高雅與粗俗藝術之爭：波普藝術到波普蔓延成災

[摘要]波普藝術作為20世紀最重要的藝術運動之一，開拓了后現代主義藝術的先河。它的代表人物有安迪·沃霍爾、羅伊·里奇騰斯坦等。

[關鍵詞]波普藝術 通俗化 紐約學派 安迪·沃霍爾 羅伊·里奇騰斯坦 政治波普

前面，我們曾經提到羅伯特·勞申伯格是一位一心想打破傳統美學范疇的界限。又以自己的創作來打破傳統的文化藝術的高低貴賤之分的激進的先鋒派藝術家。那么。后來出現的波普藝術也同樣對于文化藝術的高雅與粗俗之分、貴賤之分和美學范疇之分產生懷疑和挑戰。

一、波普藝術的誕生

波普藝術(Pop Art)。這個詞本身就充滿爭執，它是由兩個詞合并而成，即Pop orpopular，和Art即民眾或流行和藝術，這兩個原來對立的詞連接而成。實際上首先提出波普藝術這個概念的人是一位名叫勞倫斯·阿洛威的英國文藝評論家，他使用這個詞來指代那些表現大眾文化的藝術作品。不過阿洛威這里所指的大眾文化并不是那些產生于英國本土的民間文化。而是那些從美國輸入進口的美國流行文化。由此我們得知所謂的波普文化藝術和美國的流行文化之間的密切關系。

戰后的英國曾經歷過一段物質匱乏的時期，而美軍和美國商人從美國帶來的各種消費品吸引了英國人的極大興趣。從戰后開始。英國人就逐漸孕育出某種對于美國文化的略顯浮夸的迷戀和夢想，特別是英國年輕人對于美國的物質和流行文化的著迷程度達到了極點，美國的高度商業化、豐富的物質產品乃至自由的生活方式以及層出不窮的以美國好萊塢為代表的通俗流行文化等，都讓年輕人迷戀而被誘惑。

當時在倫敦當代藝術學院(lnstitute ofContemporary Art，簡稱ICA)活動的一群年輕的藝術家包括畫家、建筑師、雕塑家和文藝批評家們，從五十年代初期就開始了一系列討論，他們還成立一個“獨立小組”(independentGroup)，其中有阿洛威、雕塑家愛德華·保洛茲、建筑師埃里森和班哈姆，藝術家理查德·漢密爾頓等人，他們對于死氣沉沉的維多利亞式的保守主義所造成的英國的文化氣氛以及已經進入暮年的所謂的浪漫主義藝術創作深惡痛絕而企圖進行突破。1966年，這個小組租借了懷特·查佩爾美術館舉辦了一個名叫“這就叫明天”的展覽。在展覽館入口處，一幅題為《究竟是什么使得今日的家庭如此不同。如此溫馨?》的招貼畫引起了觀眾的興趣。

這幅畫的作者是理查德·漢米爾頓(Richard Hamilton，1922)。這是一幅尺寸不大的為這次展覽專門設計的招貼畫(大約是25X26 cm大小)，是一幅拼貼畫作品。畫家把當時流行雜志中的一些最具有代表性的、流行的形象集中在一個“生活場景”之中，畫面上引人注意的是一位肌肉健壯的男性和一位身材苗條的女性。這對健美男女正在搔首弄姿地顯示他們健美的身姿和男性夸張的肌肉，特別是他手中拿著一個十分可笑的，令人想起陽具的大棒棒糖，而且上面突出印著POP的字樣一這是POP，即波普。這個詞第一次出現在藝術品之上。這對男女處在一個堆滿了各種產品、雜物、招貼畫的房間之中。這些令人眼花繚亂的流行東西，不斷地提示人物的身份——中產階級——和他們的生活類型——典型的流行生活方式。透過窗戶，我們看到街道上的電影院和男明星艾爾·喬爾森的海報。這樣，這幅畫就幾乎囊括了當時中產階級的生活中所觸及的所有新產品和流行文化形象。這個作品，正如漢密爾頓在1957年對于波普藝術所下的定義：通俗，短暫，風趣，性感。噱頭，迷人：同時還必須是廉價的，能夠大批生產的，年輕而能夠賺大錢的。這顯然就是藝術家對于當時流行文化的一種認識和解釋的概括。

