的音樂家，以獲得最好的詮釋。這樣的連動關系。在上海當代音樂周的規劃中顯然是付之闕如，以開幕音樂會為例，由韓國指揮家咸信益指揮上海愛樂樂團，演出吉爾茲·克爾諾維茲（Jerzy Kornowicz）、伊沃·約西波維奇（Ivo Josipovic）、馬克·安德魯（Mark Andre）、托馬斯·艾迪斯（Thomas Ades）、陳曉勇與葉小鋼的管弦樂作品，開幕音樂會以地主國樂團亮相，本無可厚非，然而當代曲目并非上海愛樂樂團的擅長領域，再加上亦非長期鉆研當代音樂的指揮，在詮釋不脫離古典交響曲邏輯的作品如葉小鋼的《美麗鄉村》、約西波維奇的《伊壁鳩魯的花園》（The Garden of Epicuru）、陳曉勇的《夢的顏色》等，堪稱稱職，艾迪斯的《給她的臉擦粉》（Three piece Suite from Powder Her Face）因著樂曲本身極強的戲劇性，也算維持一定的水平，但遇到安德魯的《何去……何從……》（woher…wohin…）這類極為縝密的織體（structure）與隨著時間變化音色層次的作品，就顯得捉襟見肘了。

雖然開幕音樂會的指揮與樂團表現差強人意，然而整體而論，四位外國作曲家的作品倒像是現代管弦樂作品的演進史：約西波維奇作于1984年的《伊壁鳩魯的花園》結合后期浪漫樂派與古典的特質，為當晚最“古典”的一首。接著比約西波維奇年輕一整個世代的艾迪斯，雖有不少精彩的作品，給開幕音樂會的作品卻是令人意外的舊作《給她的臉擦粉》，曲風相當“復古”。反倒是年長的柯爾諾維茲，帶來世界首演的《壁畫》較接近20世紀當代風格，再來是直逼電子音樂的安德魯《何去……何從……》，無論是音樂語境或配器手法，都是當晚曲目中，屬于真正符合前鋒水平的作品。

若以曲目安排來看，這場作品一字排開，也隱約預告接下來幾天音樂周的節目走向：約西波維奇雖同時擁有作曲家與律師身分，近三十年來以行政和法律事務、政治事業為重心，幾乎再無新作品問世;柯爾諾維茲為華沙之秋國際現代音樂節總監，長年為波蘭現代音樂的領導人物;中國的領導人物之一當然非葉小鋼莫屬，再搭配中國作曲家在境外的長青樹陳曉勇，與這四位自帶權勢與資源的前輩作曲家相較之下，相對年輕的艾迪斯與安德魯反而是最以作曲本業為核心、專注創作的藝術家。繼開幕音樂之后的音樂周，也就以這樣的“混合”概念，發展各場節目，除了由現代重奏樂團（Ensemble Modern）演奏的三場駐節作曲家專場音樂會，如質如實達到演出曲目與演奏者的雙向考慮之外，其他場次帶給觀眾的，反倒是另一種有如探險的聆聽經驗了。

中德法室內樂團爭鳴

來自德國的現代重奏樂團這次由威登貝爾格（Michael Wendeberg）帶領，連續三天演出駐節作曲家馬克·安德魯、萊貝卡·桑德斯和托馬斯·艾迪斯三人的專場。現代重奏樂團是當今國際樂壇上，幾個領頭樂團之一，對于當代音樂的詮釋，無論是技術或音樂性都游刃有余。而指揮威登貝爾格在精準中，依舊保有古典交響樂的溫潤，對于詮釋這三位作曲家的作品而言，無疑具有脈絡性，陳其鋼這首1987年的作品承襲法式聲響的美感，而溫德青甫于2018完成的《潑墨Ⅳ》，以演奏技法帶出書道氣韻的手法，令人聯想到他早期的作品一《痕跡》系列，兩者雖然創作概念相似，《潑墨Ⅳ》更顯張力。同場還有鐘峻程《山里的苗寨》，筆者作為首次聆聽鐘峻程作品的觀眾，《山里的苗寨》不啻為一首驚喜之作。鐘峻程的配器讓室內樂團擁有大型樂團的厚度，加上笙演奏家華逸飛精湛的演奏技術，讓笙與樂團之間緊密相扣，是兼具聆賞樂趣與藝術性的作品。相較于第一場，塔里馬克樂團第二場《龍之記憶》曲目則明顯缺乏設計的思維，純粹以該團可承載的編制、邀演方須演出的作品為考慮，因此整體樂曲的水平差距相當顯著。其中程慧惠為室內樂團與電聲所作的《海、馬賽、上海》，或許因為場地音場的限制，雖然是2018年的新作，卻略遜早期作品一籌。而彼得·斯威尼（Peter極為適切。無論是安德魯在透過縝密發展的音符所呈現的聲音色彩、或是桑德斯細膩鋪陳之下的力道、艾迪斯在古典與前衛交錯之間的趣味，該團的演出可謂淋漓盡致，不僅完美詮釋三位作曲家截然不同的聲響美學，更展現該團的實力。

