富藝斯現(xiàn)當代藝術TOP10

巴斯奇亞領銜晚拍

領銜拍品為已故搖滾巨星戴維·鮑伊（David Bowie）舊藏的尚·米榭·巴斯奇亞（Jean-Michel Basquiat，1960—1988）1984 年肖像畫《無題》，由一位現(xiàn)場買家以659.4萬美元投得。作為巴斯奇亞在瑞典期間創(chuàng)作的18幅油畫之一，該作淋漓盡致地展現(xiàn)了藝術家標志性的圖像語言，以自傳性象征符號概括其開創(chuàng)性實踐的核心主題。通過紙本拼貼、亞克力、噴漆等多種媒材的綜合運用，他在創(chuàng)作中開展了對于質(zhì)感與色彩的深度探索，將獨特的視覺語言與其對社會政治的關切完美融合。

尚·米榭·巴斯奇亞是“二戰(zhàn)”后美國涂鴉藝術家，新藝術的代表人物之一。他出生于紐約的布魯克林區(qū)，他的母親是具有波多黎各血統(tǒng)的黑人，父親則具有海地血統(tǒng)。巴斯奇亞的涂鴉作品經(jīng)常把各種符號、文字放到畫面上，看起來像即興創(chuàng)作的作品，但是他作為生活在白人世界的黑人藝術家，在這些涂鴉繪畫和文字的背后是他的冷靜思考，表達了某種神秘性，好像在傳達一種宗教感和無處不在的政治，但同時也缺少直接指向性，觀眾可以感受到他生活中的矛盾心理。

美國西岸波普運動的先驅(qū)，艾德·拉斯查（Ed Ruscha）作于1998年的《艾華拿度玨杜赫尼》以490萬美元成交。此次上拍為《艾華拿度玨杜赫尼》創(chuàng)作逾25年后首度亮相拍場。作品中，積雪覆蓋的派拉蒙山巍然聳立，而該畫面作為標志性形象，已深植美國電影視覺語言逾一世紀。作品完美詮釋了在拉斯查的筆下，即便最壯麗的景色也會成為質(zhì)疑、反諷與戲謔的載體。

艾德·拉斯查1956開始在舒納德藝術學院學習商業(yè)藝術，而早期從事印刷裝訂工作的經(jīng)歷深刻影響其創(chuàng)作。其藝術實踐以文字為核心主題，將日常生活語言、城市景觀與商業(yè)符號轉(zhuǎn)化為視覺符號，創(chuàng)作媒介涵蓋油畫、攝影、版畫及藝術家書籍等，被視為將美國消費文化符號轉(zhuǎn)化為藝術主題的代表，深刻影響當代藝術發(fā)展。

同樣首登拍場，唐納德·賈德（Donald Judd）作于1988年，以精鋼和藍色有機玻璃制成的《無題“層迭”》以429.5萬美元成交。作為戰(zhàn)后美國藝術的標志性作品，空間、色彩與材料被整合成一個有機整體，彰顯了藝術家對材料研究的執(zhí)著，以及對材料自身屬性的堅定信念。

唐納德·賈德出生于美國密蘇里州，10歲時在父母的支持下，開始跟私人教師學習繪畫，這成為他踏上美術之路的第一步。成年后，他又先后在紐約美術學生聯(lián)合會、哥倫比亞大學學習進修。從1962年開始，賈德開始制作幾何形抽象雕塑，作品多采用非天然材料，如鋁合金、不銹鋼、有機玻璃等，并以裝置在墻壁上的矩形盒子的形式呈現(xiàn)。他強調(diào)作品的整體性，鐘情于工藝精良的作品外觀。但是，由于這些雕塑并不反映具體內(nèi)容或?qū)ο?，《無題》便成為賈德絕大多數(shù)雕塑作品唯一的標題。經(jīng)過30余年不懈努力和認真探索，賈德以“極簡主義”雕塑的代表人物載入美術史冊。

此外，首登拍場的格哈特·里希特（Gerhard Richter）“攝影繪畫”系列的重要代表作《男人與兩個孩子》以417.4萬美元成交。這幅珍貴而動人的作品曾屬德國藝術家布爾基·巴勒莫（Blinky Palermo）私人收藏，是對友誼的深情禮贊，描繪了里希特的合作伙伴兼密友西格瑪·波爾克（Sigmar Polke）童年時與家人的溫馨場景。作為里希特具開創(chuàng)性的“攝影繪畫”系列的重要代表作，作品不僅揭示了里希特藝術創(chuàng)作的概念根基，更彰顯了定義其藝術生涯這一關鍵時期的先鋒實驗精神與藝術家之間的深厚情誼。

