古典與爵士碰撞下的鋼琴作品演奏與優化思路

劉夢穎

摘 要：20世紀，音樂藝術開始步入多元化的時間軌道，新興的聲音與各式的音樂風格層出不窮。美國爵士音樂作為20世紀音樂的重要組成部分，潛移默化地影響著其他音樂類型與風格的走勢與發展。立足于20世紀美國爵士音樂發展脈絡，探析其與其他國家古典音樂作品的互動與風格滲透，結合筆者教學及演奏中的感悟展開探討。

關鍵詞：爵士音樂；古典音樂；鋼琴；作品演奏；20世紀

注：本文系四川音樂學院院級科研項目“美國爵士音樂影響下的20世紀鋼琴作品演奏及教學研究”（CYXS2021028）研究成果。

區別于巴洛克時期、古典主義時期與早期的浪漫主義時期，20世紀的作曲家們一改過往的統一觀念，展開了對于音樂藝術發展的新思考。音樂藝術如何順應社會發展推陳出新，固有的音樂創作原則如何打破重塑，新音樂藝術如何建立，新時代帶來的種種疑問推動著作曲家們走上不同的“變革之路”。美國的音樂藝術一直以來都具有一定的繼承性、融合性，其早期的音樂藝術主要集中于來自歐洲的聲樂作品，鋼琴作品不多且甚少為人稱贊。爵士音樂是20世紀美國音樂最具代表性的重要組成部分，其萌發于窮困的土壤，歷經大遷徙走向芝加哥，在紐約開出了美麗的花朵，結出豐碩的果實，并被拋灑、搬運到世界的各個角落。

一、20世紀美國爵士音樂發展概述

17世紀初，一種源于非洲不同國家與民族的音樂藝術形式跟隨非洲移民者們的腳步走入了弗吉尼亞，這種音樂或反映夜以繼日的辛苦勞作，或反映農場主剝削下的饑餓凄苦，或反映美好的愛戀情愫……原始的爵士音樂隨著地域與文化的改變逐漸美國化、本土化。20世紀初，在美國佛羅里達州新奧爾良地區，爵士音樂作為一種現代城市音樂出現在大眾視野。

1917年，參加了第一次世界大戰的美國關閉了以斯多利城為代表的爵士音樂聚點，大量的新奧爾良樂手們因為貧困和戰爭紛紛北上，相繼移居芝加哥，芝加哥爵士悄然而生。20世紀20年代，路易斯·阿姆斯特朗打破了之前新奧爾良爵士風格的固有模式，發展了即興獨奏的技巧。小到節奏、速度與風格的變化，大到商業化的推動引導，爵士音樂汲取了芝加哥五彩斑斕的顏色，并且已經準備好走向世界。

紐約曼哈頓哈萊姆跨奏風格的出現使爵士音樂進入了最為獨立且極具個人特色的階段。區別于阿姆斯特朗式的樂隊表演風格，哈萊姆跨奏風格的爵士音樂只需要一架鋼琴，演奏者通過左手在中、低音區不斷反復“跨步”式的演奏來體現節奏頓點，右手在主要旋律之上加入裝飾音、各種切分拍以及最為精湛的即興段落。人們在欣賞音樂的同時，也被演奏者風趣且極具感染力的肢體表達牽動著。

20世紀30年代的堪薩斯城爵士掀起了爵士音樂新風格的風潮，在保留布魯斯傳統元素的前提下，替換了各樂器原有的表達方式，使節奏變得細膩溫和，聽感變得溫婉流暢。與此同時，搖擺舞曲的大樂隊開始盛行，在美國的音樂歷史上留下了輝煌的一頁。隨著第二次世界大戰的到來，大樂隊的時代進入了尾聲，美國爵士音樂發展的黃金時期也隨之結束。

20世紀50年代起，各類現代藝術的興起為美國爵士音樂的再一次變身創造了條件，相繼誕生了比波普爵士、冷靜爵士、強力波普、先鋒爵士等等。爵士音樂逐漸受到歐洲與亞洲的關注并頻繁展開全球巡演。爵士音樂在此期間不斷吸納不同國家與文化的要素，先后出現了以地域劃分的多種爵士音樂類型，1970年后的爵士音樂進入了多元化發展的新階段。

二、20世紀美國爵士音樂與古典鋼琴音樂的碰撞

鋼琴作為爵士音樂演奏中歷史最悠久的樂器之一，在爵士音樂發展與傳播中起著中流砥柱的作用。20世紀的鋼琴作品自然也在這追求突破的時代里努力嘗試著各種可能性。當時的美國匯聚著來自世界各地的才華橫溢的音樂家，他們在傳播本國優秀音樂藝術的同時，也感受著美國本土音樂藝術的魅力。同時，美國作曲家們也追隨著各自欣賞的音樂藝術風格，并結合美國本土的音樂藝術不斷探索創作。