成立于1994年的法國塔里馬克樂團（Ensemble Tele maque）由創團者暨指揮拉烏爾·萊伊（Raoul Lay）帶領，演出兩場混合編制的曲目。第一場“時間的末端”以梅西安（Olivier Messiaen）《時間終結四重奏》、搭配陳其鋼《夢之旅》和溫德青《潑墨Ⅳ》，曲目設計Swinnen）的《一條絲作的龍的記憶》以及薩班（Antun Tomislav Saban）的《追憶Ⅰ》無論作品意境或創作技法都與國際級音樂節選曲應有的水平相去甚遠。從演奏的角度而論，塔里馬克樂團無疑是熟悉當代作品的樂團，指揮看似精準的掌握卻是與作品對峙于表象的結構，對于帶領音樂家透過樂譜的探索、理解作品的精神與美學這個階段，明顯力有未逮。

因應中國數量龐大的創作，一向以獨奏家為主流的中國樂壇，近年也崛起一些令人矚目的室內樂團。室內樂團向來是當代音樂發展的核心，優秀的樂團對當代音樂發展的幫助是顯而易見的。由北京當代樂團演出的兩場音樂會曲目相當多元，第一場《提獻》里，王穎的《Glisadulation》原本是為影片而作的作品，此次以純室內樂形式呈現，卻更顯本首作品的質地，音樂織體與配器緊密鏈接，樂曲結構鋪陳聲響色彩的發展，十分精采。第二場《炫技》包括細川俊夫、澤納基思（I.Xenakis）、布列茲（P.Boulez）、庫塔（G.Kurtag）和諾諾（L.Nono）各大家之作，考驗演奏者的技術、同時也考驗樂團的技術，其中包括對當代音樂語匯的理解與詮釋。北京當代樂團的演奏技術令人驚艷，解讀當代音樂的能力也有不俗的表現，是個值得持續關注的新興樂團。而上海本地的上海當代樂團此次演出兩場，擔任昆曲新聲和室內歌劇作品比賽之伴奏樂隊，尚看不出在當代曲目上的累績。

昆曲新聲難覓、室內歌劇比賽爆冷門

每年的上海當代音樂周都規劃跨界制作，對于了解日新月異的當代音樂創演趨勢，這是很值得持續的特色規劃。今年的“昆曲新聲”令人耳目一新，把昆曲的傳統基因和當代樂團媒合在同一個舞臺上，面對音律、音質、語匯與文化背景的迥異，兩者要如何保持自我的美學核心卻又能攜手成為一個完整的作品，是承襲豐厚文化傳統的我們時常在創作上遇到的問題。這場由作曲家張士超、彭榮鑫和徐可三位作曲家根據《牡丹亭》發展三首新作，編制為混合編制：傳統組由昆曲演員張冉、韋立和陶思妤，司鼓高均、竹笛楊子銀組成，當代樂團組則由張誠杰指揮上海當代樂團。原本期待聽到另一種面貌的昆曲，無論是在昆曲中聽到當代音樂或在當代音樂中沿用了昆曲，結果大失所望。除了彭榮鑫的《尋夢》一開始的確運用了當代音樂語匯和聲響，引人入勝，卻旋即與其他兩首一樣，不是以當代樂團作為后場伴奏、就是移植昆曲原本的面貌在當代樂團上，十分可惜。如何掙脫傳統的包袱，同時留下傳統的核心，以當代語法呈現傳統藝術的時代美感，這三位作曲家還有很大的進步空間。

