民族音樂的文化自信與當代表達——從“《海上生民樂》音樂現場”談起

采編/曾　凌

民族音樂的文化自信與當代表達——從“《海上生民樂》音樂現場”談起

采編/曾凌

何占豪　

羅懷臻　

劉文國

　羅小慈

　李昂

2016年10月12日晚，上海民族樂團原創新作《海上生民樂》音樂現場為第十八屆中國上海國際藝術節開啟序幕。起初，聞此消息時，很多人的第一反應是“啊？”（驚訝），因為中國上海國際藝術節之前尚未用過民樂演出作為開幕劇目。很多觀眾對民族音樂既熟悉又陌生，熟悉的是古老而悠久的樂器，琵琶、二胡、笛子等以及《梁祝》等經典的民樂作品，陌生的是現在的民族音樂作品和演出。在一般的家庭教育中，鋼琴、小提琴等樂器也更受家長青睞。據悉，中國目前的文藝演出市場中，民族音樂的份額非常少，全國各地的民樂表演團體大多處于閑置狀態。中國民樂的發展正面臨著瓶頸，業內都清楚，民樂不能只有“老三篇”，但民族音樂如何創新也成為一道難題。在這樣的現狀下，一場民樂演出如何站上中國上海國際藝術節這樣的國際化、當代化的舞臺，并且成為開幕演出？這成為很多人心中的疑惑。直到開幕當晚，一場與眾不同、讓人耳目一新的《海上生民樂》，才讓眾人消除了疑惑，不由得發出“啊！”的贊嘆。

在一片熱烈的掌聲中，《海上生民樂》謝幕了，但是圍繞此臺演出的思考才剛拉開帷幕。譬如：《海上生民樂》中的創新是否成功？成功在哪？如何讓民族音樂具有當代氣質、進行國際表達？這場以“傳承、創新、融合”為主題的民樂演出傳遞了什么值得關注、借鑒的藝術理念？……對于這些問題，著名作曲家何占豪、著名戲劇家羅懷臻、青年樂評人李昂以及主創團隊中的中國上海國際藝術節副秘書長、《海上生民樂》總策劃劉文國，上海民族樂團團長、演奏家羅小慈進行了深入的探討交流。

上海采風：《海上生民樂》中，每個曲目都進行了新的編排，進行了創新，與此同時融合了書法、戲曲、舞蹈等其他藝術門類，怎么看待這些創新形式？對民族音樂的創新發展有哪些啟迪？

劉文國：從藝術上分析，這次的音樂作品中，每一首曲目，無論是傳統經典還是當代新作，都是經過重新創編的佳作，對應了傳統和現代，經典與創新。這些作品既體現了民族化的豐厚底蘊，又融合了當代觀眾的審美品味。其次，在表演形式上，除了原汁原味的民樂精彩演奏之外，又融合了吟誦、吟唱、舞蹈、戲曲、繪畫、書法、電聲、爵士等全球文化元素，使中國古老、悠久的民樂，與世界經典音樂，在奇妙的對話中融會貫通，形成異曲同工之妙。從中，體現出海派民樂作品的融合開放和創新特質。在舞臺美術設計上，采用了當代視覺美術的理念，以大時空的方式進行多媒體視頻效果處理，以此來挖掘中國民樂在表達上的虛實結合的寫意意境，把聽民樂和看民樂有機結合，努力打造一臺民族音樂的精品，體現了東方特質、當代表達，簡約、唯美的視覺效果。

