基于美術學學科構架下的美術史教學探討

劉劍

（貴州大學美術學院，貴州貴陽550025）

基于美術學學科構架下的美術史教學探討

劉劍

（貴州大學美術學院，貴州貴陽550025）

通過對“美術”、“美術學院”和“美術史”的梳理，以及美術作為學科逐漸形成的美術實踐、美術史、美術批評和美學這個構架，美術史教學應當構成一個有層次感和開放性的豐富結構：以美術史知識為基本點，往下延伸到美術作品技法的講解以通向學生的藝術實踐學習，往上一個層次延伸到對學生審美能力的培養以便為美術批評打下基礎，最后抵達文化史這個最外圍的更高境界。

美術；美術學院；美術史

美術史該向美術專業的大學本科學生講授什么？這個問題在美術教育史上經歷了一個認知與發展的過程，時至今日，這個問題仍然有待于深入探討。是該講授美術史知識以形成美術學的知識結構？還是以美術史為依托培養學生的審美能力？甚或是還原為美術家和美術作品的創作技法？在美術院校內部，在美術史論教師與美術實踐教師之間的緊張與隔膜的學術關系中，這個問題又變得更加疏離。與這個問題直接相關的問題有“美術學院的緣起”、“美術史課程設置的變遷”、“美術學學科背景中的美術史”等。

一、美術學院的緣起

“美術”這個概念并不是一個從誕生時就像今天這樣內涵清晰明確的概念。在西方，“The fine arts”（“美術”）這個概念首次使用是16世紀文藝復興時期的奧蘭達（Franecsco da Hollda），他當時使用的是葡萄牙文“boas artes”。在此前的15世紀和此后的17世紀，Thefinearts的“美術”內涵都還沒有固定下來。即使在奧蘭達使用這個概念時，The fine arts都只是人們認知總體的arts的一個維度，并不指現在美術所囊括的繪畫、雕塑、建筑這三個具體門類，而是在當時將藝術與工匠和科學內涵撇開后訴諸于精神自由的這一類藝術，內涵顯然寬泛得多。在塔塔爾凱維奇的梳理中，當時“美術的”The fine arts只是“巧妙的藝術”（The ingenious arts）、“音樂的藝術”（The musical arts）、“高貴的藝術”（T noble arts）、“紀念性的藝術”（The memorial arts）、“圖畫的藝術”（The pictorial arts）、“詩意的藝術”（The poetic arts）、“文雅的藝術與快活的藝術”（Art elegant and pleasant）[1]P20-23。也就是說，The fine arts還沒有在眾多對于尋找一個統攝各門類藝術的概念中達成某種共識，也就是其統攝起來的標準還沒有形成共識。到了18世紀中期，工藝和科學不再屬于Art的范疇，只有The fine arts才是真正的藝術。1747年，夏爾·巴托只把五種美術——繪畫、雕刻、音樂、詩歌與舞蹈列為“美術”，相關的是建筑和雄辯術。這七個門類被統攝在Art之下的標準只是因為“美”，從美學范疇來看，這個“美”其實只是“優美”，“優美”范疇的“和諧”美感被視為能統攝各個藝術門類的標準。1765年，“布隆德爾在它們全體之間所發現到的公共鏈環便在于它們的和諧，也是一種我們所感受到的快感之源”。[1]P23

