創新：全球化時代舞蹈多樣性探索

主 月

“創新”體現了人類永無止境的探索精神，是人類社會實踐和科學實踐的價值所在，亦是“全球化”時代保證人類文化多樣性的根本方法。因此，舞蹈藝術的“創新”成為2017舞蹈日的舞蹈論壇、專家工作坊以及晚會演出關注的主題之一。

一

“因為渴望飛翔，我成為一名舞者。超脫于重力的感覺總是帶給我不斷的感動，并讓我為之不懈努力。” 榮膺2017國際舞蹈日獻詞人桂冠的舞蹈大師崔莎· 布朗所超越的不僅是地心引力，而且是人類的身體和思想局限。她以獨具個性的“創新”為我們在全球化時代發展舞蹈文化的多樣性提供了思想啟迪。

國際劇協認為，崔莎· 布朗是我們這個時代最重要的編舞家之一。在過去的50多年里，她的編舞精神使現代舞蹈的風貌面目一新。她的作品和肢體動作直接對話，流暢的舞步力量、清晰的空間編舞模式、挑戰地心引力、身體意識超越物質性載體，成為一種移動著的冥想，一種反思的狀態，一個正在思考的身體。崔莎· 布朗作為所在時代的最具代表性及影響力的編舞家和舞者之一，她極具創造性的作品永遠地改變了舞蹈的風貌，她所做的貢獻將被永遠銘記和尊敬。

在論壇的主旨發言中，崔莎 · 布朗舞團的資深顧問、紐約圣約翰大學藝術歷史學副教授蘇珊 · 羅森伯格以《如果沒有任何限制，如何創作真正的舞蹈》為題指出，正是舞蹈的原創性和舞蹈的真實性，使得崔莎· 布朗過去編的舞蹈至今仍然是當代舞蹈永恒的經典。她介紹道：20世紀60年代，崔莎 · 布朗完全摒棄了一些傳統的方法，采用了非常獨特的視角和新的方法，比如把日常生活中的素材編入舞蹈。她對觀眾說“不”，也對正統說“不”，以其真實性、原創性、思想的深度影響世界舞蹈。例如1962年的《延齡草》，即利用了三瓣花朵代表了三分法，把日常的跳、坐和躺這三個動作融入她的編舞當中。由于舞蹈組成的不確定性，每一次的舞蹈編創都是非常獨特的，同時也是真實的。1970年《斜著的雙人舞》中，兩個舞者的動作是對稱的，他們手拉手，身體在舞蹈過程中有時向兩邊斜過去，有時兩個人身體會碰到一起，反映了一個是新的、一個是舊的之間的關系。另外，1971年的《墻上的行走》是一個在大樓的外墻上向下行走的人……蘇珊用崔莎一系列的代表作品《林中地面》《橫傳》《若干平面》《冰冷的誘惑》《水上機車》《設置與重置》《紐沃克》《西班牙舞》等，說明崔莎舞蹈的真實性和原創性，整個舞蹈如果有人要進行模仿，那基本是不可能的。

蘇珊介紹道：崔莎后來采用了系統化的方法，整個舞者身體從頭到肩一直到腳表現動作，讓動作處于不斷的積累、重復和變化之中，但觀眾能夠非常清楚地理解編舞者的理念，站在舞臺上的演講者就是一個真實的人。崔莎于1975年開始進入三維編舞，她把和立方體相關的數字和舞者在舞臺上表演的身體動作進行了很好的聯系，同時也融入了新的柔軟性，創造了非常奇特的動作。她非常詳細地觀察了路上行人的動作，有時她把人的頭、膝蓋以及其他一些關于人在空間中的動作都融入進去，這樣使得她的舞蹈擁有更多的元素。再后來，她對于一些非常正式的流程、機械性質的還有邏輯性方面產生了興趣。她將想象的方式和真實性結合，使用個人的經歷和故事來進行創作。在這個過程中她遇到了一些挑戰，就是如何準確地告訴舞者她的編舞理念。她非常喜歡看到舞者對于真實性的理解，而不是簡單地要求舞者來接受，她總是告訴年輕舞者們舞蹈的重要原則和方針。希望年輕一輩的編舞者能夠更多地汲取布朗的理念和原則以及對舞蹈的理解，讓崔莎 · 布朗的遺產能夠得到很好的繼承和發揚光大。

