資本架構之下的流行音樂產業研究

【摘要】民眾文化是實現文化產業的主要基礎和來源，而流行音樂文化自20世紀發展至今，幾乎已經覆蓋了全球大多數聽眾們的聽覺習慣，尤其是在信息技術發達的21世紀，流行音樂文化已經成為受眾面最廣的音樂文化之一。表象的流行音樂是一種備受追崇的文化產業，更深層的流行音樂無時無刻不被經濟因素所控制，西方的唱片公司甚至能夠用資本操縱流行音樂文化發展的動向。當代的流行音樂產業在經濟背景、科學技術、音樂公司、國家政策的助力下逐漸呈現出百花齊放的效果。資本架構對于流行音樂產業的影響是一把“雙刃劍”，對此我們應該審慎看待，也要理性分析與思考經濟因素對流行音樂產業的重大意義。

【關鍵詞】流行音樂；資本架構；音樂公司；音樂產業

【中圖分類號】J69 【文獻標識碼】A 【文章編號】2097-2261（2023）11-0052-04

一、音樂經濟發展的背景

18世紀中下葉至20世紀下半葉的三次工業革命，讓資本主義在世界歷史舞臺上擁有了話語權，尤其是工業革命后興起的資產階級跟勞動者、無產階級之間的兩極分化矛盾不斷加劇，社會矛盾逐漸明朗化。這不僅意味著生產力的提高，而且推動了思想的開放，乃至于諸多文化能夠得到廣泛傳播，逐漸形成了一系列的文化產業。

具體來說，西方經濟市場上出現了眾多五花八門的CD唱片、音樂影片、樂器、音樂雜志等關聯產品，豐富了消費者的文化生活，不同的音樂品味也是社會群體鞏固自己社會地位的基礎。二戰后人們對精神需求越加渴望，消費模式因此轉變，亞文化也順勢而出，特別是青年對這種反叛精神崇拜至極，音樂演出的次數成倍增長，隨之帶動的是音樂公司、經紀、娛樂行業的發展，這也是文化服務行業的“春天”。如果說影像制品和演出行業是音樂產業經濟的重要流通方式，那么對于音樂明星的包裝以及舞美方面的發展等產業，則可以說是音樂產業的附加產品，對于文化產業的發展有著不可忽略的作用。

當然，并非所有人都對資本化的流行音樂產業抱有好感。西奧多·阿多諾①以馬克思主義的立場出發，對流行音樂以資本主義的意識形態進行再生產的方式進行了徹底的批判和譴責，并將其上升到與暴力壓迫的精神緊密相連的地步。阿多諾認為流行音樂以大批量生產和消費的方式，所產生的新的勞動者以及消費者都被看作是限定于資本主義意識形態的產物，而馬克思主義所要批判的就是這樣的生產模式。并且他用“標準化”一詞來描述流行音樂的特征，因為流行音樂從結構上都可以簡單地分解開，在旋律、和聲、節拍和曲式上也沒有特別復雜，通過反復的排列組合，就可以制作出讓人耳目一新的音樂。黑膠唱片被大批量生產、銷售，阿多諾認為這是對原本應該多種多樣的人類精神進行了平均化的資本主義的裝置，每個人都自認為某首歌曲非常有共鳴力，實際上是制作人根據消費者的情感進行量身打造的標準化音樂。

二、科學技術的影響

從音樂的歷史來看，音樂家們從口頭傳播到樂譜相傳，從簡單的樂器組合到規模龐大的樂團，這一系列的轉變都是富有歷史成因和邏輯性的，樂器的發展與音樂的傳播也是現代音樂迅速發展的重要因素。