此外，這個作品還具有一個更大的意義，即它奠定了波普藝術的創作方法，也就是通過直接地“拼貼”社會生活中的一些形象來創作作品。這種創作方法和時尚的“現成品”藝術。以及達達主義的“拼貼”技法大同小異。也正是借助這樣的創作方式，漢密爾頓的作品對于美國的流行文化進行了反諷。他的作品也表明波普藝術的形象雖然來自大眾文化，但我們不能把波普藝術簡單地歸入流行藝術或大眾藝術之類，這是因為這兩者在文化態度上并不相同。正如批評家羅伯特·休斯所講：“波普藝術遠遠不是大眾化的藝術，而是受過高級訓練的專家為大眾制作的藝術。”實際上我們可以概括之，波普藝術體現出藝術家想重新關注當代生活以及試圖彌合藝術與大眾之間的鴻溝的愿望。

漢密爾頓似乎十分關注具有代表性的社會新聞，并用于藝術創作。1986年，他使用了當時各大報紙雜志發表的重要照片：一位搖滾樂隊的樂手因吸毒而被捕，他的雙手被銬。漢密爾頓很快以此為范本而制作了一系列繪畫和絲網印刷作品，這樣這個搖滾樂手就成為了一位由于仇恨資產階級社會秩序而被壓制的反社會的受害者了，從而被廣大青年認同。得到了廣泛傳播。但是從整體來講。除了漢密爾頓和他的著名作品之外。英國佬的波普藝術，實在難以找到什么再令人激動的東西和人物了，而波普藝術則在大洋彼岸的美國得到了發展。

二、美國波普藝術的發展

波普藝術能夠在美國發展，絲毫不足為奇。因為波普藝術最早的出現就是英國人對于美國流行文化的憧憬之中。但作為一種新藝術潮流，波普藝術似乎還是吸引了不少美國的年輕的藝術家，他們借鑒了英國人的創作方法，而賦予新的氣息、精神和內容，一時之間，美國出現了一批波普藝術家，包括有彼得·布萊克(Peter Black，1931)，理查德·史密斯(Richard Smith，1931)等人：還有1961年舉辦的“當代青年藝術大展”中的彼得·菲利普(Peter Philips 1939)，德里克·博西爾(Derek Bosher 1937)，艾倫·瓊斯(Allen Jones1937)，戴維·霍克尼(David Hockney 1937)等人。他們都對于大眾生活和通俗文化深感興趣。不過這些人的藝術概念和觀念，以及個人經歷和精神氣質上面有很大的差異，從藝術創作來講把他們都列入波普藝術之類，的確不很確切，因為有些人被歸入在“現實主義者”之列更為妥當一些。艾倫·瓊斯是一位值得介紹的藝術家。這個人曾經別出心裁地創作了一些頗具爭議的“家具”。在六十年代晚期，他用玻璃鋼制作出一系列身穿皮質內衣的半裸女人體，把這些半裸女人體當作家具的支架，而制成一系列諸如座椅，茶幾和衣服架等，這些女人體被引人注目地陳列在具有色情味的毛皮床墊上，而且她們的體姿明顯地表現出強烈的肉欲感和挑逗的成分。雖然在展出期間，作品受到了女權主義分子的抗議和批評：但瓊斯本人不為所動，堅持申辯說他的想法來自于古希臘——把女性身體作為某種建筑成分是歌頌而不是褻瀆女性。有趣的是，這一批女人體家具馬上就被人訂購收藏，而后在拍賣中價格非常。