在“2017國際舞蹈日慶典之夜”，來自崔莎舞團的舞者利亞以獨舞的形式再現了原來由崔莎· 布朗親自表演的《如果你看不見我》這支10分鐘的舞蹈。在整個舞蹈中，表演者一直面向后臺，背對觀眾，讓人無法看到表演者的面孔。崔莎舞團對其詮釋道：通過這支舞蹈，觀眾可以感知到為什么崔莎· 布朗在當代藝術中可以占到一席舉足輕重的地位；正如這支舞蹈中所傳達出的信息，一種情緒的概念化以及將最基本的元素進行藝術的演繹，也是她最為著名的表達方式：動作的行云流水。顯然，在今天，人們對這類表演形式不再感到新鮮，但是，崔莎· 布朗的魅力則在于她是原創者，亦在于其創作的這支舞蹈對于舞蹈本體探索提供的重要價值和意義。

作品：《如果你看不見我》舞團：［美］ 崔莎 · 布朗舞蹈團編舞：崔莎 · 布朗舞者：利亞 · 莫里森攝影：沈建中IfYou Couldn’t See Me［US］ Trisha Brown Dance CompanyChoreographer: Trisha BrownPerformer: Leah MorrisonPhoto by SHEN Jian-zhong

二

中國舞蹈家協會主席馮雙白的主旨發言是關于中國當代舞蹈創作現狀的介紹。在介紹了中國舞蹈領域如何踐行“我們，一起舞”的理念之后，他在有限的時間內以幾個舞蹈作品介紹了當下中國的一些年輕編導們在想什么。首先，他指出，中國的年輕一代編導在創作中所面對的自己的民族傳統是巨大的（例如，中國民族民間舞蹈是非常龐大的文化系統，現存的傳統舞蹈代表就有17 000多個），但是，如何才能從傳統當中走出來，創造屬于自己的作品？今天中國的編導對中國的文化傳統進行反思，往往是通過對傳統舞蹈的動律和元素進行提煉，然后根據自己的理解賦予獨特的形象；而且越來越多的年輕編導從注重外在的事件性的表達、過程的描述，漸漸地走向自己的內心世界，更加注意動作元素和情感體驗之間的內在聯系。例如編導萬素的作品《悠然情韻》就是對于安徽花鼓燈的動律和元素的提取與運用。安徽花鼓燈的起源常常是在大的災荒之后與人們的流浪乞討生活相關，因此傳統的安徽花鼓燈比較熱鬧，而《悠然情韻》強調的則是一種非常悠然自得的心理狀態，表現一種女人的情致和獨特的心境而形成的慢慢表達的一種狀態。

最后，馮雙白指出，舞蹈藝術在中國今天發展得非常蓬勃，我們也越來越多地注意到藝術家的個性和文化的多樣性是我們非常寶貴的東西。尊重這樣的多樣性和藝術的個性，讓舞蹈和人的生活結合得更緊，可能這是我們的期待，也是正在變成現實的一個創作的進程。

