2011倫敦設計節:霧都嘉年華

從平面設計到新媒體，從布藝到陶瓷，從產品到展會……自2003年開始的每年9月，來自全球的設計師齊聚倫敦，連續9天秀著自己一年中最好的作品。在霧都的這場嘉年華里，設計師既是創造者，也是出售商；參觀者則變成了好奇的孩子，接受著靈感之源的洗禮。

2011年的設計節從9月17號開始，到25號結束。它和往常一樣，分布在5個區域：布朗普頓（Brompton）、科芬園（Covent Garden）、費茲洛維亞（Fitzrovia）、克拉肯韋爾（Clerkenwell）、肖爾迪奇（Shoreditch）。每個區各司其職，比如布朗普頓區作為中心，云集國際、室內和設計展；而科芬園和品牌Lego合作，主要展出本地人的作品；費茲洛維亞由歐洲設計中心主導，推出一系列陳列室。

不同于往常的是，2011設計節不僅和著名的VA博物館合作，展出大型的建筑設計，還首次在圣保羅大教堂里：來了一次紅裙表演。就像英國財政大臣George Osborne所說：“我們需要這些詞匯：‘英國制造’、‘英國創造’、‘英國設計’、‘英國發明’，來把我們的國家推向前。”這不只是單純的愛國主義，更是一種實用主義：讓英國的經濟危機在創造中得以解脫。

建筑

在克倫威爾路上，VA博物館的門前正在經歷著一場巨大變化。建筑設計獎獲得者AL_A與Arup的建筑師合作，設計出了一個原木波浪。它的直徑有12米，呈現出三維的螺旋狀，像閉合的樓梯一樣，包裹著隱形的動態美。

原木波浪的材料為涂油美國紅色橡木。這是藝術家們第一次將它運用在大規模的建筑上。他們把超薄的層壓板黏合在一起，制作出緊密的波浪形狀。這個項目是由美國硬木出口委員會贊助的，燈光則來自Seam設計的支持。簡潔的設計和維多利亞式的老建筑相得益彰，像現在和過去的親密對望，而博物館的外觀也隨之年輕和靈動起來。

來到博物館的約翰·馬德伊斯基后花園，水波依舊蕩漾，只是又承載了一樣新裝置：由Ron Arad設計的拇指指紋椅，為青銅材質。Ron Arad說：“通常情況下，你看到你的作品在工廠里被做出來，然后消失在世界上的某個角落，你無法真正地去了解它。青銅是喜歡待在水里的，這從那些生長出的銅綠上可以看出來……說到拇指指紋，就是一個巨大的拇指把它的紋路留在某個地方。現在每個地形都有它的指紋，我也希望留下這種形狀的美，但它不屬于我，它屬于自然……我很高興這樣一件私人的、通常消失在私人世界里的作品，能在公共場合享受陽光。”雖然不能真正地坐上去，但這個椅子讓意大利式的花園多了一點后現代的意味。那裸露的材質，像純粹的核心一樣，凝聚著自然的美感。

坐落在盧德蓋山頂上的圣保羅大教堂在建筑界享有盛名，它的穹隆是世界最高的穹隆之一。由克里斯多弗·雷恩爵士設計的這件作品，已經陳列了300多年。在這次設計節上，建筑師John Pawson完成了他的愿望：讓每一件作品加上科學的元素。John在西南塔的幾何梯上創建了一個金屬和水晶做成的半球體。于是，當人們望向球體時，仿佛置身于塔頂，還能比肉眼看到的更加壯觀。就這樣，那面具有反射性的弧形鏡，讓歷史的角度匯入了現代的視野里。

設計節里的建筑新穎別致，它以古老和精妙的建筑為基礎，卻并不張揚；或升華，或補充，讓過去的景色在現代的技巧里精神煥發。這正是設計的魅力所在，不需要推翻，只需要稍稍變換，一個新世界就能緩緩展開。

工藝

2011倫敦設計節上呈現最多的還是工藝藝術家們和他們的作品。這些藝術品大多數也是商品，而藝術節上的出售和交易，亦構成了創意產業的重要一環。

設計師Maya Selway的隱形花瓶，由銅做成。它的樣子讓人想起一幅未完成的簡筆畫，而不是真正的花瓶。Maya曾說：“我的技巧和畫畫有些相似，因為我會用銀去留白以及強調堅實的形式。我用黑色的線條來描繪，和畫畫中的明暗對比一樣。”于是這件看似隱形的花瓶被制作了出來，像實現一個抽象的概念一樣有趣。

拉斐爾藝術館則請來了組合設計師Ronan Erwan Bouroullec，為紡織公司Kvadrat設計了一個裝置藝術：織布之地。它的靈感來自拉斐爾的著名畫作，將用柔軟的纖維創造一個龐大的、由上色的海綿和布藝制作而成的“休息廳”。