（一）樂器的發展

當聽眾們習慣了聽著管風琴音樂做禮拜，聽著交響樂團帶著嚴肅端莊的表情時，音樂技術也在不斷革新，并且逐漸改變人們的聽覺習慣。20世紀30年代出現的麥克風，20世紀50年代出現的電吉他，20世紀80年代出現的Moog合成器，以及80年代后開始出現的MIDI（音樂設備數字接口）。麥克風的出現在通俗歌曲演唱中掀起了一場革命，19世紀末的科學家貝爾（Alexander Graham Bell）等人發明了電話，雖然當時的拾音效果不太理想，但仍然在20世紀20年代被約翰遜（Johnson）追蹤為一種“表演配件”并在澳大利亞出現，這導致了新的音樂創作行為的出現和新的著作權歸屬。值得一提的是，當時的男性歌手抵制使用這種“人造”工具，因而女性歌手得以在20世紀30年代的音樂市場出彩。聲音錄制這一行業就是將“現場”音樂表演轉換為物質產品（錄音）的過程，聲音錄制以及混音的結果是由我們的人耳所決定的，所以錄音師和混音師通常扮演了“技術人員”和“藝術家”兩個角色。20世紀50年代的“芬達Esquire”是第一批大批量生產的流線型電吉他，它改變了吉他演奏者的人群范圍和種類，也改變了吉他演奏的方式和技巧。更寬廣的音域、更洪亮的響度都極大程度豐富了吉他的表現力，當然它能在更大的場地為更多的觀眾進行演出，在這一過程中也創造了新的音樂風格。流行音樂從具體樂器的聲音到人工合成的聲音，這主要歸功于合成器，20世紀60年代末，電子合成器出現并成為“20世紀最成功的電子樂器”，我們熟知的電傳簧風琴、泰勒明電子琴、哈蒙德管風琴等電子樂器，要么是發聲功能局限，要么是體積笨重、結構復雜。而以Moog為主導地位的制造商們對合成器進行不斷優化，與音樂家密切合作，又誕生“Minimoog”這一型號的合成器，它更加便宜、便攜、穩定，并成為后來出現的數字化樂器的重要先驅。1983年后，MIDI的產生徹底改變了音樂制作的結構，甚至可以說造成了通俗音樂歷史上的分水嶺，這種能讓音樂制作人在不用任何錄音的情況下任意編輯音樂的方式，讓更多沒有經濟能力的音樂制作人或作曲家等能參與到創作中并且獨立完成整首作品。

（二）音樂的傳播

上文提到過，音樂發生了由口頭傳播轉變為樂譜流傳，到如今的數字媒體傳播的變化。愛迪生在1877年發明了一種“會說話的機器”——留聲機，它開啟了“聲音復制”的新篇章，這也引起了磁帶、CD等新技術平臺的誕生。流行音樂被商業公司以這種可復制的模式出售到全世界各地，逐漸興起了唱片行業的蓬勃發展，出現了蠟筒唱片、黑膠唱片、密紋唱片等音樂產品。通常資本家們考慮的是如何使用更好的音質吸引到消費者，并以最低的成本制作出精良的或受大家喜好的唱片。也是由于預算的原因，黑膠單曲在20世紀50年代初逐漸走進市場并占據主導力量，對于唱片公司來說，推廣一首單曲比推廣一張專輯花費更少。20世紀90年代的電臺點播，使得流行音樂在排行榜中的作用更加重要，若能使一首單曲在排行榜中停留時間更久，那么它就能持續火熱并為公司制造收入。20世紀末，數字化時代的到來徹底改變了音樂的傳播，MPEG（Moving Picture Experts Group）公司研發的MP3（Layer 3）②是一種占用比其他格式更少存儲空間的音頻格式（數據編碼），用戶可以使用更短的時間和更少的空間去下載收聽音樂，并且無須花錢購買實體專輯或者唱片，因此MP3備受他們推崇，并且后來的流媒體使得用戶們甚至不需要下載，即聽即關。但這也引發了一些音樂版權的問題，導致了藝術家們或者音樂公司的收入急劇減少，直到數字銷售的出現才緩和了這一問題。到了21世紀的現在，音樂的傳播已經是可移動化了，消費者不再依賴磁帶播放器、立體播放器、隨身聽等產品，而是直接使用在線收聽音樂的智能手機，連接上高品質的耳機或者音響，這也致使音樂的傳播空間更加廣闊。流行音樂的傳播與科學技術的發展息息相關，這也是音樂公司銷售音樂所面臨的重重挑戰。