國際舞蹈日中的“上海舞蹈之夜”與“2017國際舞蹈日慶典之夜”演出中的中國舞者表演的作品，除了上海戲劇學院舞蹈學院芭蕾舞表演專業學生表演的《雷蒙達》選段和上述馮雙白介紹的由謝欣編導、張引表演的《漫慢》之外，其他創作作品亦呈現了中國年輕一代的編導的舞蹈創作追求創新的面貌。例如，由趙小剛編舞、邵俊婷表演的《愛蓮說》即是運用了中國古典舞的動作元素，通過將蓮花刻畫為中國傳統女性美的形態，表現中國文化清新脫俗的氣質。由佟睿睿、邵未秋編舞，朱潔靜等表演的《夜深沉》，借助中國古典舞中富有表現力的水袖，表現中國女性的嫵媚和飄逸及其幽遠的戲曲意境。由李源編導、上海戲劇學院舞蹈學院中國舞表演專業學生表演的《龍飛鳳舞》，采用中國鼓為伴奏，展現中國古典舞的“形、神、勁、律”以及動、靜中的張弛之美。由馬濤編導，上海歌劇院舞劇團閔燕、周杰、任可、譚一梅、張帥等表演的《潯陽遺韻—麗人行》，表現的是“疏簾漫卷潯陽月，紈扇錦裳江水謠。湖上煙痕宜人夢，花羞容色柳輸嬌”的詩境。由李丹、李赟編導，上海戲劇學院舞蹈學院舞蹈表演系學生表演的《一抹紅》，運用苗族舞的語匯，表現了新娘出嫁時的羞澀和喜悅以及對未來美好生活的向往和憧憬。由方舟編舞，上海戲劇學院附屬舞蹈學校表演的《輪》，則借用藏族熱巴鼓為象征，表達朝圣者的信仰以及對美好的向往。由徐禮、李源編舞，上海戲劇學院附屬舞蹈學校王振洲表演的《如來如去》，表現的是“浮塵好像幻相變化，而一清凈則無相無我……如夢、如幻、如風、如電、如日、如月、如空、如來如去……”由雷鳴指導排練，上海戲劇學院附屬舞蹈學校安楠、趙永強等表演的《戈壁沙丘》，傳達的是一群熱愛故土的蒙古青年手捧酒囊，對富饒美麗的草原的回憶。而由馬濤編導，上海歌劇院舞劇團陳涵、楊晶晶表演的《夜巷》，則以凄美的筆調，表現了愛與情中的悲傷和幽思。還有由吳歡編導，方光、朱潔靜表演的《只為途中與你相見》，則在藏族佛教文化的靈性輝映下傳達出信仰般堅定的情緣、情思般濃烈的信念。而以朱潔靜為代表的演員的表演，則表現了當代中國舞蹈表演藝術的境界與高度。

三

來自法國的舞蹈家、圖盧茲藝術學院院長瑪里昂教授也在論壇的主題發言和專家工作坊中跟大家分享了她設計的《青少年舞蹈藝術項目“女士優先”》。這個針對年輕受眾設計的項目，主要是考慮在舞者和舞蹈的歷史之間往往有一堵無形的墻。她的一個作品是由當地27名舞者參與的項目，其題目與“春天之年輕人”類似，將爵士樂和其他的一些因素融入其中，亦融入不同的舞蹈風格和形式。她和參與者有時在街邊有時在室內進行設計，使舞者們能夠適應不同的場景，因此作品獲得成功。該作品覆蓋不同的年齡受眾，并且擁有了忠實的受眾。這個作品所獲得的社會聲譽，使她盡可能推出更多具有這樣原創風格的作品。

瑪里昂通過觀察發現，在很多法國劇團當中有很多男性的編舞或者舞者，但是女性往往不是那么多。女性往往在臺下不停地練習，但是沒有太多機會上臺。瑪里昂認為，我們談了很多的女性平等，應該要有點實際行動。于是，就有了一個叫作“女士優先”的項目，通過這個項目，她向21世紀以來女性編舞和藝術家們致意。這個項目遴選了歷史上四位卓越的女性舞者，如鄧肯等人作為代表，把她們的形態展示給大家，詮釋舞者和世界的關系。瑪里昂和不同的舞者共同打造了這樣一個作品 。