正因“美的藝術”變得如此自律與純粹，人們漸漸習慣將The fine arts“美的藝術”/“美術”簡稱和代指整個“Art”。很顯然，一個源起于手藝包括手工藝和科學這兩大內涵的“Art”被縮小為包含七個門類藝術的“美的藝術”（The fine arts）。就在18世紀后期，詩歌和雄辯術作為純文藝獨立出去，“美的藝術”只剩下五個門類。事情并不止于此，到了19世紀，五大藝術門類的“美的藝術”進一步變得窄小，音樂和舞蹈被減除，“美術”成為特指“視覺藝術”方面的造型類藝術，即今日所指的繪畫、雕塑和建筑。這即是今日“美術”之由來。因此，在西方藝術史書寫中，凡冠名為“藝術史”的其實所指門類就是“美術史”，并沒有包括所有的藝術門類，比如蓋特雷恩的《世界藝術史九講》（王瀅譯，世界圖書出版公司2014年版）、貢布里希的《藝術的故事》（范景中譯，廣西美術出版社2008年版）、昂納，弗萊明的《世界藝術史》（吳介楨等譯，北京美術攝影出版社2013年版）、文杜里的《西方藝術批評史》（遲珂譯，江蘇教育出版社2005年版）等，中國一些學者也就接受了西方的這個學術慣例，其“藝術史”實為“美術史”，比如耿幼壯的《破碎的痕跡：重讀西方藝術史》（中國人民大學出版社2005年版）等。

與此相應，“美術學院”的內涵也不是固有的，而是隨著Art和Thefineart的演變而演變的。文藝復興時期，在“美的藝術”（Thefineart）與“手工藝”（The crafts）分離的時代語境中，一種有別于工匠時代口傳心授的傳承方式相應地出現，這就是“藝術學院”的出現。中世紀那種只注重技藝訓練的行會教育和作坊教育方式不能滿足社會對“藝術家”這個身份角色的期待。在人文主義者那里，他們認為藝術家應當具有那個時代所要求的人文學識。“行會師傅只能傳授他自己所具有的技藝，但他無法造就另一個人的天才”[2]P38。為適應藝術家作為天才而不是作為行會培養的工匠這一時代訴求，現代意義上的藝術學院開始形成，“它的具體表現形式就是學院（Academy）立足于探索普遍的藝術科學知識，它是教師和學生能夠齊心協力共同發展、并分享理論知識及藝術技藝的基本原理的場所。”[2]P38

1562 年，意大利著名的藝術史家喬治·瓦薩里（1511-1574）在佛羅倫薩創建了第一所正式的藝術學院“迪賽諾學院”（Academia del Disegno），它是以培養藝術家而非工匠為教育目標的“藝術學院”。現代意義上的美術學院得以誕生。具有反諷意味的是，作為美術史家的瓦薩里，他的《著名畫家、雕塑家、建筑家傳》可算是西方第一本美術史著作，他所建立的歐洲第一所藝術學院，作為知識和學科的美術史并沒有很好地進入課程教學，但是“對米開朗基羅和萊奧納多來說，繪畫是一項極其嚴肅的工作，可現在它已不再是了；繪畫已經變成‘一種熱衷于技藝的游戲，而置理性能力于不顧’。”[2]P381585年，卡拉奇兄弟建立了一所獨立于王室和教會庇護的私立美術學院“波倫亞學院”。1593年，組卡里（FredericoZuccari）創建羅馬圣盧卡學院。后兩者成為法國建院效仿的模式，隨后，德國、美國等建立了藝術學院。

二、美術史課程設置的變遷

瓦薩里建立藝術學院的初衷像他的名著《著名畫家、雕塑家、建筑家傳》的初衷一樣：“目睹許許多多建筑師、雕塑家和畫家的名字，連同他們制作的無數精美絕倫的作品正在被遺忘，遭毀損，希望竭盡綿薄之力使之免遭再度湮滅，使之盡可能長久地留存在活著的人們的記憶之中。……為死者、為對三種最卓越的藝術——建筑、雕塑和繪畫——的追隨者有所裨益，我將依照年代的先后撰寫他們的傳記”，[3]P1只是為了使文藝復興這個偉大的時代中諸如達芬奇、米開朗基羅和拉斐爾這些偉大的天才不至于被埋沒，作為文藝復興晚期的瓦薩里，感覺到文藝復興逝去的危機，因此，“瓦薩里企圖在這些巨人發明創造的基礎上，為藝術建立法則。因此，這些法則是產生于藝術本身而不是以前那樣來自自然，它們使藝術成為具有自身確定的探索及教學方法的獨立學科。”[2]P42