三、音樂公司的推動

流行音樂的進步與音樂公司的參與有著密不可分的聯系，音樂公司以滿足自身利益最大化的需求來創造、包裝并推廣流行音樂。20世紀80年代，日本索尼公司收購了CBS③唱片公司，進一步整合了音樂產業的生態鏈，這代表著它能夠獨立完成音樂的全部過程以獲得最大利益，這種國際性的巨頭公司當然不止索尼一家。直至2006年，經過資本的反復洗禮并整合形成了四家巨頭公司，華納音樂；環球音樂公司；Sony-BMG（索尼公司和貝塔斯曼公司共同持有）；EMI有限公司。巨頭公司的唱片幾乎壟斷了Billboard④單曲榜的前置位歌單，這是因為他們有能力為公司旗下的藝人制作精良的專輯、封面、MV，而且對藝人的形象宣傳上也下足了工夫。比如一家屬于環球音樂公司的“小島唱片”，通過創始人克里斯·布雷威爾在對雷鬼樂（reggae）的包裝后——塑造出消費者心目中的民族反叛者形象，將鮑勃·馬利和他的哭泣者樂隊推向消費者的視線內，從而實現他們的商業價值，并給公司帶來了相當可觀的回報。

巨頭公司是推動流行音樂歷史潮流的中流砥柱，但同樣不可小覷的是一些獨立公司對流行音樂發展的作用。這種“獨立”往往是指的一種音樂態度，獨立樂隊和獨立音樂人認為他們的音樂是即時的，并可以在演出現場還原唱片中的本體，抑或即興演奏、演唱，而一些主流音樂依賴了很多電子效果，即在演出過程很難還原唱片中的樣子（現在通過Program工程師來達到這一效果）。獨立音樂公司為我們展現了更多元化的流行音樂，比如眾所周知的U2、NIRVANA樂隊等，他們帶來了諸如英式朋克、垃圾音樂、說唱音樂、基督音樂等新音樂形式。由于在市場擴張和銷售額上的諸多問題，獨立公司們不得不向巨頭公司看齊，部分小規模廠牌們被巨頭公司收購，而大部分獨立音樂公司也失去了最初對于藝術的那份堅持，逐漸與主流音樂混合在一塊。尤其是在20世紀90年代，互聯網火熱過后的獨立公司和巨頭公司界限已明顯模糊。

互聯網的出現，使得實體唱片行業遭受了前所未有的“災難”，當然這也是音樂公司們在應對音樂銷售轉型的一個重要轉折點——數字音樂的誕生。當然，產業線上化既帶來了利也帶來了弊，銷售額雖然成倍增長，但版權問題卻出現諸多漏洞。國際音樂平臺Spotify、iTunes、YouTube、Music等在合法購買數量上遠超于通過非法途徑收聽音樂的用戶，唱片公司通過這一方法對包含收聽、下載、購買專輯等方式進行數字交易以獲得高額利潤，部分獨立音樂人也可以僅僅通過在自己的臥室制作完成的音樂進行線上售賣，用戶自然而然地能收聽來自全世界各地不同的音樂類型，這是流行音樂產業的春天。另一方面，版權資源豐富的音樂平臺能夠吸引到大量的線上用戶，但對于低市場份額的小型音樂平臺這無疑是背水一戰，從而讓數字音樂平臺開始了惡性競爭并循環往復，“反壟斷”是解決這一問題的重要措施，它是重塑數字音樂市場秩序必不可缺的一步。其次，流媒體讓用戶能夠在線收聽并篩選音樂，它能夠在用戶的硬件設備存儲量并不充足的情況下，并不占據內存容量，而且不用擔心用戶將音頻下載并非法傳播，就網易云音樂平臺而言，他們已經開始使用NCM格式來加密用戶所下載的音樂以保證用戶不會將其非法使用。