她的項目引入了10 — 20歲之間的舞者參與編舞的過程，希望她們貢獻才智。她們來自法國的不同城市、具有不同的文化背景，參與項目使她們可以更好地互相了解，營造全方位的藝術氛圍，而且她們也在項目里面引用了不同的風格。有一位和她一起編舞的女孩像中國女孩、印度女孩、日本女孩那樣去跳舞，她想詮釋一些東方的舞姿和舞步、異域的氛圍和風格，而不僅限于歐洲的和法國的。她的項目引入了不同的圖片，包括在互聯網時代一切變得更為可接近、在網上可以看到的，項目的創意也進一步得到了激發，舞蹈家的編舞靈感可以從世界各地汲取營養。瑪里昂進一步指出：大家知道，不同藝術家來自不同的區域且在全球各地轉移，這樣便擁有了文化的多樣性，同時他們也帶來了新的技巧。對于年輕人而言，他們其實學得很快，他們可以向外國同行來學習，這使整個情景發生了很大的改變。

瑪里昂指出，項目中的學習和編舞的關系不是老師和兒童舞者的關系，而是非常開放式的，大家都可以貢獻自己的想法，是一種完全互動式的。那么他們是如何進行編舞的呢？方式也很簡單：大家看純粹是女性的圖片，引入即興式的表演和創作；對所有的圖片，大家會有不同的看法，對其個性進行彰顯和演繹，大家也進行非常熱烈的討論，如怎樣能夠在藝術界、政界和商業界更好地獲得成功等。但是這個項目并非可以稱為女性主義的項目，因為瑪里昂不希望將其視為政治意識比較強的項目。她們重在深入地詮釋不同的區域、不同的文化背景下舞蹈的風格、形態……項目中的學生來自不同的地區，具有不同的文化背景，思考舞蹈的方式各異……他們彼此互相學習、互相適應，進而攜起手來組成一個表達各異的社區，這是這個項目的意義所在。

四

來自斯洛文尼亞盧布爾雅那舞蹈劇院的舞蹈編導家羅薩娜和格雷戈爾夫婦已經是第三次來到中國。羅薩娜說，不像中國有這么悠久而源遠流長的歷史，斯洛文尼亞只有25年的歷史。過去是屬于南斯拉夫，后來獨立出來了。從歷史來看，斯洛文尼亞實際上經歷了羅馬帝國等古老的時期，但是其歷史被割斷，不像中國是一個有著悠久而源遠流長的歷史、擁有孔夫子的偉大的國家。但是她仍然要給大家介紹斯洛文尼亞的舞蹈，特別是斯洛文尼亞民族的舞蹈。在論壇主題發言中，羅薩娜和格雷戈爾以兩人長達16年合作雙人舞創作與表演的經歷，闡述了“舞蹈美學和形式的個人體驗與對話關系”，并介紹了他們的斯洛文尼亞舞蹈作品。

致謝 本項工作得到了國家自然科學基金(11672046, 11771054), 中國工程物理研究院科學發展基金(2015B0201037), 以及計算物理實驗室基金的資助.

格雷戈爾說，很多人說中國現代和傳統舞之間有差異，在中國這邊，人們總問“為什么會有這樣的差異？”而他認為，我們首先要找到共同點，這是最為重要的。關系永遠是在變化當中的，同時它也改變了大家的思路。他們要有新的體驗和經驗，才能夠看到中國這邊的元素。他說，作為舞者，就像蝙蝠一樣，蝙蝠永遠通過振動翅膀獲得反饋的信號，當然從舞蹈的角度來說，我們的舞蹈就好像是一種優秀的遺產。