格哈德·里希特1932年出生于德國德累斯頓。他最初接受的是現(xiàn)實主義風格的訓練，但隨著時間的推移，他對美國和歐洲同時代的更進步的作品產(chǎn)生了濃厚興趣。里希特開始越來越多地利用自己的繪畫來探索捕捉表達圖像，并在多種風格中嘗試探索，游刃有余。他的作品中通常包含偶發(fā)元素，以及現(xiàn)實主義與抽象之間的博弈。

作為最偉大的在世藝術家之一，里希特的作品在近年來拍賣場上的表現(xiàn)尤為突出。其中，數(shù)量最多且最亮眼的是他晚期的抽象作品，這些作品大氣磅礴，氣勢宏偉，視覺沖擊力極強。

“我是希望創(chuàng)作出預期以外的作品的。在這個過程中，隨機出現(xiàn)的題材、時機、靈感與破壞手法可能會形成一種獨特畫類，但從不會創(chuàng)造出預先設想的畫像……我只想從中獲得更多好玩的樂趣，而不只是創(chuàng)作自己能夠想象出的意象?！?/p>

理查德·普林斯（Richard Prince）作于2009—2010年的《殺手護士》以320.6萬美元成交。

1949年，理查德·普林斯在美國出生，他不僅是藝術界的革新者，也是挪用藝術的先鋒。普林斯的作品深受20世紀50年代大眾媒體（如電視、電影、雜志）的影響，他通過獨特的手法重新解讀了美國流行文化的象征和宣傳機制。

作為挪用藝術的先鋒，他的創(chuàng)作始終圍繞著盜用和抄襲的爭議。他于2003年推出的“護士”系列就是以挪用的方式創(chuàng)作的。該系列中的女護士都來自于20世紀五六十年代流行色情小說的封面，她們都戴著口罩。藝術家先將照片掃描，然后以油畫方式繼續(xù)創(chuàng)作，每件作品的名字都是所用小說的書名。

締造五位藝術家拍賣紀錄，女性藝術家表現(xiàn)亮眼

值得注意的是，首登晚間拍賣的奧爾加·德·阿馬拉爾（Olga de Amaral）和詹姆斯·特瑞爾（James Turrel）均刷新個人世界拍賣紀錄。

女性藝術家作品表現(xiàn)尤為亮眼——不僅奧加·德·阿馬拉爾的《遺失影像27》以116.84萬美元成交、為拍前估價四倍并締造新紀錄，另有三位女性藝術家作品亦創(chuàng)新紀錄，包含格蕾絲·哈蒂根（Grace Hartigan）的《第四日》以逾163萬美元成交，約為拍前估價三倍；琪琪·科格尼克（Kiki Kogelnik）的《雨天》經(jīng)現(xiàn)場與電話激烈競投后，由在線買家以逾35.56萬美元購得；以及伊拉娜·薩維迪（Ilana Savdie）的《帝國飲食和其他惡魔》以近23萬美元成交。

格蕾絲·哈蒂根（1922—2008） 是美國抽象表現(xiàn)主義畫家，也是活躍于20世紀50年代和60年代的紐約畫派（New York School）的重要成員。評論家和歷史學家將哈蒂根視為第二代抽象表現(xiàn)主義畫家和波普藝術的先驅(qū)，盡管她對這兩種分類并不完全認同。她的畫作被許多重要機構收藏，包括紐約現(xiàn)代藝術博物館。作為馬里蘭藝術學院霍夫伯格繪畫學院的院長，她還影響了許許多多的年輕藝術家。

《第四日》（1959年作）創(chuàng)作于其藝術生涯高峰，當時她逐漸在學術界獲得認可，個人風格亦正處于轉(zhuǎn)變期。完成后，同年即獲小威廉·A.M.巴頓（William A. M. Burden Jr.）購入，巴頓是銀行家、慈善家，且曾任美國駐比利時大使，也是紐約現(xiàn)代藝術博物館戰(zhàn)后擴建的重要推手。《第四日》尺幅宏大，以大膽的抽象筆觸和鮮艷的紅、白、藍色調(diào)捕捉了美國身份標志和戰(zhàn)后的雄心壯志。作品充滿獨立日的象征元素，喚起觀眾對于煙火、國旗和慶典的想象，飽含國家神話和個人表達之間的深層張力。

