論表演性在高校芭蕾基訓教學中的作用

潘瑞琪

摘 要：芭蕾作為源遠流長且在世界范圍內影響深遠的舞蹈種類之一，以科學的訓練體系和豐富的動作語匯成為舞蹈藝術不斷向前邁進的有力推手。隨著社會的變遷與時代的發展，芭蕾舞在高校的教學不應僅停留在對基本形態的要求上，要想提升學生的動作美感意識以達到學生審美意識的提升，教學中的表演性訓練不可或缺。基于高校芭蕾教學中表演性訓練的視角，以舞姿類動作元素為出發點，從高校芭蕾基訓教學中存在的問題、表演性在芭蕾基訓中的表現、表演性在教學中的重要作用以及增強學生的表演意識這四個角度進行剖析，以期建構規范性與表演性有機結合的教學理念與課堂愿景。

關鍵詞：芭蕾基訓；表演性；高校教學

芭蕾在西方社會文化要素的影響下，展現出獨特的身體美感——開、繃、直、立的審美標準，同時也奠定其延伸感與表演性的審美特征。“育才造士，為國之本”，在新時代背景下，為適應復合型高素質人才發展的需要，高校舞蹈教育需要不斷革新。芭蕾是具有科學性與規范性的，它因嚴謹的訓練體系與科學的發力方式深受人們的喜愛，作為舞蹈基礎訓練的一種，它的規范與標準毋庸置疑。但在接受訓練的過程中，學生是否會感覺枯燥或是難以堅持？如果能在基訓的過程中為單一的動作賦予獨特的情感表達，進行不同的感情處理，再加上由心而發的表演，那些看似簡單的動作會不會多了一層意義？正在跳舞的學生對芭蕾會不會產生更進一步的認識？此外，芭蕾舞完美的技巧與優雅傳神的舞姿展現，目的是把觀眾帶入一個特定的情境，其中的表演性具有不可磨滅的意義。

一、高校芭蕾基訓教學存在的問題

芭蕾基訓是高校舞蹈專業授課過程中必不可少的內容。自15世紀發展至今，芭蕾擁有一套系統化的訓練方式，作為基礎訓練的一種，它是舞者得以靈活運用肢體的關鍵，是舞者腳下扎實功夫的助推器，是舞蹈教學中必不可少的一環。目前在芭蕾基訓這一科目的教學過程中，存在諸多問題。

（一）教學對象基礎水平不一

這一點對于專業院校的學生來說情況或許樂觀，但對于綜合性大學舞蹈專業的學生來說，“芭蕾”可能是個有些陌生的名詞。聚焦于我國藝考制度，不論是在聯考還是在校考中，學生們要做的就是學好并且練好所要應試的“技巧組合”與“劇目展示”，因此大多數學生只是為了最后的呈現去努力狂練技巧和那一兩部劇目，卻忽略了芭蕾基訓對于自身能力提升的重要性。當基礎不一的學生們來到同一所高校，甚至進入同一個班級，他們水平的差距，不免給教師的教學帶來巨大挑戰。

（二）教學模式單一且乏味

在當前的芭蕾基訓教學中，還存在的一大問題便與基訓的教學模式相關。芭蕾基訓的傳統教學分為地面練習與扶把練習，在高校中，教師基本從扶把練習開始教授，教學過程也分別為講授、演示與練習三大模塊。在開始教授一個動作之前，教師會先給學生們講述動作的訓練目的、正確的發力方式、具體要求等。在學生們清楚動作概述后，教學來到了第二個模式，便是演示。在芭蕾基訓的教學過程中，教師的親身示范尤為重要，能給學生帶來更具象、直觀的感受，讓他們迅速掌握動作的基本形態。在講授、演示之后，便來到了第三個環節，練習。好的動作質感并非一日之功，舞蹈是一門勤學苦練的藝術，只有一次次地強化肌肉記憶與肌肉能量，最終才能呈現出“怡然自得”的舞動狀態，不斷練習是學生提升自我能力的關鍵。

傳統的教學模式固然有其優勢，但芭蕾舞種缺乏對于學生興趣點的激發，容易造成學生出現每節芭蕾基訓課都是在不停地練動作，第二天再循環往復的厭倦心理，從而降低學習興趣與熱情，芭蕾基訓教學模式的轉型對于該舞種的發展有著舉足輕重的作用。