后來，一個電影導演希望來制作關于他們的一部電影，羅薩娜本人非常喜歡電影，這是他們第一次體驗把舞蹈拍攝成電影。羅薩娜認為應當對這個舞蹈做一些加工，因為這是在室內、咖啡館和餐廳當中的舞蹈。然而，在那些地方跳舞的時候，因為那些地方的場所不是很理想，比如說地板和背景，他們覺得整個人身軀的動作，一些希望傳達的語言或者意義有所丟失。因此，編舞和舞蹈表演不是一件簡單的事情。格雷戈爾說，他們總是跳雙人舞，最長的時間是連續跳了4個小時；而且10年以來一直在做雙人舞的表演。當然10年開始做雙人舞和10年之后再來跳雙人舞是有很大的不同的。通過10年雙人舞的表演，他們希望看看這之間關系的反應，看看自己到底經歷了什么。10年之前非常簡單，沒有太好專業的服裝，也沒有其他的一些輔助的設備，總是在想如何通過雙人舞來增加彼此之間的關系。過去10年當中他們成了非常好的伙伴。但是，羅薩娜遺憾地認為，導演決定在這部電影當中把他自己的故事放進去，卻失去了舞者們作品的精髓，事實上，導演在這部電影當中所需要的只是兩個舞者的肢體動作和一些肢體語言的表達。

在參加比賽過程中，他們也發現了一個問題，那就是給編舞方面的時間有限，因為給作品的時間只有10分鐘，在這么短的時間中創造一個故事需要采用超常的思維。那么如何在短時間內創造出一段非常有意義的、有內涵的舞蹈？他們認為在其生命當中，有某種事物是非常有意義的，他們就創造出了所謂“運動”的東西。通過這種方法，有很多不必要的東西就被去掉了，那么，在編舞中留下的東西確實是他們真正需要的。

格雷戈爾介紹了他們的第14號雙人舞作品，這一作品是按照一種探戈舞的方式進行表現的，他們希望在跳舞的過程中沒有對視，這可能是他們倆的生命當中跳得最多的一支舞蹈和一段雙人舞。羅薩娜說：有意地選擇探戈這樣的舞步和男女之間的配對，是表現男女關系很好的方式，而他們在傳統的探戈的舞步之外又做了新的發明，他們在阿根廷傳統的探戈的基礎之上進行了自己的演繹。他們需要的是空間和彼此，僅此而已，無他，這是他們的思路。在詮釋音樂的表演和這段探戈舞之后他們又回歸了平靜，為什么沒有聲音呢？他們想傾聽身體的聲音，探索怎么樣能夠掌握自己身體的節奏，包括身體和地板接觸這樣的聲音。

作品：《16》舞團：［斯洛文尼亞］ 盧布爾雅那舞蹈劇院編舞及舞者：羅薩娜 · 赫利巴爾、格雷戈爾 · 路史塔克攝影：沈建中16［SI］ Dance Theatre Ljubljana (PTL)Choreographers and Performers: Rosana Hribar and Gregor Lu?tek Photo by SHEN Jian-zhong

羅薩娜和格雷戈爾的發言對于他們在“世界舞蹈之夜”上演長達40分鐘左右的雙人舞《16》，作了很好的詮釋和鋪墊。顯然，這是一部跨越16年、發生在兩位現代舞者之間的故事，是屬于他們自己的經歷。羅薩娜和格雷戈爾在舞蹈中意欲表達一段未能開始的感情、一支還未邁出步子的舞蹈、一個沒有說出口的詞語，雖未實現卻似乎就在指尖、腳尖和胸前環繞徘徊，這些不存在卻又存在的事物我們該如何去體會？過多的話語壓低了我們的身體、拖慢了我們的步伐，這樣的語言我們該如何理解？幸好我們還能舞動，每時每刻，用不同的方式舞動！他們的舞蹈讓伽利略對轉動不息的地球的評價“And yet it moves!”同樣適用于舞動不息的舞者。