羅小慈：中國的音樂跟中國傳統文化、跟中國的哲學是密切相關的，中國的音樂是中國人的精神智慧的一個體現，是民族文化的瑰寶。同時，海派藝術又特別開放，特別鮮活，我們就先抓住這樣一種總的氣質。通常民樂的音樂會都是大雜燴，展現出來的氣息是斷的，所以這次演出我們想用一個文學性的結構來呈現，賦予更多文學的質感，這樣的嘗試還是第一次。《海上生民樂》中，我們用了《風》《雅》《頌》《和》四大樂章，并有我們自己的解讀。《風》是指古風自然，體現中國古老的哲學：上善若水，講究天人合一。《雅》是側重體現內在和外在的自我修為，表現中國文人的內心世界。文人音樂最早是以古琴音樂為代表的，但是后期走到自娛自樂的境地，格局不夠大，比較小眾。這次的“雅”中，我們是想體現“新文人”的概念，這也是我們樂團創作理念上的一個大的方向。比如古箏獨奏曲《墨戲》，呈現的不僅是文人自身的一種小情小調，還有他對這個時代的一種激蕩和感悟。再如《劍器》，作曲家從杜甫的詩《觀公孫大娘弟子舞劍器》中汲取靈感，非常有風骨，民樂中像《劍器》這樣比較犀利的作品是不多的。第三個篇章《頌》，呈現的是人與人之間的關系，演出中我們選擇體現中國歷史上的三段生死愛情，反映中國人的浪漫。最后一個篇章《和》體現了“樂和天下”，即費孝通講的，各美其美，美人之美，美美與共，天下大同。這一篇章中的節目《蜂飛》是用中國樂器來演奏俄羅斯作曲家里姆斯基·科薩科夫創作的炫技派作品《野蜂飛舞》，呈現民樂演奏家的當代魅力，與當下世界音樂的互動。青年作曲家黃磊以經典嗩吶曲目《百鳥朝鳳》為藍本，編創出嗩吶與電聲跨界的作品《鳳舞》，也給出了青年創作者對民樂未來發展的思考。

自古以來，中國藝術有一種天然的當代性。詩歌樂其實是一體的，以前唐詩宋詞都是可以吟唱的。王維等很多詩人，還是大畫家，且精通音律。因此，《海上生民樂》中，我們也加入了其他一些藝術手段，給予更豐富的視覺上的補充。《海上生民樂》從最初的創意策劃到最后的呈現，經歷了一年多時間，反反復復地推敲修改，從藝術節的領導到相關專家都給予我們很多好的建議。我們會繼續打磨這部作品，在全國進行巡演，并爭取走出國門。

羅懷臻：許多年來，民族傳統音樂一直在尋找新的發展路徑，希望重新融入時代主流，為此做了各種嘗試，包括交響化、新民樂、跨界混搭、時尚化。現在回頭去看，一切嘗試都沒有白費，所有努力也都沒有最后完成。上海民族樂團的《海上生民樂》，可以說在不經意間作了一次總結，把民樂人許多年來的有益探索，把民樂創作與演出中各個局部的嘗試和革新，在上海作了一次整合，以一場風格感鮮明分寸感得當、相對完整和諧和完美的原創性演出，實現了民族音樂當代演出的審美轉化。

藝術創新，不僅是局部性技能性的創新，更是在局部與技能性的基礎上逐步積累進而實現的整體性的審美品格轉化，而支撐整體性審美品格轉化的，既離不開深厚的積累，更要有文化創造的自覺和自信。《海上生民樂》作為一臺民樂形式的演出，融進了民族舞蹈、民族戲曲的表演，也運用了多媒體技術，但是其它藝術門類的介入，都沒有反客為主、喧賓奪主，反而起到了營造情勢、渲染情境、放大情感的積極作用，并且構成和諧。

何占豪：我認為這臺音樂會的創新表現在這么幾點：首先，樂器的選用不拘一格。以前的觀念里民族音樂一定要純，某種音樂就一定要用某一種樂器，否則就覺得不正規。我們知道，樂器是世界各地的老百姓創造的，但是創造了這個樂器之后，是不是就只能這個國家演出來才有所謂的風格呢？不，樂器它本身沒有民族性，它是一個工具，如果這個樂器跟某個國家的民族音樂語言結合得好，久而久之它就能成為這個民族音樂的樂器。《海上生民樂》這臺音樂會就打破了樂器過去固有的門戶之見。其次，新在跨界，運用了綜合藝術，如舞蹈、昆曲、書法等，還融入了舞臺背景、燈光等視覺藝術，借用其他藝術來幫助節目更好地展現音樂形象，更好地讓聽眾理解音樂內容，這也是一種創新。