喬治·格什溫是第一位將爵士音樂引入古典音樂的作曲家，他創作的爵士交響曲《藍色狂想曲》為世人打開了古典與爵士結合的新世界。緊隨其后創作的《F大調鋼琴協奏曲》《五首鋼琴前奏曲》等作品延續了喬治·格什溫創作的獨到之處，打破了嚴肅音樂與通俗音樂的壁壘，將古典風格的樂隊配置與浪漫雅致的藍調音樂融為一體，綻放出絢爛的花火。

阿倫·科普蘭緊隨喬治·格什溫步伐，成為美國最具有本土音樂特色的作曲家之一。深受美國文化熏陶的阿倫·科普蘭從17歲開始接觸作曲理論，他嘗試將當時美國的流行音樂語言與傳統作曲法相結合，其1920年創作的鋼琴獨奏作品《貓和老鼠》一經問世便廣受好評。之后他遠赴法國巴黎，開始系統地學習作曲，各種新音樂風格為其打開了創作的新思路。回到紐約的阿倫·科普蘭展開了“美式音樂”的新探索，《四首鋼琴藍調》的創作是其將爵士音樂融入嚴肅音樂框架的成功典范。

出生于烏克蘭的尼古拉·卡普斯汀在莫斯科音樂學院學習期間開始接觸爵士音樂，迫于當時的歷史政治原因，卡普斯汀只能通過悄悄收聽《美國之聲》電臺以及抄錄少許唱片的方式認識和學習爵士音樂。在導師阿弗萊蘭·魯巴赫的支持和鼓勵下，尼古拉·卡普斯汀以自學的方式開始嘗試演奏并創作爵士音樂，并最終確立了屬于自己的創作風格，將爵士元素融入古典音樂結構，用古典主義框架規范爵士音樂的自由形式。尼古拉·卡普斯汀一生創作了大量優秀的鋼琴作品，如《八首音樂會練習曲》《變奏曲》等等。

事實上，爵士音樂與古典音樂在20世紀的交互融合還有很多，20世紀40年代至50年代的冷靜爵士受到了法國印象派作曲家的感染，在節奏與旋律表達等方面與之前大相徑庭，印象派風格在收斂的節奏律動與細膩的樂句中逐一顯現。在很長一段時間內，歐洲的作曲家們也做著有關爵士音樂的各種嘗試，莫利斯·拉威爾的《G大調鋼琴協奏曲》、克洛德·德彪西的《小黑人》以及伊果·斯特拉文斯基的《鋼琴拉格泰姆》等都蘊含著明顯的爵士音樂元素。爵士和聲的大量運用，爵士節奏的巧妙搭配，布魯斯音階的調和潤色，為鋼琴作品的創作發展增添了更多可能性。

三、爵士風格鋼琴作品演奏的常見問題與

優化思路

通過研究爵士音樂不難發現，矚目的爵士風格作曲家與演奏家們通常都經歷過長期、系統的古典音樂學習，由此可見，嚴謹規范的古典音樂學習基礎對爵士音樂學習有一定的鋪墊與推進作用。近些年，爵士風格的鋼琴作品在音樂廳頻頻奏響，它們追隨著演奏家們的指尖，走進了專業鋼琴學習者的視野。如今的教學者和演奏者對小眾音樂風格的接受度日漸提高，但這類作品的教學或演奏是不容易的。首先，關于這類作品的文獻、專著或音像資料是相對稀少甚至有空缺的，有些作品記譜混雜、不規范。其次，這類作品的創作手法、風格與傳統的鋼琴作品差異較大，所以教學和演奏的方式方法也需要做相應調整。毋庸置疑，爵士風格的鋼琴作品也屬以上行列，但其通俗時髦的表現形式與華麗奪目的技術技巧仍然讓眾多鋼琴學習者們為之傾倒。