三、波普藝術的弄潮兒：安迫·沃霍爾

在美國波普藝術家中最享盛名的就是這位安迪·沃霍爾先生了。

安迪·沃霍爾(Andy Warhol 1928-1987)1928年8月6日生于美國匹茲堡的一個普通的斯洛伐克移民家庭之中。1940年，安迪·沃霍爾畢業于卡耐基技術學校之后，來到了紐約。他先后為《時髦》、《紐約客》、《哈佩市場》等流行雜志設計廣告和繪畫插圖，頂多算是個二流畫家，但這個家伙頭腦靈活而且厚臉皮。1958年，他用金葉粘貼的形式，制作了“明星的鞋子”。此后他周游世界。1962年，他以剛剛自殺身亡的好萊塢明星瑪麗蓮·夢露的照片為材料制作了一個系列作品，被譽為美國波普藝術的代表作。1967年。這個家伙又以中國偉大領袖毛澤東照片為原始素材，制作出一個毛主席系列作品。在紐約現代藝術館展出。此后。1982年他來到中國訪問。除了登上長城之外，他還發現中國某些年輕的藝術家已經開始步其后塵而進行中國波普藝術的創作了。在美國波普藝術圈中，安迪·沃霍爾是最具有知名度的(但未必是最受尊敬的)家伙。這個人可算是把波普精神充分發展的多面性人物。從人人熟悉的物件例如可口可樂罐、罐頭湯、清潔劑到流行文化明星。如貓王、瑪麗蓮·夢露、伊麗莎白·泰勒等影星乃至某些政治明星等。無不成為他的單一影像作品而被擺放在公共場所。他還參與電影創作，但幾乎從來沒有成功過。沃霍爾可算是把美國的商業文化吃透了的怪家伙，他身著怪異，頭戴著淺色的假發，出沒在各種公共場所，口里時常嘮叨著，誰也弄不清楚他是什么意思。他經常出沒于名人的私人俱樂部和高級宴會等，例如名歌星瑪丹娜的隱秘的結婚婚宴。他是座上賓。他從不忘記在電視臺露面，不時出現在熒屏上胡說八道。他可是美國藝術界有史以來最重視媒體宣傳的家伙。他很清楚大眾傳媒出現之后這個社會發展會產生什么變化，他順著潮流是得心應手的弄潮兒。一度成為傳媒的寵兒。沃霍爾曾經多次公開聲稱：“現代商業社會需要的不是藝術大師，而是超級明星。所謂的明星就像夜空中劃過的流星一樣，突然出現又突然消失，因此每個藝術家都能夠出名15分鐘。隨后就會被新的明星所取代。而在我們這個時代很難出現永恒的大師。一個藝術家活在世上，如果不能迅速出名。那么死后很快就會被人遺忘。因為社會變化的節奏太快，人們沒有時間去尋找類似凡高這樣在死后出名的偉大藝術家”。

沃霍爾的自白很清楚地表明了后現代主義的藝術觀念。他本人不但說得出。也做得出來。他重視自我包裝，并以各種手段和方法進行自我推銷。可以毫不諱言地講。安迪·沃霍爾是最厚臉皮的，也是第一個利用商業模式進行運作的波普藝術家。而妙的是他竟然以此獲得了商業上的巨大成功。