現在民樂界有一種觀點，認為所謂的時髦，就是去拉或敲古箏，古箏本來是彈的，聲音很好聽，但一些演奏者卻認為不拉不敲不現代，還有些演奏者吹笛子時要漏風，認為這樣才現代，這完全是走入了誤區。幸好《海上生民樂》堅持了民樂的原汁原味，這臺音樂會幾乎每一個節目都以樂器為主，把各個樂器的音色，它的功能，做了比較充足的發揮，發揮出它原來的美。我認為，外來藝術形式要民族化，民族音樂要現代化。什么叫現代化？除了運用其它門類的藝術，如視覺藝術、舞蹈藝術來助我們民族音樂一臂之力外，我們民族音樂本身還要改革，再不改革很難往前發展。我們的樂器要改革、要創新，發聲要現代化，要真的達到美，要真的抒情。

上海采風：多元的時代，很多傳統藝術越來越小眾，但《海上生民樂》達到了雅俗共賞的效果，不僅業內肯定，還受到了大眾的歡迎，這背后有哪些成功之處？

何占豪：我覺得這臺音樂會的“好”可以用三個字概括：美、情、新。第一個是“美”，優美。優美是我們民樂的特色。我們的祖先創造音樂就是為了美，要好聽，有聽覺的美和視覺的美。《海上生民樂》這臺節目延續了我們民族音樂的傳統，保持著原來的民族音樂語言的美，民族樂器的音色優美。《海上生民樂》的節目雖然還有改進的地方，但是總體上是美的。第二，這臺音樂會成功的一大原因是“情”。在古代，我們的先輩就開始用樂器的聲音來抒發自己對大自然的熱愛。我認為，音樂的本質是美，音樂的核心是情。音樂離開了美，離開了情，為何還要創作音樂？但是現在音樂界有一種很不好的風氣，覺得觀眾越聽不懂越好，覺得音樂是不能用語言來講的、要靠觀眾自己體會，這些觀點其實是部分創作者用來掩蓋內心空虛的借口，這與“藝術以人民為中心”的創作理念是背道而馳的。讓我高興的是，在《海上生民樂》中我感受到了“情”，比如《墨戲》《劍器》《鳳舞》等節目的創編、演奏，都帶入了真情實感，呈現了鮮明的音樂形象，因此能把現場觀眾帶進音樂營造的氛圍情緒中。第三，這臺音樂會之所以群眾喜歡，在于“新”，有創新。希望這臺音樂會，不斷打磨，不斷對自己提高要求，做到每個節目都既讓觀眾滿意又讓專家服氣。

羅懷臻：《海上生民樂》的成功與上海民族樂團的發展密不可分。可以用“名人，名團，名曲”來形容上海民族樂團。所謂“名團”，是指上海民族樂團經過數十年的積累，已經成為中國民族音樂創作與演出的風向標。這個風向標的意義，既有良好的傳統繼承的一面，也有對民樂發展走向的引領與先導，它在民族音樂領域里的作用力和影響力是舉世公認、一以貫之的。所謂“名人”，是指上海民族樂團人才輩出，獨領風騷。《海上生民樂》集結了幾代優秀演奏家同臺表演，爭奇斗艷，精彩紛呈，不同年齡段演奏家的演奏，還傳達出不同時期的代際審美，顯示出上海民族樂團在各個發展期深厚的人才儲備。上海民族樂團的演奏家們還有一個特點，即大都可以兼顧創作，如閔惠芬、俞遜發、顧冠仁、馬曉暉、羅小慈等，這在全國民樂界也是少有的。所謂“名曲”，我想用“熟悉的曲目有新鮮感”和“新創的曲目有熟悉感”來形容上海民族樂團的創作演出風格。在《海上生民樂》的演出中，我們聽到了許多耳熟能詳的傳統曲目或作了新的編配，或嘗試新的演奏方法，在熟悉的旋律中體現出新的意境與新的技法，從而產生新鮮感。而他們新創作的曲目，又十分注重本體與本色的守正，甚至有意識向更質樸久遠的傳統源頭回歸，注重原聲、元音、原味，將樂器本身的本色的聲響發揮地淋漓盡致，同時又具有強烈的現代感，使人在一派清新的感受中喚醒儲存的記憶。上海品牌，全國名望，世界名聲。這是上海文化追求卓越的標志。