（一）時值表達的常見問題與優化思路

節奏是爵士音樂的骨骼，是爵士音樂風格不可或缺的重要組成部分，這可以追溯到爵士音樂的源頭——非洲音樂。爵士節奏繼承了非洲音樂節奏千變萬化的特性。在爵士風格樂譜中，人們可以見到各式各樣的爵士節奏：各種排列組合的切分，前后十六及附點節奏型，標注了重音、頓音或連線的復雜節奏，以及各種連音的組合使用。毫無疑問，節奏問題是演奏者們最常見的弱點之一。準確地識譜是解決節奏問題的前提。通常，具有爵士風格的鋼琴作品記譜較為復雜，若是譜面排版不規范或標記錯誤則更是雪上加霜，因此，選擇規范優質的作品版本進行演奏是尤為重要的。清晰規整的版面有助于學習者更加準確地讀取作曲家的意圖，使練習與演奏事半功倍。準確表達是解決節奏問題的基礎。許多學習者在演奏相關作品時會因為對爵士音樂的“固有思想”而忽略掉準確表達節奏的重要性。慵懶、隨性、狂熱、自由，這些常常被用于形容爵士音樂的詞語在學習的初級階段并不適用。用較為緩慢的速度準確地練習、表達譜面的內容是規避后續演奏問題的關鍵。節拍是爵士音樂的脈動，在欣賞爵士樂隊的演奏中，評論者們常常會通過集中關注不同演奏者節拍的協調程度來判斷該樂隊的凝聚能力，節奏與節拍互動的靈活與自信程度在樂隊爵士音樂表演中至關重要，從這個角度能清晰地判斷出該樂隊的演奏能力及水平。速度與節奏、節拍既可相互牽制又可彼此成就，因此，如同古典作品，在爵士音樂風格的作品演奏中，作曲家的速度標記是極為重要的，演奏者們需提高敏感度，在遵循作曲家“精心安排”的劇本中取得超乎尋常的收獲。

（二）旋律表達的常見問題與優化思路

旋律的表達能力是演奏者演奏能力的重要體現，對于優秀的演奏者而言，即使是一段由單音組成的簡單旋律，也能展示出其不凡的實力。在爵士風格的鋼琴作品學習中，普遍存在著樂句表達不清晰的問題，不清晰的樂句表達主要體現在四個方面：一是疏于關注記譜法，對作曲家的旋律走向變化觀察不夠；二是對隱藏在跑動音符中的旋律音不敏感；三是在類似即興段落的分句中出現錯誤；四是忽略了和聲音符的支撐作用。回歸樂譜本身是學習者每個練習階段都要銘記在心的信條，通過對記譜法的仔細觀察，能幫助學習者更有效地提煉出作曲家的表達意圖，循環的節奏型與重音的放置規律都是尋找旋律音和樂句節點的重要信號。爵士風格樂譜中快速密集的跑動音符常使學習者感到眼花繚亂，在錯綜變幻的音級跳動與指法變化中，演奏者容易忽略其隱藏的旋律性，迷失在高難度的技術技巧表達中，此類情況也極容易發生在類似即興部分的演奏段落。通過對節奏型與延長音的細致觀察往往可以幫助學習者解決此類問題，節奏中的重音傾向音與延長音都是作曲家設置的明顯頓點，節奏的律動感也蘊藏其中，通過尋找其傾向性規律不僅可以獲得隱藏的旋律音符，提煉出樂句的節點，更能輔助學習者感受作品的律動規律。和聲的支撐作用往往通過左手低音區的和弦或八度實現，不夠充分的和聲支撐會阻礙旋律完整性的表達，無調性音樂的和聲特性可有力地佐證以上觀點的正確性。

（三）踏板運用的常見問題與優化思路

正確的踏板運用能幫助演奏者達到多樣的音響目的：輔助手指完成不夠連貫柔和的連音，完成手指無法持續的長音，融合各音符音響的和聲屬性，凸顯作曲家需要突出的音符或節奏點。踏板法技巧的復雜性使之成為眾多鋼琴學習者的難題，在爵士風格作品的演繹中顯得尤為困難。何時該踩，何時不該踩，如何在起到連接效果的同時保留干凈的顆粒性跑動，如何在混合音響的同時避免關鍵音的模糊不清等，都是困擾學習者的問題。不得不承認的是，踏板法是作曲家最難通過記譜表達意圖的部分，也是鋼琴演奏中最為困難的一個方面。許多學習者認為作曲家不標注就可以不使用踏板，這顯然過于古板保守了，極少的踏板使用必然會導致音響干癟、和聲不夠融合。踏板的使用不同于開關，非黑即白只有兩種結果，學習者應根據音響需求適時地調節踏板的深度與速度。在速度較快的爵士風格作品演奏中，可較多使用淺而短的快速踏板，以避免密集音符的音響表達；若在類似即興跑動的踏板練習過程中仍發現音響不夠柔和優雅，可嘗試保留一部分泛音，以增強音響的融合性。

四、結語

從嚴謹絢麗的巴洛克時期到400多年后的今天，鋼琴悠久的發展歷史和多維可變的演奏潛力始終吸引著作曲家和演奏者們為之奮力創作。經過近一個世紀的努力，在老一輩鋼琴教育家的帶領和新一代鋼琴教學者的共同努力下，我國的鋼琴事業發展穩定向前，人才輩出。筆者立足于20世紀，對帶有美國爵士音樂風格的鋼琴作品展開歷史及演奏方向的探討和研究，填補和擴充了關于此研究方向的不足，希望能更好地服務于此類型音樂的演奏與教學。

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作者單位：

四川音樂學院音樂教育學院