在古希臘的古典盛期，音樂演奏和視覺藝術都被認為不配成為貴族孩子所學的藝術，繪畫雕刻只是近似于體力活的低級職業，手工傳承方式是作坊里的家族傳承的師徒制，在希臘化時期的公元前4世紀，繪畫班級正式被開設，但教學目的只是讓孩子在模特寫生中去認知和判斷人體的結構之美。中世紀的僧侶學校培養的只是畫工，大多都是與《圣經》之類書籍有關的手藝人。在文藝復興時期，達芬奇和米開朗基羅都對那種以技藝凌駕于自由表達的作坊表示強烈不滿：“首先要學習知識，然后再進行受這些知識指導的技術訓練”，雕塑是“知識淵博的科學，而非一種機械的或無創造精神的技藝。”[2]P38對于課程內容，有四個主要內容：臨摹素描、臨摹浮雕、臨摹模特和創作實踐。后來有了類似《芥子園畫譜》一類可供摹寫學習的書籍。藝術不再是天才的專利，變成可供普通人學習的范本。法蘭西繪畫雕塑學院建立于1648年，其教學內容主要有兩個板塊：“通過講座的方式向其成員講授藝術原理，以及通過素描寫生課對學生進行指導。”[2]P38素描臨摹——石膏像臨摹——模特兒寫生這個教學序列作為其核心教學方法，也基本上是今日中國各類美術學院美術專業的學習步驟。但其講座所講的內容主要是透視法、幾何學、解剖學和作品分析，這部分還不是美術史內容。可以看到，從古希臘羅馬的學院到中世紀開始興起的大學，視覺藝術都被排斥在學習課程之外。

美術史成為學科進入課程設置是隨著19世紀歷史學被承認為一個學科而相應產生的。1868年，牛津大學、劍橋大學和倫敦大學均設立了美術教授席位，德國的大學雖然18世紀末就設置了藝術史，但只是依托于文物考古學的歷史學研究，未設置藝術實踐課程。在美國，哈佛大學于1874年設立美術教授席位，從其教學大綱可以看出其美術教學是一種審美教育：一是“揭示美術作為過去時代道德和智力狀況的一種表現方式所具有的本質意義”；二是以過去的藝術反襯出“美國人的窒息創造精神的疲乏無聊的生活經驗”；三是“凈化哈佛年輕人的情感”。[2]P81顯然，這和專業美術教育還是有差距的，基本上是綜合性大學對學生的人文素養教育，它的目標也不是培養藝術家。耶魯大學在1831年就開始關注視覺藝術，1864年建立藝術學院，其宗旨接近于我們今天專業美術教學目標：“首先，為立志成為專職畫家、雕塑家和建筑師的人提供技法培訓學校；其次，為滿足專業藝術學生和普通本科生的需要，開設藝術史和藝術批評課；第三，為包括耶魯大學在內的整個社區提供藝術教育方面的便利”，共設置繪畫與設計、藝術史和藝術批評、素描三個教授席位。[2]P83普林斯頓大學于1882年成立美術系和藝術史系，但學生不學習素描和繪畫，是依托于文物考古學的藝術史文化遺產研究，即“可教授的東西只有史實”。[2]P85這三所大學中，耶魯大學強調畫室科目，普林斯頓強調藝術史，只有哈佛大學試圖把藝術創作和藝術史結合，這最接近我們今天美術專業教學要達到的教學目標。