聲稱要讓科學和藝術相結合的藝術家Rob Kesseler，在培養完一棵喜馬拉雅之樹后，又展出了自己的陶瓷作品。對自然和植物頗感興趣的他，制作出了雅爾丁陶瓷的《紅色冠軍》。粉紅色的花株搖曳在花瓶的表面，似乎用不著再用真的花朵裝點了。

“暗房”公司顯然深諳藝術之道，他們借用了德·斯太爾畫派的矩形靈感，以四季為主題，制作出藝術感十足的盤子。“我們‘厚顏無恥’地偷了德·斯太爾運動的色塊和比例，在新的方向下再造了它們。”而Geffrye博物館則以“城市中的陶瓷”為題，開起了三天的銷售集市，算是把“創意”的產出利用到了極致。

如果仔細觀察設計節上的作品，會發現國際化的作品很多，而本土化的作品也保留了原汁原味。比如丹麥的《先鋒花園》以美麗的死亡為主題，用各種不同的原料，如木頭、陶瓷和織物，創造出一個魔法的世界；再如英國針織設計師Charlene Mullan以倫敦為藍本，用傳統的技法加上詼諧的表達，縫出某個有趣的倫敦場景。

家居

在人們把審美引入普通生活之后，選擇具有美感和創新感的家居器物被提上了日程。倫敦設計節上千奇百怪的家具，打破了固有的居所觀念，讓空間隨著曲折的形狀變得有趣而多姿。

Thomas Feichter是來自澳大利亞的一名工業設計師。由他設計的水果碗，不是普通的圓形，而是內外平面相互交織。乍一看，水果有可能從開口處掉下來，實際上它可以被固定住。通過減少水果和碗的接觸面，承壓區域變小，損傷水果的潛在力量被減弱了。這樣的科技效果，結合著設計上的雕塑感，讓傳統的桌面文化得以改變。他的另一個沙發作品，由幾個面組成，營造出冰面的效果。這種沙發不需要縫合，所以生產速度快。外形獨特，實用且多產，這大概就是Thomas的設計理念了。

荷蘭的勞倫斯設計事務所遷往倫敦，準備大顯身手。他們在設計節上展出的沙發“聚在一起”，由上等的Kvadrat布制成，呈現出全新的顏色和組合；而另一個燈罩作品《高掛的燈籠》，和作品《大魚》一起，構建出一個自然的主題；五張傾斜的椅子，像五個神態各異的人，湊出一個妙趣橫生的場景。

新概念

除了在形態上創新，倫敦設計節還在新概念上下足了工夫。英國素有重視“環保”的特點，所以設計展上也少不了和再回收有關的產品。

法國設計師Thierry Jeanot 和澳大利亞藝術家Gisela Stigegler用包裝廢料制作了燈具，并取名為《受到啟示的燈》。那盞看上去華麗的枝形吊燈，材料為1500個塑料瓶，是在墨西哥城窮人們的幫助下完成的。它們偽裝成奢華作品，看上去和水晶一樣美，打破了人們對塑料的傳統想法。審視事物的價值，做出再回收的可能，讓環保、實用和美感兼備，是Thierry和Gisela傳達給我們的有效信息。

設計師們不僅對實物創意感興趣，也對“設計”這個概念本身感興趣。概念客廳就是一個關注靈感迸發和思考過程的項目。它包含了三個方面：想法的誕生、平臺和工作室。在一個獨立的空間里，有許多事情正在發生，比如展覽、演講和辯論。通過一種看似單一實則專注的方式，設計本身變成了一件由多個理性部分構成的現實。

在一件出色的設計背后，總是有著瑣碎的日常和重復。藝術家們到底在干什么？《銀，在哪里》用設計的方式表達了他們的態度。“我是個金匠、銀匠、金屬制造者、首飾制造者，不過我通常不做湯匙、碗和戒指，我可以但是我不會去做，有時候我會做，要生活嘛。我想我就是個制造者，我做東西。”在這里，Tandem藝術館通過一些重新闡釋和創作的日常用品，探討一個制造者的生活。我們似乎隱約看到一種聯系，圍繞在身邊的各種物品，是龐大的也是私人的，那些自己珍視的東西，對于別人來說，可能是廢物。我們的物品也有階層，它們演示著我們如何度過自己的人生。

35萬以上的人參加，23個國家的參觀者，這些數字不僅迎合著設計節的主題“制造者的游行”，也讓倫敦設計節變成了創意的海洋。即使經濟依然低迷，但人們對于藝術和設計的熱情絲毫不減。在一個以美和創意為基石的國家，生活的質量除了通過金錢來衡量，還有更多元的方式來呈現它的活力和質感。