四、國家政策的干預

流行音樂產業的健康發展離不開國家政策的扶持，各國政府部門對于通俗音樂在意識形態、版權、貿易關稅等方面都完善了相應的法律法規，以確保大眾媒體和通俗文化的良性發展。

對于流行音樂史上相當長時間的搖滾樂、迪斯科、朋克樂、嘻哈音樂以及重金屬樂等類型音樂對于青年亞文化產生重要影響，我們能從音樂中非常明顯地感受到一些暴力、淫穢、種族歧視、反基督和對社會帶有強烈諷刺意味的情緒，這被認為是對青少年身心發展的潛在威脅，也被解釋為青少年行為不端的“助推器”。任何一個國家都不會允許這種制造社會恐慌的意識形態出現，對于年輕人的價值觀、態度和行為的規范是令規則制定者尤為注重。在美國的法律研究中，曾把多起校園謀殺案與極端搖滾樂聯系在一起，并認為這種極端的音樂態度對年輕人的行為有直接聯系，大眾媒體對于這類的周期性關注達到了頂峰，這讓社會對于“反社會”的通俗音樂產業更具有“危機感”。政府通過管理部門對流行音樂文化的規范和干預扮演了重要角色，道德譴責和法律法規更加明確了這一點。

保護原創音樂的版權，不僅是各個產業組織一直致力于解決的問題，也是國家政府重點關注的對象，在以往數字化普及的近二十年左右，版權問題一直是無法繞過的重心。大部分國際公司用版權法來保護自身利益，但一些消費者對版權持有針鋒相對的敵意，這主要源于在線音樂的盜版橫行，這既有礙于公司的良性發展，又大大打擊了原創音樂人的創作積極性，是對文化和經濟發展的雙重“打壓”。美國早在1909年就頒布了《版權法》，當時的目的是避免個別公司形成商業壟斷，不過由于該法案非常復雜，操作性不強，隨即在數字時代又頒布了《音樂現代化法案》，以維護數字時代藝術家、流媒體服務商和行業專業人士之間的利益平衡。

五、結語

資本架構之下的流行音樂產業是一項復合型學科的研究，是流行音樂文化在發展歷程中不可繞開的重要一環，我們應該以多維度、多方向的立場去看待和總結相關經驗，尤其是在面對新技術的沖擊下要審慎深思。立足于市場競爭的流行音樂產業是動態的，而絕非靜態的，任何生活中關于流行音樂的消費行為都屬于流行音樂產業的范疇，無論是音樂的制作、宣傳、銷售、演出等，在特定的時代環境下都是資本架構對音樂產業的控制，強大的資本公司甚至可以操控和構建市場，以此來達到利益最大化。經典的政治經濟學更偏向忽略文化而放大資本的作用，但不可否定的是，經濟上的支持對于流行音樂產業的發展是有重大意義的，可以說沒有資本架構的推動就沒有如今琳瑯滿目的流行音樂經典作品。當然，維護健康的流行音樂市場是需要多方面協調共同合作的，這應該考慮到包含經濟、政治、文化在內的諸多方面因素，而不能簡單將其歸為一種商品。

注釋：

①西奧多·阿多諾（Theodor Adorno）是1903年出生的德國代表性社會學家和思想家，師從奧地利作曲家阿爾班·貝爾格（Alban Berg）。他是最早的流行音樂批判家，并以極為專業的音樂知識作為支撐，留下了規模龐大的著作，以《論音樂的拜物性特征與聽覺的退化》為代表。

②MPEG公司研發了MP1、MP2、MP3、MP4四種編碼，MP3是適用于64kps以下質量要求的音頻編碼，它的目標是使用最小的文件尺寸獲得較好的音頻質量，這里的“較好”是指通過心理聲學處理掉那些不為人注意的聲音，對剩下聲音進行編碼。它實際上是屬于一種被壓縮后的音頻格式。

③CBS（哥倫比亞廣播公司）與NBC（全國廣播公司）、ABC（美國廣播公司）屬于美國三大電視網，歷史上將哥倫比亞唱片公司、寶麗金、貝圖斯曼并稱為三大唱片集團。

④Billboard（公告牌）是1894年產生于美國俄亥俄州辛辛那提市的單曲排行榜，最早誕生于一個小酒館，后來該榜單被認為美國乃至歐美國家流行樂壇最具權威的一份單曲排行榜。

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作者簡介：

陳林，男，重慶人，碩士研究生在讀，主要研究方向：電子音樂作曲。