美國高校聲樂教育之一瞥

王彬入

提起美國的聲樂教育，強大的師資和豐富的演出機會大約是最吸引準留學生的亮點。近年來，中美聲樂交流愈加廣泛，通過大師班、夏令營、演出、比賽等多種短期活動，越來越多的國內聲樂學生與美國履歷豐厚的歌劇演員兼聲樂教授近距離接觸，對美國校園內的眾多歌劇排演機會充滿向往。筆者于2018年8月至12月前往美國參加首都師范大學的研究生交流項目，并利用課余時間走訪了十余所美國高校，感慨良多。對于聲樂學習而言，名師和演出機會只是眾多因素中的兩個，留美的聲樂學習生活也并非上專業(yè)課與排練演出可以完全概括。雖然不同的高校在聲樂教育方面各有特點，但其共性的一面是，從本科到博士，美國的高校聲樂教育已運行在一個既定的完善機制之中，使學生的學習生活可以按部就班的穩(wěn)步進行，使聲樂學習以多種形式滲透到學生的日常生活中，無形中搭建起學生的聲樂相關綜合能力，并能根據(jù)不同學生的特點，以不同課程和不同聲樂相關學位為途徑，實現(xiàn)多元的人才培養(yǎng)。

系統(tǒng)化的課程設置

系統(tǒng)化，是指使若干相互關聯(lián)的事物，組合成一個有條理的整體。聲樂本身就是一門綜合性學科，而非單純的“聲音訓練”。從學科的整體視角來看，美國高校聲樂專業(yè)的相關課程設置相當豐富，具有一定規(guī)模的學院大多會設置聲樂技巧課（即專業(yè)課）、聲樂小組課、藝術指導課、歌劇排演課、室內樂（聲樂）課、語音課及語言課（德、意、法、英、俄語等）、舞臺表演課、聲樂教學法課、藝術歌曲文學賞析課或歌劇賞析課，等等。這些課程對于聲樂學習而言，并不是錦上添花，而是必不可缺。無論學生是多維度地還是單一維度地接觸聲樂，都直接影響著他們對美聲唱法的認識和學習效果。

如果將上述課程進行分類，可包括技巧類、表演實踐類、語言類、文學藝術背景類等。除此之外，還有所有音樂專業(yè)學生必修的音樂史、音樂理論（和聲、曲式）等。這樣的課程設置邏輯是真正與聲樂、與歌劇藝術匹配的體系。聲樂藝術從發(fā)源伊始，就是與語言、文學不可割離的，而歌劇更是交叉藝術的代表，被瓦格納稱為“藝術融和”的典范。因此，不論是以詩歌為詞的藝術歌曲，還是與劇作家合作的歌劇，都離不開文學藝術這一根基。音樂與文字相通的是，都以“說得出”的形式，表達“說不出”的內涵。而用音樂表達文字時，則更多一層想象的空間，需要充實的背景知識作為支撐。所謂演唱的藝術修養(yǎng)，即是從這一類課程開始積累的。

同樣重要的是語言學習。西方聲樂曲目最常用的是德語、意大利語、法語、英語，這些語言的語音學習是必須的。從歌唱的角度學習語音，有更加適用于歌唱的統(tǒng)一發(fā)音要求。不同語言的元音、輔音發(fā)音位置有所不同，這也直接影響了歌唱的發(fā)聲位置。有條件的學校在語音課程之外，還會單獨設置語言課程，要求本科生學習德語、意大利語、法語三種語言各一年，或從中選擇性地進行學習。經過這樣的語言積累，學生在演唱不同語言的作品時會明顯順暢許多，并唱出符合語言邏輯重音的、能讓本土觀眾聽懂的作品。從聲樂技巧的角度講，這是每周的聲樂專業(yè)課主要解決的問題。