（三）教學成果缺少新意

我們是否常常發現高校芭蕾教師所教授的每一屆學生都練著相同的組合？又是否疑惑相同組合下的教學目標到底是什么？對于芭蕾這個已成系統的舞種學科來說，組合本身的編排必定是富有邏輯和科學的，這是“客體”，重要的是，作為“主體”的學生是不斷變化的，每一個班級都具有其不同的整體特點。如果每年呈現出的只是老組合、老方法，讓不同的面孔做出相同的東西，那么教學成果就會缺少新意。在面對不同個性的學生群體時，教師要善于抓住整個班級學生的共性特點。芭蕾雖形成較早、歷史悠久，卻也是在不斷發展著的，僅重復運用一套組合，無法體現出芭蕾與時代的融合，易造成教學成果缺少創新性，缺少新意的問題。

二、表演性在芭蕾基訓中的表現

社會越來越表演化，數字時代人人都是藝術家。“表演”是21世紀的一個關鍵詞。南京大學教授何成洲在2022年出版的理論著作《表演性理論》中提出了一個文學與藝術研究的新概念——“表演性”，該書提出的“表演性理論”為當下反思與建構文學和藝術新范式提供一個新的概念和視角，同時促進了人文藝術的跨學科交叉融合，書中提出“表演具有表演性，但是表演性不局限于表演”。

（一）表演性的概念闡述

要想知道何為表演性，首先得知道何為表演。表演在廣義上指把特定情節或技藝表現出來，在狹義上指不真實、虛假的演戲。在不同的語境中，對于表演的意義可做出不同的判別。謝克納在《表演研究》一書中對表演的定義非常寬泛，不僅包括“儀式、戲劇、體育、大眾娛樂、表演藝術，也包括社會、職業、性別、種族和階級角色的扮演，甚至包括醫學治療、媒體和網絡等”。他接著指出，表演的潛在概念是任何“架構、表現、強調和展示”的行為。對于舞蹈藝術來說，表演的實質其實就是動作的藝術，舞蹈表演與電影、話劇乃至戲曲表演都有相似之處，做這些事情的人通常被解釋為“動作著的人”，無論是電影里或舞臺上的人物，其言行舉止，都應當有目的、有邏輯順序、合乎情理。因此，當表演變為一種特性而存在于某個藝術當中的時候，學習者應具備三種能力：理解力、表現力、想象力。

（二）芭蕾舞中的表演性

芭蕾舞中的表演性可簡單在舞姿動作的延伸和動作與動作的連接中找尋。以靜態芭蕾舞姿動作“Attitude（鶴立式）”為例，在身體外在基本形態達到標準的前提下，肌肉內在控制對于舞姿的延伸起到至關重要的作用。具體來講，上身以脊椎為核心，以背部的肌肉控制為向上拉伸的動力，同時以脊椎為中心，肩膀向身體兩側進行對抗性的力量發散與蔓延，從大臂到小臂到手指尖；下肢則是單腳保持重心穩定，不斷向下踩，身體的穩定性與挺拔感油然而生。這種對抻的力量感要一直延伸到無限遠，這種形斷而情不斷的動作表現就可稱為是富有表演性的。

（三）實現表演性與芭蕾基訓相融合

新型的基訓展示需要對教學模式進行創新，在高校舞蹈教育中，應采用表演性與芭蕾基訓相融合的教學方法，表演性與芭蕾基訓是相輔相成的存在。

芭蕾中的舞姿類動作具有表演性。舞姿類動作能夠展現舞者優美的線條，從而給觀者帶來美的享受。這些動作通常都呈長線條狀，當舞者伴隨著音樂做動作時，肢體也會跟著自然收放，以達到漣漪般的呼吸感，此時，動作是富有生命力的，是充滿感情的，是擁有向觀眾傳情達意的能力的，因此可以說它是具有表演性的。表演性的動作能夠給舞蹈制造出“空氣感”，是令人舒適的、放松的、愉悅的，而不是時刻緊繃的。

三、表演性在高校芭蕾基訓教學中的重要作用

王朝聞在《美學概論》中指出：“審美意識是客觀存在的諸審美對象在人們頭腦中能動的反映，一般通稱為‘美感。”芭蕾舞之所以能夠在當下這個快節奏的時代里源遠流長、生生不息，除了因為它自身科學的規范以外，還因為它能呈現出無與倫比的典雅之美。美是通過其表演性的特征表現出來的，因此，在芭蕾教學中表演性的啟發具有關鍵作用，具體如下。