來自哥倫比亞的著名纖維藝術家奧加·德·阿馬拉（Olga de Amaral）是戰(zhàn)后拉丁美洲抽象藝術的先鋒。在1996年完成的《遺失影像27》中，她實現(xiàn)了編織、繪畫與雕塑的精妙結(jié)合，將纖維藝術的表現(xiàn)力推向高度抽象與建筑性的境界。這幅巨型作品以手工編織麻布和金箔創(chuàng)作，出自藝術家從20世紀90年代初開始創(chuàng)作的“遺失影像”（Lost Image）系列。

奧加·德·阿馬拉爾將基材旋轉(zhuǎn)成色彩領域，并在空間中編織構造線，探索手工制品和藝術品之間的邊界。從織錦的平面到由纖維制成的立體雕塑形式，這位哥倫比亞藝術家的作品跨越了60多年，反過來又進一步追溯到中世紀偶像畫的精神品質(zhì)和古代風格，或者現(xiàn)代主義網(wǎng)格的嚴謹和簡約，就像穿梭在織布機上一樣。

詹姆斯·特瑞爾（James Turrell）出生于1943年，是一位以空間和光線為創(chuàng)作素材的當代藝術家。從20世紀60年代開始，他就致力于探索光與空間的關系。特瑞爾深受數(shù)學、心理學的影響，這些多元背景使他對光線有了獨特的理解。在他的創(chuàng)作理念中，光不僅是一種物理現(xiàn)象，更是一種決定人類視覺體驗和感知的核心元素。特瑞爾認為，光線的存在不僅能形象化地再現(xiàn)世界，還能深刻影響觀眾對空間的感知，從而達到心靈的深層次互動。

特瑞爾的創(chuàng)作始終圍繞著“光”這一核心媒介展開，他將光稱為“視覺容器”，利用光的不同表現(xiàn)形式和特質(zhì)，探討視覺感知的邊界。他的藝術作品旨在通過使用高強度光投影儀等設備，制造出虛幻與現(xiàn)實交織的空間體驗，使觀者在光影變幻中感受到空間的無限與自身的渺小。這種體驗不僅僅是在物理層面上的對空間的重構，更是在心理層面上的對自我與世界的再認知?！栋悐W》是他藝術實踐的典型代表之一。

琪琪·科格尼克（Kiki Kogelnik）出生于奧地利，如今在維也納和紐約兩地生活和工作。她的藝術生涯始于20世紀50年代早期，到了20世紀60年代的作品主要探索人體形態(tài)和線條的勾勒。她經(jīng)歷了抽象派（Tachisme）和無具形藝術（Art Informel）階段，形成了獨特的神話象征符號系統(tǒng)，這一風格貫穿了她的整個職業(yè)生涯。

到了20世紀70年代，她的作品焦點轉(zhuǎn)向了對女性和女性特征的描繪與表達。她最初創(chuàng)作波普藝術時，就以批判的眼光看待技術熱愛與征服心態(tài)之間的關系。火箭、槍支、身體碎片、拼貼畫、噴漆和豐富的色彩，構成了她作品中獨特的元素。她的波普繪畫批判了漸進式烏托邦主義及對媒體世界的過度美化和理想化，《下雨》是其藝術風格的真實呈現(xiàn)。

伊拉娜·薩維迪（Ilana Savdie）1986年出生于哥倫比亞巴蘭基亞，以其超現(xiàn)實主義、色彩艷麗的大尺幅繪畫聞名，其作品包含了不可定義性、身份的流動性及通過入侵、控制和反抗來取代權力等的中心主題。

如同薩維迪的其他作品一樣，《帝國飲食和其他惡魔》的畫布上流淌著翩翩起舞、層層疊疊而又散漫隨機的形式，構成畫面的是一具具相互寄生的、被拆散的、漂浮著的、不斷演變的身體。器官、組織、肌肉、肋骨、骨骼和關節(jié)與抽象的符號形式融合在一起，仿佛形成了某種基礎的有機物質(zhì)，這些比例和相對的失調(diào)不斷加劇了結(jié)構性的破壞和坍塌。