除此之外，很多學校還開設了聲樂教學法（Vocal Pedagogy）作為選修課程，甚至必修課程。因為它是從人體解剖學的角度，用直觀的解剖圖課程、透視視頻等理論，解析聲樂演唱的全過程，使學生在依靠肌肉感覺的同時，多了一重科學的倚仗。相比之下，國內在這一方面的研究尚有大片留白，現(xiàn)有的嗓音專家是偏醫(yī)學類的，側重于聲帶鑒定與疾病治療等；開設的聲樂教學類課程也大多是從實踐的角度出發(fā)，以經驗為主要內容，而非從科學研究的角度。正因為如此，發(fā)展稍微滯后一些的地區(qū)還在使用“氣沉丹田”類的描述，使學生感到很難理解和實操。

表演實踐在美國的高校也有一套課程化、常規(guī)化的體系。根據(jù)學校的不同規(guī)模，每學期都有一定數(shù)量的歌劇排演，稱為“Fully Staged”。即，完全按照歌劇舞臺“服化道”要求呈現(xiàn)的歌劇排演，一般會安排兩組學生交叉演出。同時，另有對舞臺要求相對較低的歌劇片段排演，難度也會降低一些。除歌劇之外，還有室內樂聲樂演出，如彌撒等宗教作品，或小型室內樂合唱。這些演出全部被納入常規(guī)課程設置中，學生必須從中選擇學習并修得學分。值得一提的是參與方式，與歌劇院競選角色一樣，所有的演出機會都需要學生提前一學期準備并參加面試，由全系教師共同打分決定。這樣的機制使得學生自進行專業(yè)學習伊始便開始多樣化的準備，適應各種不同的演出競爭。

音樂史、音樂理論的相關課程與其他表演類專業(yè)一樣有著統(tǒng)一的課程量要求。這些課程在國內高校也是必修的，區(qū)別在于，美國高校的要求往往更加細致。除了基礎樂理與視唱練耳之外，音樂史與和聲、曲式類理論都以時間劃分，如18世紀音樂史、19世紀音樂理論等，使學生有更多時間進行細致學習，并能對某個時期的風格有更準確的把握。

綜上所述，美國聲樂學習的體系是多維度同時展開的，不存在所謂“先學聲音，再處理音樂”的理念。不論學生的演唱程度如何，所有課程都必須同步進行。在這樣的體系下受教的學生，將在一定程度上從綜合的角度規(guī)范地理解聲樂的藝術，不易走入一些急于求成的誤區(qū)。

生活化的學習習慣

聲樂學習非一日之功，長達數(shù)年的學習也并不能成為某種保障，但大多數(shù)美國聲樂教師都會從自己教學的言談舉止中傳遞出一種相對統(tǒng)一的理念—相信時間。換句話說，即是“徐徐圖之”。一個歌唱演員的功力不成就于一朝一夕，卻積累于朝朝夕夕。不論是練聲、學習作品，還是積累舞臺經驗、塑造一個合格的歌唱者，歌唱演員所需的各項能力都被分化為生活中的一部分，將學習的過程培養(yǎng)為長線性的習慣。

從聲音訓練的方法上講，大多數(shù)美國教授的練聲體系都是“由小及大”。最“小”的接觸點一般是身體活動，而這一項內容往往容易被國內的學生忽視。在英語里，練聲被稱為“Warm Up”，這或許是一種更廣義的說法，沒有特指活動開聲音，而是喚醒、預熱整個身體，使各個部分都活動起來，為全身參與歌唱做鋪墊。如同運動前的準備活動一樣，這不僅是為了提高接下來發(fā)聲的質量，也是對聲帶肌肉與身體的重要保護措施。有的教師不僅要求學生在歌唱前活動身體、發(fā)出無具體音高的滑音以開嗓，也要求學生在歌唱結束時再次以這樣的滑音發(fā)聲，保護聲帶的韌性。身體蘇醒后，切入的便是氣息運用問題。對于氣息，雖然每個教師有自己的不同描述方式，但他們均將此視為聲樂學習的重中之重。有一定聲樂教學法研究背景的教師慣于從解剖學的角度引導學生做肌肉的擴張與收縮以調配氣息；“實踐派”的教師則是用“膨脹”“參與感”“支撐”等簡單的詞語來描述。重要的是，氣息的訓練存在于聲樂學習的各個階段，大多數(shù)教師都會要求學生在課堂學習的開始和日常個人練習的前幾分鐘做指定的氣息訓練。除此之外，這些氣息訓練的方式也會應用到每首歌的學習之中。比如，在正式開始學唱一首歌曲之前，必須先用打嘟嚕、哼鳴、吸管呼氣等方式來帶每一句旋律，待氣息運用達到標準后，才能開始演唱。