上海民族樂團《海上生民樂》的創作與演出，贏得了內行觀眾的認可，也贏得了外行觀眾的喜歡，在上海大劇院座無虛席的觀眾廳里，無分老少，不時激起的亮點、沸點，甚至偶爾被觸動到的淚點，使得這場民族音樂會的演出效果達到了多年未有的成功。我相信，《海上生民樂》會成為上海民族樂團的保留演出，其中的曲目和演奏的藝術家可以自由更換，但是樣式和風格會被保留下來，傳播開去。

李昂：上海觀眾的欣賞水平相對來說是比較高的，因為上海有很深厚的古典與傳統音樂的積淀和音樂廳文化，因此《海上生民樂》受到上海觀眾的歡迎，也充分說明了它的成功。《海上生民樂》這臺演出的一大鮮明特點是：在保持音樂會的高格調的同時很注重拉近與大眾的距離。一直以來，中國的民族音樂，包括上海民族樂團半個多世紀積累的經典作品，對于旋律的線條美、是否貼近傳統氣質的考量是非常重視的，這是非常值得繼承的傳統。觀眾們為什么喜歡《海上生民樂》這臺演出，就是因為做到了這點。首先，這臺演出中所有節目的標題都非常直觀，比如音樂會分為《風》《雅》《頌》《和》四個篇章，篇章下面又有《流水》《和鳴》《別姬》等等節目，看到這些標題，觀眾馬上就能產生一定的聯覺與期待。而我們的藝術家呈現出來的聲音或者舞臺效果是與之相符的，進行了平易的表達與詮釋。其次，這臺民樂演出在編排上面有兩個特點：其一是邀請了年輕的作曲家參與，比如黃磊、孔志軒、韓聞赫都是非常有想法的優秀青年作曲家。他們創作時也考慮了大眾的審美，編創的音樂也很有活力；其二，上海民族樂團里很多演奏家都有進行創作的能力，這也是這個樂團藝術家們一直以來的優秀素養，比如羅小慈老師作曲的《墨戲》，具有相當的藝術水準，體現了只有演奏家才有的那種建立在自身經驗之上的杰出創造力。這也說明，好的民樂作品，一定要建立在對于樂器特性的充分了解之上，這也是寫作民樂時最為難得的素養。

上海采風：《海上生民樂》這臺演出的探索對于民族藝術如何與世界對話、如何進行當代表達，民族音樂的未來發展有怎樣的借鑒意義？

李昂：《海上生民樂》這臺演出在很多方面進行了嘗試，堅守了一定的品質，同時也最大限度地照顧了大眾審美的需求。我覺得上海民族樂團應該把親近大眾的理念繼續繼承發揚，與更多有想法有才華的作曲家深度合作。長期以來，一些作曲家固守象牙塔，缺乏與大眾的互動與理解，熱衷通過技法來標榜個性。當然，我們同樣歡迎勛伯格式的先驅，但要明確的是音樂為什么群體而作？這也是音樂最重要的文化屬性。藝術家可以享受自己的那份孤獨，但也應該主動去與大眾對話，因為我相信大多數的作曲家還是希望能夠在有生之年得到社會的認可。

羅懷臻：民樂如何面對未來？我認為，贏得了青年，在青年人當中能夠傳播，這門藝術就把握住了未來。那天晚上像羅小慈的演奏，趙磊的二胡，是比較古典的一種，但是那種聲音是跨越年齡的，我相信這樣的演出會征服80后、90后、00后年輕的心靈，會在他們的心靈中種植下民族音樂的當代記憶。由此，我們的民族音樂就會向前發展。我相信那天的演出能夠贏得更多的非民樂觀眾的喜歡。