除了上述舞蹈家，還有其他來自世界各地的專家開設的工作坊，亦呈現了舞蹈藝術和教育方面的創新。來自紐約大學的舞蹈家杰瑞米· 尼爾森在國際舞蹈日開設了“由內到外：在當代舞蹈實踐中融入身心技法”的課程。該課程融入了芭芭拉 · 馬勒和蘇珊· 克雷恩的研究，以及亞歷山大療法、身心平衡技巧和費登奎斯法方面的研究。課程致力于通過將我們的骨骼結構作為身體力量和穩定的源泉，來加強調整并建立聯系；通過進入深層肌肉支撐，獲得表層肌肉的靈活性和柔韌性；著重于激發整個身體的深化意識，作為學習和開發動態、明確而有表現力的舞蹈的一種方式。其科學化的訓練給予學生極大的啟示與潛能的開發。

來自布基納法索薩利亞舞團的年輕舞蹈家阿莎和奧賽尼在工作坊中亦注重當代舞蹈運動技巧的教授，在對于力量、速度、幅度的感知和認知的基礎上開發身體的潛能，建立對于運動的認識。同時，貫穿因為簽證問題未能到場的薩利亞的工作坊的主題是，關注孤獨與排他、個體與群體等內容，關注回憶和轉變這兩個概念，引導舞者舞動身軀。

來自西班牙并擔任馬德里胡安卡洛斯大學阿隆索舞蹈學院古典舞專業的研究教師丹尼爾的“演員的身體訓練的工作坊”，則旨在鼓勵演員以輕松的心態面對舞蹈，通過教授參與者一些有序的舞蹈技巧，最終達到自由移動身軀的目的。其課程以多種獨特的方法，引導學生“盡全力發掘身體的潛能，探索身體的柔韌性，提高軀體的感知力，從而開始自我創作……”，開發學生的創造性思維和潛能。

另一位來自國際戲劇協會西班牙中心秘書長、胡安卡洛斯大學阿隆索舞蹈學院研究教授歌洛麗亞，則為國際舞蹈日提供了舞蹈家或演員的接觸即興的工作坊，調動舞者身體動作的本能創作與表演，突破藝術傳統的束縛與藝術的局限，使舞者在接觸即興中注重建立彼此和諧、合作、敏感、關懷、信任的關系，在身體的對話中認識人和生活的本質。

The International Theatre Institute ITI credits Trisha Brown as one of the most important choreographers of our times and who has been transforming the landscape of modern dance with her choreographic spirit. “As one of the most acclaimed and influential choreographers and dancers of her time, Trisha’s ground breaking work forever changed the landscape of dance, and her contribution will always be remembered and honoured by the generations to come.”

Ms. Susan Rosenberg is the Consulting Historical Scholar at the Trisha Brown Dance Company and Associate Prof essor of Art History of St. John’s University,New York. In her speech, “How to Make an Authentic Dance When the Sky’s the Limit,” she regards that the reason why Trisha Brown’s work continues to be performed globally and remains contemporary is because of their authenticity and originality. Trisha rejected traditional and conventional techniques; instead, she adopted unique perspectives and new methods—for example, everyday movement could be qualified as dance. Trisha has influenced the world dance through her in-depth thoughts and artistic innovation. At the Gala Night, Leah Morrison from the Trisha Brown Dance Company performs “IfYou Couldn’t See Me,” a 1994 piece originally performed by Trisha. The work lasts only 10 minutes, and the dancer performs with her back to the audience all the time. It shows the charm of Trisha Brown as the original dancer and provides important values in exploring the being of dance.

The speech of FENG Shuang-bai is about the status quo of the original contemporary dance works in China. He puts forward that WAN Su’s workLeisurely Sentiment and Rhymeis exemplary in today’s choreographers’ reflection on Chinese cultural tradition. More than of ten, they select movements and elements from traditional dance and build unique images based on personal understandings.Also, they no longer emphasize expression of events or description of process; rather, they focus more on the inner world. Besides, taking XIE Xin’s work“Flow · Slow” as an example, he explains how young choreographers have been influenced by the foreign cultures—using body language or integrating fresh body language from other countries to express their indepth thoughts on world, humanity, and philosophical meaning.

