不是背離而是另一種推廣

9月19日晚，田蔓莎概念川劇《情嘆》上演，910個座位的上戲劇場座無虛席，四千多平米的空間只有一個焦點——那就是舞臺，那就是戲中角色焦桂英。

有技術更有藝術

傳統戲曲是一門“口傳心授”的藝術，重“口傳”更重視“心授”，傳“技”更重傳“藝”，但當今的戲曲舞臺上，飚“技術”無“藝術”的作品卻很多，田蔓莎概念川劇Ⅸ情嘆》很難得的就是既有技術更有藝術。

田蔓莎是一位成熟的藝術家，其成熟的表現在于戲曲功底的扎實和規范。舞臺上，田蔓莎手、眼、身、步分解動作的展現在技術層面上分析無可挑剔；其成熟的表現更在于藝術的追求和思想的探求上，田蔓莎在舞臺上呈現的愛、恨、念、唱塑造的是一個有血有肉、有情有愛的焦桂英，而不是一個簡單的拿腔拿調，炫技飚腔的焦桂英。整場演出，不但呈現表演的藝術性，也表現出了舞美、燈光、服裝、道具的藝術性，這些元素與表演融為一體，恰到好處。田蔓莎說：“我在實驗的過程中發現傳統戲舞臺上的道具可以不僅僅是道具，也可以是表演的對象”。

有意味更有意義

漆黑的舞臺上，光束打在了一雙彩鞋上，燈光暗去，又一束光打在了各種情態的手上。隱藏于幕后的樂隊搬上舞臺，除了伴奏之外還承擔了“幫腔”和群眾演員的職能，這些是整場演出的基本形式，簡約卻不簡單。難得的是，田蔓莎概念川劇《情嘆》既不會因為追求簡約而簡單，也不會為了壯觀而奢華，其演出的形式是為了內容的需要。田蔓莎請樂師直接坐在臺上演奏，參與到演員表演之中，戲演到“文革”一段時，六位樂師甚至出現在舞臺上，拿著彩鞋往主演身上砸，以此表現演員被趕下舞臺的情景，這種形式的處理是為了內容的需要。有研究者認為田蔓莎概念川劇《情嘆》有命運的哀嘆、靈魂的拷問，更有對于命運的掙扎，該觀點的生成立足于該劇的思想性，概念川劇《情嘆》中，田蔓莎的表演富有提示意義，有深度，富有哲理。

有創新也有傳承

在《情嘆》首演至今的五年里，很多人追問田蔓莎的創新是否丟失了傳承。觀看“情嘆》演出后，我們應該看到，傳承恰恰是其創新的目的之一。在《情嘆》的表演中，我們可以看到很多傳統戲曲的元素，不管是手、眼、身、步的表演動作還是以象征、表意和借喻為主的表達手法，田蔓莎的創作還是在堅持傳統，這是當代戲曲藝術家的自覺和自信意識的體現。在戲曲界往往有這樣的觀點，有人認為繼承就是原汁原味的保留，至于這種保留是否可行?是否有意義?他們卻想得很少。其實原封不動的保存根本不可能，從某些角度說，這是一種逃避歷史責任，并且懶惰和無能的表現。戲曲的前輩藝術家是傳統藝術的弘揚者，更是藝術創新的先驅者。戲曲界還有這樣的觀點，認為創新不需要基礎，不需要傳承，持此觀點者經常掛羊頭賣狗肉，借助戲曲的形式，達到功利的目的。沒有傳承的創新就不是創新，那是生造。田蔓莎是當代戲曲藝術改革的前行者，但她很謙虛，也很敬畏傳統藝術，她有創新的氣魄，但不會為“新”而生造。她經常說是傳統藝術給了她滋養，她有傳承的責任和義務，只是傳承的角度不同。她正在探索讓更多的觀眾認識、理解、喜愛戲曲的道路，這條道路不是背離傳統，而是另一種推廣傳統。