除了“昆曲新聲”之外，呼應上音歌劇院的落成，本屆當代音樂周也舉辦了第一屆上海國際室內歌劇作品的比賽。進入決選的三部作品分別為Christopher Norman的《街》、高燁虹的《風雪山神廟》和何子揚的《為何貓兒》，由上海當地制作群制作。三部作品從導演到舞美到燈光都一致，指揮、演員歌者和樂團亦由上音學生擔綱，對于青年音樂家們而言，是非常好的磨練機會，對于推動當代歌劇的創作與實踐，更是有直接的助力。但另一方面，或許甫為第一屆舉辦，這三部決選作品的整體水平都未達期待：第三獎Christopher Norman的文本最好，然音樂的部分卻十分保守，少有新意，無論是樂曲結構與發展或是配器的設計、戲劇張力的經營，都只能稱為中規中矩，Norman在三位作曲家之中，作曲技術基本功最好，卻顯然對于轉換為歌劇形式尚無法掌握;第二獎何子揚的《為何貓兒》已能看出不差的現代戲劇水平，然音樂的比重相對較少，但這部作品最貼近當代室內歌劇的質感，演員唱作亦不俗，筆者認為是三部作品里，整體得分最高的作品。獲第一獎的《風雪山神廟》沿用了《水滸傳》的情節，整體而言，除了濃厚的中國元素，并無其他可取之處，耳熟能詳的故事情節轉換為短短的室內歌劇，成了尷尬的古裝話劇，零碎的配器、不知所云的樂曲結構和無力發展的樂思，幸好演員聲音與表演俱佳，勉強撐起全場。而對于決賽結果，筆者雖錯愕卻也不意外，只是不免對于大費周章舉辦國際性的比賽、投入制作群完成決賽演出，卻在臨門一腳如此選擇感到疑惑，是有意識的政治考慮7還是國際評審團一致背離藝術性、擁護中國元素？

多面向的講座兼具廣度與深度

除了跨界制作，當代音樂周每一年音樂會之外的規劃，還有大師講座。每年的講座主題與內容，隨著講者的專長和背景，各異其趣，對于音樂院學生是一個極佳的機會，透過這些來自各種文化背景和各種藝術領域的講者，啟發對當代音樂甚至當代藝術的思考。今年三位駐節作曲家的講座有吉爾茲·克爾諾維茲的《音樂作為人類和世界的認知、傳統作為現代性的一個元素》、馬克·安德魯以他的作品《超越》探討《作曲過渡空間的消散與消失》和陳曉勇談《聲塑——我在音樂創作中的一些思考》。三位駐節作曲家的演講內容雖然都建立在自己的作品上，但吉爾茲·克爾諾維茲以此延伸現代音樂在歐洲的發展、從社會學的角度看待現代音樂;安德魯則深入剖析自身的創作系統，從圣經經文的引用與靈感、馬勒的啟發，到電子音樂的“去擴音化”的處理工法;陳曉勇則專注于作品的哲思。三場從作曲家自身的創作歷程連接到不同的面向，展現了音樂藝術領域中，創作帶給音樂家的深廣影響。相對于這三場駐節作曲家的講座，分屬克羅地亞不同世代作曲家的約西波維奇與薩班所帶來的講座內容，可說是站在藝術的對立面：一生同時發展法律與音樂專業的約西波維奇，曾任克羅地亞總統，他帶來《音樂與政治》的題目，闡述音樂如何作為政治手段的工具，薩班的《音樂的可視化》并未如題探討音樂作為抽象藝術的可視化手法，而是以流行音樂制作MTV為例，提倡音樂創作應朝大眾化與娛樂化的方向前進。約西波維奇與薩班的講座內容出人意表，或許兩位講者對于中國新音樂的發展現況不夠熟悉，認為藝術在中國依舊完全為政治服務，當然也就無法理解中國作曲家追求創作的突破所帶來的歷史定位、政治作為發展一國音樂文化的后盾這樣的高度了，只能說這是一個令人遺憾的誤解。

藝術之外

綜觀今年的節目，筆者最深的感觸有兩點，第一是即使經過十多年的演練，音樂周在執行面上依舊有很大的進步空間。其二是上海當代音樂周雖然規模擴大了，音樂周整體結構亦一直維持最初的構想，然而內容的質地卻已經與前幾屆有所不同。換言之，經過十多年的努力，上海當代音樂周已然踏上正確的康莊大道，未來相信觀眾依舊可以聽到許多國際大師們的作品專場、國際樂團亦會絡繹不絕地受邀前來，使得上海當代音樂周成為閃亮的中國新音樂最具指針性的藝術活動。一個音樂節之所以能夠在國際間樹立起鮮明旗幟，仰賴的是節目設計，國際名團與名人作為加成的亮點，無可厚非，關照國內藝術家更是使用公共資源的責任，但是不能失去當代音樂節最核心與最可貴的價值——情感、美感與時代感。

（本文圖片于慶新/攝）

林芳宜 臺灣作曲家、樂評人、音樂策展人

（特約編輯 于慶新）