三、美術學學科構架中的美術史教學

“學科”是指“擁有一個有機的知識主體，各種獨特的研究方法，一個對本研究領域的基本思想有著共識的學者群體。”[2]P315“美術”作為視覺藝術，其“學科”的合法性身份是在美國20世紀中期的教學改革中獲得并逐漸得到認同的。比擬于“科學”這個概念和內涵，美術雖不像數學那樣結構嚴謹，但“藝術學科是一種具有不同規則的學科”，藝術學是主觀經驗的呈現，但這個主觀經驗仍然像康德界定美學時談的具有主觀的普遍必然性，藝術學的經驗性仍然具有主觀的普遍必然性。1960年，巴肯（Barken）指出，藝術學科的群體有藝術家、藝術史家和藝術批評家，與這個學術共同體相對應的學科知識板塊就是：藝術創作、藝術史和藝術批評。1980年，格里爾進一步深化藝術學科理念，最早使用“discipline-based art education”即“以學科為基礎的藝術教育”這個術語，簡稱DBAE，他提出藝術課程內容的四大板塊：藝術工作室（artstdio）、藝術史（arthistory）、藝術批評（art criticism）和美學（aethetics）。就DBAE理念在美術學學科中的具體化來說，基本構成了今日國內各類院校美術專業的學科構架，它們之間的結構關系可以概括為：以美術實踐學習為中心，以美術史和美術批評為兩翼，以美學為尾翼。雖然各院校的美術專業按此基本框架搭建，但具體現實中對美術史和美術批評甚至于美學的關系并沒有處理好。美術史、美術批評和美學基本上是美術實踐這個中心的配菜，不管是史論課的教學課時量，還是史論課教師在學院的美術學科共同體中的學科地位，都是被束之高閣地放置于一種邊緣地帶，敬而遠之。學生對美術史論課的態度也是如此，就像黃永砯的裝置藝術《〈中國繪畫史〉和〈現代繪畫簡史〉在洗衣機攪了兩分鐘》（1987年）所代表的某種態度一樣，美術史都可以看成一堆能還原為紙漿的遺棄物，曠課與補考現象屢禁不止。美術批評課程在本科教學中是缺席的，最多就只開設一門作品鑒賞課，鑒賞離美術批評還相去甚遠，美術批評的教師也基本都是由美術史論教師擔任。對于美學來說，更是缺少專業的美學教師，學生和部分教師都區別不了美術跟美學的學科邊界，美學教師也基本是由美術史論的教師來充當。這種境況帶來的思考是：美術史該如何教學？

首先，美術史的教學要處理好其與美術實踐課教學之間的關系。美術史教學不能和美術實踐課教學各自為陣，教學上互不往來。既然美術學學科以美術實踐具體以國畫、油畫、版畫和雕塑的學習為主體，內容以技法學習為中心，那么，素描也好，寫生也好，美術史也好，都是致力于對未來藝術家的培養，美術史除了告訴學生歷史上關于美術家、美術作品、美術常識等一堆知識以外，還應告訴他們有關作品的創作過程，包括觀念、技法等。一幅畫的構圖、色彩、透視、畫法、皴法、形制等技術層面，一個雕塑作品的材料、制作、刀法、體量等都是需要講解的。但如果僅僅停留在技法的講解上，美術史是否還有自身的學科合法性？這關系到美術史上某些技法在今日創作中的有用性。美術教育史上，美術史教學最初是由藝術家擔任，之后是由經過藝術師范類教育培養出來的教師擔任。在二戰結束前后，美國大學諸如紐約大學、芝加哥大學才開始授予藝術教育的碩士學位，但都只是教育學學位和哲學學位。也是在1940年，哈佛大學、耶魯大學等才開始授予藝術史博士學位。顯然，如果僅僅是技法教學，美術學習又回到作坊的學徒時代，這是違背大學建立的初衷的。