沃霍爾的成功還和他對于當代社會的深刻理解和認識有關，他很早就意識到，在目前這個大眾傳媒嚴格控制下的世界里，人們已經被逐步演變和塑造成為一個個個性和愛好基本上相似的群體，在這樣的社會形態下，所謂的自我只不過是一個岌岌可危甚至虛幻的東西，簡言之，自我根本就不會存在。沃霍爾更為直截了當地說：“我覺得所有人都是一個機器，人和人是相似甚至是相同的，因為你每天在同樣的時間做同樣的事情，而且是日復一日地做。至于‘創作’當然是個很美好的東西。但是現在已經很難說什么是創作，什么不是創作了。人們可以把我畫的鞋的效果圖叫做創作。那么為什么我的藝術不是創造哪?人們不過是在復制各種東西而已。甚至藝術家也是如此。”基于這樣的藝術創作觀念，沃霍爾毫不掩飾地聲稱：“我就是一臺機器!”，他還把自己的創作工作室起名為“工廠”，而由這個工廠大批地復制出波普藝術作品，而且成批地銷售。到了七十年代，沃霍爾開始關注政治人物，并且把這些形象向空間延伸并復制。沃霍爾的作品幾乎全面地觸及到我們這個時代的所有的明星，包括廣告明星，電影明星，歌星，政治明星乃至犯罪明星等等。但正如一些學者指出。沃霍爾創造這些形象時絲毫不關心他們的社會學特征，而是更關注傳媒是如何使得人們的視覺逐步變得非美學化，乃至對于一切都感到索然無味和麻木不仁了。沃霍爾的作品的確也是這樣索然無味。例如他曾經拍攝一部電影作品，在長達六小時的影片中，只有一個人即他自己在睡覺，除此什么也沒有。沃霍爾死于1987年，他的死也是一個謎!

四、波普藝術群

由安迪·沃霍爾領頭，在上個世紀六十年代中。美國紐約出現了一批波普藝術家，形成一個群體。下面我們僅僅選擇幾個家伙進行簡介。

羅伊·里奇騰斯坦(Roy Lichtenstein1923)，他和沃霍爾的不同在于他從來沒有迷戀過影視中的形象。而是對印刷品深感興趣。1961年。他為自己的兒子制作了第一個米老鼠，他專門挖掘排版藝術、連環畫藝術和卡通。里奇騰斯坦可以說為波普藝術提供了最吸引人的某些原型。它們是對二十世紀藝術史的某種重新解釋，他以一種文摘索引式的基本形式出現，并且系統地以彩圖冊子進行篩選。印刷的框架成了繪畫材料的某種替代品，精英文化的一些主題，題材。標志和具有民族文化的主題，題材和標志相互撞擊，使得在機械復制的波普時代中，繪畫藝術上可以得以生存，可以說里奇騰斯坦是波普藝術群中難得的一位嚴肅的藝術家。

另外一位值得一提的是詹姆斯·羅森奎斯特(James Rosenquist)，他原先是一位大型廣告牌的繪制工人或油漆匠，后來從事波普藝術創作，他把這種巨大的廣告牌的形式引進到波普藝術創作之中。1967年，他創作出波普藝術最引人注目的大型作品F117，這個作品幾乎覆蓋了整個展廳的一面墻壁，一架和真飛機一樣大的美軍F117轟炸機向觀眾迎面飛來，產生極為強烈的視覺轟炸效果。有趣的是畫家把這種在越戰中奪取無數越南人的生命的殘酷戰爭武器，同大眾熟悉的美國商業廣告并置在一起，形成強烈的對比。實際上，這正是畫家想要表明的美國的社會現實：一方面，自我滿足，為了所謂的美國精神，不惜犧牲千萬人的生命：一方面，又標榜美國式的樂土。羅森奎斯特自己說：“我當時在時代廣場工作。畫廣告牌，幾個工人在旁邊開玩笑說原子彈目標的中心就是卡耐基大街和百老匯。那里才是俄國人導彈瞄準的地方”。“垮掉派的人，如克魯亞克和羅伯特·弗蘭克，迪克·貝拉米。金斯堡和科索等人，他們的第一感覺就是炸彈正在投射轟炸，他們被這個想法擊中了，因此感到震驚，而且有點受到威脅。因此這就是垮掉派想法的重新申訴，但我完全是用色彩表現出來的。”從這段話，我們不難看出羅森奎斯特企圖通過這個大型作品來表達他的真實的生活體驗。實際上也包括這位波普藝術家的對于美國社會進行批判的嚴肅態度。也正是因為。F117的明顯的意識形態和政治批判內涵。使得某些學者把他和他的作品稱為政治波普。