何占豪：我認為《海上生民樂》這臺音樂節目具有的“美、情、新”的特點符合我們民族音樂發展的思路，所以應該按照這個思路發展下去，會越來越得到老百姓的喜歡。現在一些所謂的現代藝術家，寫出來的音樂老百姓不喜歡聽。為什么？因為他們背離了民族音樂語言的美。一些當年很有才華的海歸青年，現在已經進入中老年了，但到現在為止很難超過當年的“老三篇”。為什么？吃虧就吃虧在他們沒有好好學習民族音樂的語言。以前國家太封閉了，我們沒有辦法出國，就一門心思挖掘民族音樂語言，后來開放了，一批作曲家去國外學習，既學到了精華，也有可能學到了糟粕。他們最寶貴的時間都在接觸外國的技術，沒有在中國的土地上學習中國的民族音樂語言，因此回到國內，寫的東西老百姓往往不歡迎。這不是說外國的音樂語言不好，好聽也好聽，但是國內很多老百姓聽不懂。

當年我先學的是小提琴，下鄉給老百姓表演時，我們問他們，好聽不好聽？他們說，好聽。懂不懂？不懂。你們要聽什么？我們要聽越劇，要聽滬劇。當時我們這些青年有兩派意見，一派認為他們文化低、見識少。另一派認為問題在我們自身。我印象很深的是，當時我們演了一臺音樂會，觀眾都陸續走光了，最后一個老太太還在那聽。我問她，你為什么不走？喜歡聽？她回答道，你們坐的凳子是我的。其實現在這批作曲家遇到的問題，我們在上世紀五十年代末已遇到。所以我們得出的結論是音樂成功與否，人民喜歡與否，絕對不是音樂技巧有多高，而是你表達了什么，你的音樂語言是否讓觀眾聽懂了。音樂語言的美，民族音樂音色的美，都要以人民為中心。我們那一代創作者講究喜聞樂見，就是要平易近人。

李昂：從中國的民樂發展來看，一批民樂的經典作品包括《梁祝》，很注重追求綜合化，中西音樂文化的融合。現在音樂學院的作曲專業并沒有開設民樂配器法的課程，所以對于作曲專業的學生來說，寫好民樂是很難的。當然，民樂的百年發展本身也是受到西方深刻影響的，同樣寫作民樂作曲專業也應該扎實學習西方管弦樂配器法。所以，對于中國作曲家來說，創作民樂作品是更需要嚴肅認真的學習態度與責任感的一種藝術行為。

羅小慈：我們每一個民族的文化藝術都是不可取代的，都具有各自獨特的價值。交響樂是人類共有的一個非常好的藝術形式，是人類智慧的結晶。與此同時，蒙古長調不是世界級的嗎？交響樂有美的一面，民樂也有美的一面，各美其美，彼此輝映，全人類都可以共享。其實中國很多民間樂器，比如二胡、琵琶、揚琴、嗩吶，這些全是從外來的民族傳過來的，然后進行漢化，經過一代代的演奏，變成我們民族自己的樂器。雖然樂器血統不一樣，但是演出時并沒有違和感，中國民樂就是“樂和天下”的寫照。