聲音訓練同理，教授們最常說的一句話就是不要“推”聲音，也同樣遵循一個“由小及大”的過程—先要求聲音位置、肌肉狀態(tài)、共鳴點，而不是先用力“唱出來”。共鳴與音量是絕對不可以混淆的概念，這正好可以類比技術與嗓音條件這對概念。因此，有一些教授甚至不允許學生在一段時間內放聲演唱，這種情況不僅會發(fā)生在本科階段，也可能發(fā)生在更高程度的階段。一位在美國歌劇院工作的聲樂博士朋友曾談及自己在新英格蘭音樂學院攻讀碩士的第一年，她的聲樂老師只允許她用“a”母音進行弱聲練習，目的只是為了找到共鳴位置。

這樣看似極慢的過程，實則是完全沿著循序漸進的理念往前發(fā)展，學生們也逐步適應并接受聲樂學習的長線性，將每日的活動、氣息練習、開聲等事項培養(yǎng)成如同刷牙、洗臉般的日常生活習慣。教授們在授課的過程中也會有意識地將評價重點放在學生是否遵循指定程序的練習上，鼓勵學生以自己在同一訓練中的不同完成度為衡量是否進步的標準，而不單一地以完成某種難度的作品為目標。

這樣生活化的習慣培養(yǎng)不僅體現(xiàn)在聲樂專業(yè)課中，也體現(xiàn)在歌曲學習、理論課程學習、排練演出等的各個方面。比如，美國的聲樂學生在學習一首新的作品時，大多有先抄下歌詞，標上音標、字對字翻譯，并熟讀成誦的習慣。一些嚴格的教師還會要求學生在學唱每一首歌之前都以固定的表格形式整理歌曲的背景資料、作曲家及時代風格特征等。

就這一點而言，國內尚有很多師生仍秉持“貪大貪快”的理念，他們將曲目的難度與聲樂能力畫等號，事實上，曲目的難度只是體現(xiàn)演唱水平的部分因素，完成度才是更重要的因素。這里的完成度不只是聲音，更是語言、風格、音樂性與藝術性。曾有不少聲樂教授、專家提出，我國聲樂專業(yè)學生在音樂素養(yǎng)方面相對缺乏，比如對歌詞的內容也許看過一遍，但演唱的結果還是聽起來“不知所云”；也很難準確把握不同時期作品的風格。這些缺失，正是因為日常的積累不足。

在美國，還有一種具有儀式感的課堂形式，那就是聲樂小組課，很多學校都有這一傳統(tǒng)。聲樂小組課是每周一次的展示性公開課，同一教師的本碩博學生全部參加，以自愿報名的形式上臺演唱，地點一般在相對大一些的排演廳或教室。如同所有公開課的流程一樣，學生上臺必須先自我介紹，然后開始演唱。演唱完畢之后，教師會要求學生先做一個自我評價，再向大家簡單介紹曲目背景，之后請臺下的學生互評，最后由教師總結，并針對某個具體問題對學生做短時間的現(xiàn)場指導。當這一流程自然地成為生活習慣的一部分，這些學生在上大師課、參加比賽、面試等活動時，表現(xiàn)就會更加成熟與自如。