同屬于政治波普(Political POP)的還有一位愛德華·基因赫爾茲(Edward Kiebholz)先生，他在1968年越戰期間創作了大型雕塑“可攜式戰爭紀念”，以美國的二戰期間出現的一幅流行宣傳照片，即幾個士兵在太平洋對日戰爭中，把一幅美國國旗插上敵軍陣地山頭的場面。戲劇性地設計成一個雕塑作品：其中表現的是幾個美國海軍陸戰隊士兵將美國國旗插在一個咖啡館的露天陽臺上，而在旁邊的黑板上則記錄著美軍的多次戰爭勝利的戰績。不難看出這種設計是對于美帝國主義的軍事霸權和所謂的愛國宣傳極大的嘲諷和批判。據說美國電影導演斯皮爾伯格就很喜歡這個作品，并由此產生創作《父輩的旗幟》的電影作品。

說起美國流行文化，不能不提起性和色情，因為這是充斥美國文化的重要組成部分。美國波普藝術家不乏以此為題進行創作的人們。湯姆·韋塞爾曼(Tom Wessetmann)就是一個代表。他關注的不是傳媒中的形象。而是美國人的生活場景。他所創作的大型系列《偉大的美國裸體》，他把畫作放置在一個對室內的舞臺上面。然后再在一個大銀幕上放映各種各樣的美國女人的裸體身體的各個部位，例如鼓鼓的紅嘴唇，胖乎乎的身體等，表達出一種強烈的色情味道。

克拉埃斯·奧登伯格(Claes ThureOldenburg 1929)應該說是最偉大的波普藝術雕塑家了，他也是20世紀60年代最為激進和最富有創造性的藝術家。他早先制作了大量的糕點鋪或肉鋪的貨攤，上面擺放很多色彩引人的塑料食品。然后又轉而制作了一些既龐大又有諷刺性的物品，例如凱旋門等。后來。他開始采用乙烯基和帆布等軟性材料制作一些仿制品。比如他用毛茸茸的毛皮來包裹抽水馬桶。杯子，碟子等，產生某種色情味道。

五、小結

波普藝術的出現，通常被視為戰后最為重要的西方文化現象之一。它的最為突出的重要性就是它從實踐到理論都是對于西方現代主義的否定。波普藝術家不再把現代藝術家自我標榜的強調自我、個性、原創性以及形式上的自律奉為神圣的法律條文。而是將藝術的大門盡可能地向生活打開。藝術家可以盡自己的努力從通俗的流行文化尋找資源。并且不斷地復制再復制，加倍地呈現在大眾的面前。總而言之，波普藝術的精神是非常美國化的。它有著富麗堂皇的生活品質，幾近淺薄的盲從意識。比如可口可樂征服世界——包括中國。就是受到這種普而從之的意識的影響。波普藝術對于影視明星的熱衷。對于名利的經營講究手段和技巧，以及商業化的經營方式來處理藝術和藝術品等等，都不能不說是具有劃時代意義的。雖然。在藝術創作上。波普風格并未曾成為主流。它如同沃霍爾所說的明星一樣閃光即逝，但波普藝術對于通俗文化的同體同步，的確改變了人們接受藝術的態度，如今大家都能夠將一些俗不可耐的東西當作高雅藝術來接受和消化了，我們不得佩服和承認它的魔力。此外，雖然三十多年來，波普藝術并沒有持續蔓延和流行發展，但是，它對于現代主義的美學的破壞和改變，以及使得藝術通俗化、普遍化，甚至在影響到一般人對藝術的體諒上，確實是立下了汗馬功勞。因而具有一定的歷史意義。藝術的高雅和粗俗之分，在波普面前，都去他媽的!