上海民族樂團從1952年創立到今天，一直扣住海派民樂這樣的特質，海納百川，既展現民樂的經典性，又勇敢地去進行創造，當然這種創新一定是有根有魂的，是在繼承的基礎上的，否則會很匠氣。我們既不能跟隨西方的價值觀走，也不能抱殘守缺，抱著老祖宗不放。現在若把古曲直接放到舞臺上，很多觀眾很難接受，包括我們一些青年演奏家也不愿意演奏。為什么？因為跟當代的審美心理有差距，古曲很美，但是四平八穩，時間很長，缺乏更多的變化。同時當今的時代，我們不能以我是民族的，歷史悠久，就高高在上，灌輸式的方式沒有用了，只有真正的非常有誠意地創作，拿出讓大家喜歡的作品才行。《海上生民樂》以及這幾天演出的“冬日彩虹”音樂現場，在民樂的當代性方面進行了探索。我們花了一年、半年的時間去打造這兩臺音樂會，這在紛紛趕進度的當下是非常奢侈的。我們希望通過不同的創新項目來帶動創作，帶動演出，帶動藝術推廣，樹立一些品牌；也希望能有更多像中國上海國際藝術節這樣的平臺。這次《海上生民樂》的演出，很多有才華的作曲家尤其是青年作曲家看到他們的作品被搬上那么大的舞臺，并獲得肯定，這對他們的激勵作用是非常大的。我覺得隨著生活水平的提高，民樂的春天來了。民樂是座沒有爆發的活火山，是非常有潛力的，創新方面也有無限的可能。

劉文國：上海民樂團的《海上生民樂》作為開幕式演出，是中國上海國際藝術節舉辦18年來第一次。此舉，確實充滿了挑戰。我們認為，中華優秀傳統文化是民族的血脈。民樂是國之瑰寶。我們要充滿文化的自信，只要堅持中華美學精神，堅持開拓創新，做到中外交融，那么，要實現具有海派文化特點的高水平文化演出，且融入音樂文化和城市氣質，是可以實現的。

在整個策劃中，我們堅持16個字：中國元素、國際表達、中國故事、世界演繹。我們認為，民樂要走向世界，必須不斷國際化。這樣，才能在世界舞臺上出現越來越多的中國制造的民族音樂作品，用中國音樂的母語，講中國的故事，與世界進行對話，這是整場演出的靈魂。《海上生民樂》不僅是上海民樂的最高演奏水平，還要體現海派文化兼收并蓄和時尚多元的風格，重質感而清新，重內涵而輕盈。

羅懷臻： 這臺音樂會某種意義上來說有文學性，即共鳴點，就是我們能找到大家交流的東西。大家都在談論創新，但是沒有足夠的底氣，沒有扎實的功底，這種創新是令人擔心的，也是搖搖晃晃的。敢于做轉化型的創新，沒有足夠的積累和自信是做不成的。《海上生民樂》這臺音樂會從舞臺到舞臺背后，都讓人感覺到它的文化自信，中國上海國際藝術節敢于拿它做開幕式也和這座城市近年來所體現出來的那種自信、自覺是有關系的。

文化自覺就是擔當，自覺就是敢于嘗試新的演出樣式，敢于去爭取非專業觀眾，這個需要勇氣，誰敢？不少有才華的藝術家為了幾百人的老觀眾耗盡畢生。但是一門藝術如果只剩下內行觀眾和聽眾在追隨它，就已經宣布這門藝術衰落了。一門藝術在興盛的時候，會有大量的外行觀眾和聽眾在追隨它，當一門藝術僅僅被動地滿足迎合內行欣賞的時候，它表現的是極大的不自信。《海上生民樂》實現了整體性的審美品格轉化，任何一支曲子，每個人在演奏方面、演出方式上都有變化，既古典又很現代，與所處的大劇院的演繹環境構成一種和諧，贏得了市民大眾。一場音樂會也像一臺時光機中的一個齒輪。民族音樂的這臺時光機在不同的時代都有不同的表現，并代代相承。這次的演出在民樂的時光機上刻下了濃重的一筆，加入了時光的齒輪，它通達傳統，立足當代，面向未來，它是不可或缺的一個重要環節。

《海上生民樂》這臺音樂會也契合中國上海國際藝術在創新方面的追求，以及民族語言國際表達的目的。這也體現出上海文化創造的一份自覺擔當。期待我們上海舞臺藝術都有這種整體性轉換發展的意識，由此我們的海派文化就會又像二十世紀初的海派藝術一樣，對中華文化藝術在全世界范圍內的創造性轉化和創新性發展，起到至關重要的作用。