俗語道“習慣成自然”，這一簡單的道理在美國聲樂學生的學習中得到了很好的詮釋。當然，這些都不足以是成為一個成功歌唱演員的必然條件，但卻能使從業(yè)者受益終身，并有效傳承聲樂學習的學科體系。

個性化的培養(yǎng)方案

宏觀上，不同側重點的學位設置是個性化的一大體現(xiàn)。關于美國高校聲樂方向的學位設置，國內學生可能對聲樂表演專業(yè)更熟悉。除此之外，開設聲樂專業(yè)課的專業(yè)還有本科的音樂教育專業(yè)，與國內的音樂教育專業(yè)類似，本碩博的聲樂教學法專業(yè)。聲樂表演專業(yè)在一些音樂學院還分為“歌劇演唱”“室內樂演唱”“古樂演唱”等不同學位。除此之外，“嗓音研究”也是一些聲樂學生會選擇的專業(yè)之一。

在本科階段，很多學校都鼓勵學生修讀聲樂表演與音樂教育雙學位，或音樂表演與聲樂教學法雙學位，使學生得到綜合發(fā)展，從而確定自身的職業(yè)定位。碩士階段的雙學位修讀也很受推崇，學生根據(jù)自身情況自由選擇任意兩個聲樂相關專業(yè)，也為未來擇業(yè)贏得更多競爭優(yōu)勢。雙學位的修讀并不會對學生造成過大的學習負擔，因為同一所學校的兩個聲樂相關專業(yè)會有多門重合的課程，學生不用重復修讀，而只需要補修差異課程。因此，學生在學習的過程中會有更明確的指向性，以貼合自身個性化的發(fā)展道路。

微觀上，日常的教學與排練也處處體現(xiàn)著個性化的理念，因為每位學生的聲音條件和接受習慣都有極大差異。針對這一點，教師們除了有意識地為不同學生選擇不同的發(fā)聲練習之外，還會持續(xù)關注學生對某項發(fā)聲練習的效果，不斷切換練習以提高學生的學習效率，力求做到最貼合學生個體的教學方式，以“不同”的途徑達到“共同”的聲音目標。

在音樂處理與舞臺表現(xiàn)的指導中，個性化的理念更是貫穿始終。在既定的作品風格基礎之上，教師們更注重以故事性的敘述方式，引導學生自主地分析、理解角色，表情達意。這個理念也是國際上大師課通用的理念，無論是什么聲音程度的學生，演唱的是藝術歌曲或歌劇選段，授課教師都會先讓學生敘述一遍歌詞內容，甚至以情景再現(xiàn)的方式激發(fā)學生的表演情緒，而很少有教師會陳述某個地方必須如何表現(xiàn)。

這樣個性化的培養(yǎng)方式不只是建立在因材施教的基礎上，而是植根于美國人對于音樂、藝術的理解。在他們看來，音樂的創(chuàng)造性與交流性是其最重要的特質之一。音樂的傳承相對于嚴謹?shù)氖穼W而言，應該是一門更具有活力的學科，需要從業(yè)者不斷注入新鮮血液，使相同的譜面信息在不同表演者的再創(chuàng)作中獲得新生，傳遞豐富的內涵，達到與觀眾更密切的交流效果。相對于歐洲重視傳統(tǒng)的“真實還原”理念而言，這樣的觀念就顯得更加靈活。有一些美國歌劇公司是專以“舊劇新演”和新歌劇為主打風格的，各地也有很多音樂演出在演出形式、舞臺設置等各方面力圖打破常規(guī)，為古典音樂帶來現(xiàn)代化的“新生”。正是孕育于這樣的文化環(huán)境之中，日常的教學才如此重視對學生的個性化培養(yǎng)，以適應市場與觀眾的需求。

音樂藝術作為人類生活的重要組成部分與人類精神文明的巨大寶藏，其傳承與發(fā)揚是時代永遠的主題。因此，音樂教育的方式方法也成為專家學者們不斷探索、討論的話題。