During the Main Event of the International Dance Day 2017, a great number of performances were presented by Beijing Dance Academy, Dance College of Shanghai Theatre Academy, Dance School affiliated to Shanghai Theatre Academy (Shanghai Dance School),Shanghai Opera House Dance Troupe, and Shanghai Dance Theatre. In a sense, they tend to show the innovation of the younger generation choreographers in China. And the performing of the dancers, ZHU Jie-jing as one of the representatives, represent the high standard of dance as a performing art in China.

Prof essor Marion Muzac, from the Conservatoire de Toulouse, France, shares her Youth Dance Project “Lady First” at both the panel speech and workshop. Targeted at the youth dancers, the project aims to break down the walls between the dancers and the history of dance. The learning relationship in the project is not about the master teachers and the children. Rather, it is quite open and interactive. The children in the project are from different areas, very different in the way they think and dance, and from different social cultures. They learn from each other and adapt each other, forming a community to express differently about their lives—this is the significance of the project.

Rosana Hribar and Gregor Lustek are contemporary choreographers and dancers of Plesni Teater Ljubljana(PTL) in Slovenia. Starting with the speech, Lustek says,not like China who has a great history, Slovenia is only 25 years old. It used to be a part of Yugoslavia and belonged to the Roman Empire in earlier time. So, the history of Slovenia is in pieces. Then, together, they introduced their works of Slovenian dance in their speech of “Presenting a Relationship through Dance: Personal Experience and Dialogue with Different Theoretical Analyses.” As partners, they have worked together for 16 years. At the International Night, they perform the 40 minute work “16,”a story between two contemporary dancers across 16 years.It intends to express a relationship that fails to begin, a dance that fails to step up, words that fail to be spoken out,and those that fail to be realized, still staying in fingers,toes, and the heart.

Jeremy Nelson, a dancer from New York University,leads a workshop, “From the Inside Out: Incorporating Somatic Approaches in Contemporary Dance Practice,”for the International Dance Day. The workshop incorporates works of Barbara Mahler and Susan Klein with “Alexander Technique,” “Body-Mind Centering,”and “Feldenkrais Method.” It aims to improve alignment and establish connections through our bony structure as a source of power and stability, so as to support the deep muscles and allow more mobility and flexibility of the superficial muscles. It also helps deepen our awareness of the body and find a new way to learn and develop dynamic, clear and expressive dance.

In Salia Sanou’s workshop, young dancers Asha Thomas and Ousséni Dabare from Compagnie Mouvements perpétuels demonstrate based on the contemporary dance skills. Sensing and recognizing the power, speed,and range of motion, the students will establish their understanding of movement. Also, he focuses on themes,such as loneliness and otherness, the individual and the collective, and addresses memory and transmission issues. He hopes that these themes will lead the dancers to dance.

Daniel Hernández Fernández is a research teacher of the Classical Dance at the Alicia Alonso Dance Institute, University Rey Juan Carlos in Madrid, Spain.His workshop, “Physical/Dance Training for Actors-Actresses,” seeks to encourage actors/actresses to face the art of dance as ifit were a game by teaching them to implement playful approaches,which enables them to attain the ultimate goal of moving with freedom. It strives to explore our physical potential and flexibility, enhance bodily and spatial consciousness,so that we could start to improvise and choreograph.

Gloria Garcia Arambarry, Prof essor of the Alicia Alonso Dance Institute, University Rey Juan Carlos,provides a workshop on contact improvisation for dancers and performers, encouraging a dancer’s body to choreograph and perform instinctively, beyond the traditional boundary and artistic limitation. It aims to build a harmonious, cooperative, sensitive, caring and reliable relationship between the dancers in the contact improvisation. Through the dialogue of body,it facilitates people’s understanding of the nature of human and life.