（一）有效訓練學生的呼吸意識

在任何一節芭蕾課堂，無論把上還是把下，教師都會強調不要把動作做死了，這就是在提醒學生要注意呼吸，用呼吸去帶動動作的進行與發展。想象一下屏住呼吸做芭蕾中的典型舞姿“Arabesque（迎風展翅）”會是什么樣子？那一定是一個氣全部堆積在胸口、伴著僵硬的手臂與憋得通紅的臉的陋態，如果停在“Arabesque”上的舞姿是帶有表演性的，那么舞者就會去試著詮釋動作的意義——也就是“迎風展翅”的動作形態，這樣一來，整個動作是富有流動性的，有呼吸感的，其呼吸感的來源就是表演性的加入，正因為有了表演動作情感的狀態，才能有更加鮮活的芭蕾動作姿態。

（二）激發學生探索芭蕾學科的興趣

人們通常對美的且富有感情的東西興趣濃厚，當原本以基礎訓練為目的的芭蕾基訓加上表演性，必定能增強其肢體感染力，當學生的飽滿熱情和感染力被看見、被認可，定能激發起他們探索芭蕾的興趣。很多人認為芭蕾基訓是枯燥無味的練習，但良好的芭蕾基訓能夠給學生帶來更扎實的腳下功夫、更細膩的動作質感與更綿長的延伸意識。“鐵杵磨成針”的過程是艱難的，不少學生因為芭蕾基訓的困難而“三天打魚，兩天曬網”，甚至放棄，因此應從基訓中尋找到繼續堅持的動力，其中所蘊含的“表演性”便是最好的興趣出發點，學生不僅能在基訓中正視自己的美，也能越做越有興趣，從而不把它當成提升自己的一個工具，而是自己生活中的肢體表現機會，將動作融入自己的生活，不斷提升對芭蕾基訓的興趣。

（三）形成學生外在形體與內在美感的統一

外在形體與內在美感的統一是提升芭蕾基訓教學成果的重要方式，芭蕾舞的美感不僅來源于芭蕾動作外形上的優美，更來源于芭蕾舞表演者自身的美感意識與思想。對于教學來說，教師要要求學生具有美感意識。從內心出發的美感意識才能夠使芭蕾舞中美的感覺增強。外形的美僅僅是停留在表面，芭蕾舞內核的美感意識表現在藝術當中，體現在意境當中。教師對于學生在芭蕾舞教學中表演意識的訓練能很好地激發學生“內化于心，外化于行”的情感表達，學生在內心勾畫好場景、醞釀好思想感情之后，就會用肢體語言把這種思想感情表達出來，達到內心想法和肢體動作的協調，營造美的意境。

四、增強學生表演意識的方法手段

（一）強調延伸意識

以芭蕾基訓中的扶把部分為例，扶把部分是從“Plie（彎曲、蹲、屈膝）”和“Battement（腿的均勻運動）”開始，訓練是從單一的腳下動作開始，擴展至腿部的局部運動，再延伸至整個腿部的漸進過程，訓練由淺入深，層層遞進。因此，首先需要學生在基本形態中感受身體延伸感，對肌肉的延伸感形成動力定型，從而建立起學生對芭蕾表演性的身體感悟。

（二）由“心”至“身”的詮釋

學生表演性的外化必定來自內心美感的向外涌動，表演意識產生于人類內心深處，舞蹈作為用肢體傳情達意的藝術，如何真正傳達感情，需要把意識由“心”外化于“身”。內心的美感與表演性會使芭蕾舞的動作更具有張力，阿恩海姆在《藝術與視知覺》中將張力描述為一種“不動之動”。在強調延伸之感及教師的美感啟發后，要把所啟發的情感落到實處，即轉化到肢體當中。教師應提醒學生通過呼吸、節奏處理、末梢延伸等手段達到詮釋情感的目的，只有把表演由“心”至“身”地詮釋出來，才能讓觀者感知到芭蕾藝術的內核之美。當然在不失規范的前提下，不僅要把動作做標準，還要做出感情，這是非常不易的。在每一節基訓課中，學生都要帶著這樣的要求去由內而外地表現肢體、詮釋情感，從而提升表演的質感。

目前，我國踏上了全面建設社會主義現代化國家、向第二個百年奮斗目標進軍的新征程，比歷史上任何時期都更加渴求人才。對于舞蹈類人才的培養來說，必須對傳統教學法進行大膽的改革，只有這樣才能在舞蹈教學中占得先機，而芭蕾舞表演性的啟發與運用在新時代舞蹈教育中意義重大。在新時代高校芭蕾舞的教學中，要在遵循客觀規律的前提下，了解教學實質發展情況，結合表演性的芭蕾教學之長，共同推動舞蹈這項藝術的前進與發展。

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作者單位：

北京師范大學藝術與傳媒學院