其次，美術史教學應處理好與美學的關系。也就是說，美術史教學應注意學生審美能力的培養和審美情感的熏陶。審美教育的核心是情感教育，美術史可借助于美術作品對學生進行情感的熏陶和想象力的激發。這個層次的教學就可以把諸多美術風格的著作和研究結合起來，也可以把美學史結合起來。相對來說，西方美學史和西方美術史的距離要比中國美學史和中國美術史的距離遠得多，后者基本上就是藝術美學史。瓦薩里的名著《名畫家傳》還是傳記式書寫，到了溫克爾曼的希臘美術史基本就是希臘美術風格史。這個層級的教學體現在具體的教學內容上。比如西方美術史，學生既要對諸如巴洛克藝術、洛可可等階段性和流派性的藝術風格和審美特點有所認知，又要在諸如貝爾尼尼、布歇等具體雕塑家和畫家作品上找到這種藝術風格和審美特征的具體體現。

再次，美術史教學應處理好與文化史的關系。美術史只是文化史的一個部分，文化史是美術史的外延，它能使美術史教學更加開放而有張力。洪再新《中國美術史》教材就主張一種文化史視野下的美術史觀。過去的美術作品雖然都是視覺化的某種圖像，但這些圖像仍然不是不證自明的，就像潘諾夫斯基的“圖像學”研究表明的那樣，圖像也需要闡釋，不闡釋，它的意義仍然不會自行出來。特別是在文化自覺的當代語境中，通過美術史可以讓學生知道他者文化和中國文化，從而具備一種文化自識的意識和能力。這個層次可以作為美術史教學的最高層次來追求。藝術，終究是文化的表達。美術史教學既要有“器”的層面，又要有“道”的層面，具有飽滿立體的教學內容。

最后，美術史教學要有美術史自身的學科自律意識。美術史從文物考古學基礎上發展起來，依托于客觀的歷史事實，形成關于過去的美術史知識。因此，美術史教學的一個基本任務就是知識的分享。讓學生知道這個學科是怎么來的，以便讓學生知道自己的藝術實踐將往何處去。美術史一般分中國美術史和外國美術史，它在本科階段的基本任務就是和美學批評、美學學科共同給學生構建起本學科的基本知識體系，為研究生階段的研究和學習打下學科基礎。因此，美術史的學科知識是要完成的基本任務，在此基礎上再伸展到技法、審美和文化這三個層次上去。

四、結論

基于美術學學科是由美術實踐、美術史、美術批評和美學搭建起來的學科結構，美術史教學應當構成一個有層次感且相互聯系的豐富結構：以美術史知識為基本點，往下延伸到美術作品技法的講解以通向學生的藝術實踐學習，往上一個層次延伸到對學生審美能力的培養以便為美術批評打下基礎，最后抵達文化史這個最外圍的更高境界。

[1][波]塔塔爾凱維奇.西方六大美學觀念史[M].劉文潭譯.上海：上海譯文出版社，2006.

[2][美]艾夫蘭.西方藝術教育史[M].邢莉，常寧生譯.成都：四川人民出版社，1999.

[3][意]瓦薩里.著名畫家、雕塑家、建筑家傳[M].劉明毅譯.北京：中國人民大學出版社，2004.

（責任編輯：徐國紅）

On the Teaching of Art History in the Frame of Art Discipline

LIU Jian
(Art College,Guizhou University,Guiyang 550025,China)

After the analysis of“art”,“art college”and“art history”and the description of the frame of art practice,art history,art criticism and esthetics evolving from fine arts,the author of this paper holds that the teaching of art history should be a layered and open framework with many resources:on the basis of art history,the focus of lower level of teaching art history should be upon the presentation of the techniques of art works,helping to improve students’art practice;and the focus of the upper level should be on the cultivation of students’esthetic ability,hoping to lay foundation for art criticism of students,coming to higher level of cultural history in the end.

fine arts;art college;art history

G642.0

A

1009-3583（2017）-0149-04

2017-03-24

劉 劍，男，貴州赫章人，貴州大學藝術學院副教授，博士，碩士生導師，《貴州大學學報》（藝術版）執行主編。研究方向：藝術學理論和美術評論。