談音樂劇中的藝術輔導

文字_黃嫻瑾

音樂劇起源于美國，至今已有一百二十年左右的歷史。二十世紀七八十年代，英國音樂劇逐漸開始興盛，安德魯·勞埃德·韋伯（Andrew Lloyd Webber）創作的音樂劇逐漸傳入亞洲。二十世紀九十年代初，我聽到了音樂劇《貓》（Cats）中的歌曲《回憶》，雖然那時我并不知道這首歌出自何處，但其經典的旋律卻已深深印刻在我心間。直到多年過去，我才知曉《貓》是一部音樂劇，或許我與音樂劇的緣正是在那時結下的。

音樂劇《貓》劇照

《貓》與《悲慘世界》（Les Misérables）、《劇院魅影》（The Phantom of the Opera）、《西貢小姐》（Miss Saigon）并稱為“世界四大音樂劇”，劇中的曲目在日常的教學中自然也是極為常用的。在上海音樂學院音樂戲劇系擔任藝術輔導老師的前幾年，我經常與學生們合作這些作品。其實，音樂劇藝術輔導最初的工作就是與聲樂老師合作、給學生們彈伴奏，與普通的鋼琴伴奏大致相同。2004年，音樂劇專家羅蘭·施瓦伯（Lorian Schwaber）來到上海音樂學院音樂戲劇系，在她的影響下，我開始嘗試從一名伴奏者轉變為合作者。

音樂劇《悲慘世界》劇照

羅蘭·施瓦伯為我們帶來了很多珍貴的曲譜資料，我作為鋼琴伴奏參與了她的大師課，接觸到了許多劇目和歌曲片段。也正是從那時起，我才了解到原來音樂劇所涵蓋的音樂風格如此豐富。在與羅蘭·施瓦伯合作、交流的過程中，我對音樂劇的認知也一點點加深。從教多年，隨著經驗、知識儲備的不斷增長，眼界以及思路的逐漸開拓，我開始思考如何與學生共同合作呈現好每一部作品，如何把握音樂與戲劇的關系，確立音樂戲劇理念，以及如何成為一名優秀的音樂劇藝術輔導老師。

探索之路

作為一名音樂劇藝術輔導老師，我始終在與演唱打交道。傳統聲樂唱法基于發聲位置的差異與音色的不同分為美聲唱法、民族唱法與流行唱法，而音樂劇究竟該使用何種唱法演唱，在當下仍存在爭議。

在音樂劇發展初期，《悲慘世界》《劇院魅影》等作品主要是以美聲唱法為主的。羅蘭·施瓦伯到來后與團隊在學校開設了系列工作坊和講座，為大家更詳細地講解音樂劇唱法、表演、排演等多方面的知識。隨著接觸到的劇目逐漸增多，我們慢慢發現音樂劇的音樂風格非常多元化，用統一的方式去演唱或許并不十分合適。與此同時，我的教學理念也逐漸發生了改變。我時常思考為什么音樂劇會有多種演唱方式，其與我們傳統意義上的美聲唱法、民族唱法、流行唱法等究竟有何不同，如果從戲劇體裁、角色選擇以及音樂風格的角度出發，聲音的選擇是否可以更加多元。因此，我開始調整自己的教學內容，優選音樂唱段，與學生一起嘗試多元化的演唱方式。

01 音樂劇《西貢小姐》劇照

02 音樂劇《劇院魅影》劇照

優選音樂唱段，演唱方式多元化

選曲是否符合年齡，是音樂劇表演的重要特性，也是其有別于歌劇的一個標志。

《日落大道》（Sunset Boulevard）中的《驚鴻一瞥》（With One Look）是一首音域不寬，旋律、節奏簡單，歌詞也不復雜的歌曲，不少學生會選擇它來進行演唱練習。但劇中的角色諾瑪是一位年過半百的過氣女明星，她的聲音以及角色塑造是有特定性的，因此這首作品并不適合二十歲左右的年輕學生來演唱。

《芝加哥》（Chicago）是非常受歡迎的音樂劇作品，其中《爵士春秋》（All That Jazz）等百老匯風格的經典歌曲具有著鮮明的藝術魅力。但音樂劇《芝加哥》中充滿了謀殺、出軌、暴力等暗黑色彩，并不適合低年級的學生來演唱。低年級的學生對劇本內容的理解會比較吃力，這會導致上臺表演時非常刻板、空洞，情感張力不足，喪失了人物特性。

音樂劇歌曲的選擇在一定程度上決定了聲音訓練的方向。因此，在教學中為學生選對曲目是非常重要的，選擇合適的歌曲來教學是音樂劇藝術輔導的必修課。

從輔助方式轉變為合作關系

音樂劇是一種需要合作的藝術形式，演員并不是音樂劇的主體，他們只是其中重要的一部分。不管是臺前還是幕后，任何一個崗位都是不可或缺的，沒有通力合作，就無法精彩呈現一部作品，只有每一個人都將細節盡可能做到精確、完美，大家才可能共同打造出一部經典之作。一個人的思維定式和習慣很難改變，默契合作對于任何一方來說都不是一件容易的事。作為音樂劇演員，更要學會傾聽與觀察，在舞臺上呈現出完美的作品。

音樂劇的創作思路不同于一般以旋律為主體的聲樂歌曲，作曲家在創作時往往需要通篇思量布局歌曲。在音樂劇中，音樂部分和演唱部分是一個整體，樂隊或鋼琴部分往往是演唱者沒有說出口的“潛臺詞”，即演唱者的內心情緒或情感鋪墊，這在桑德海姆（Sondheim）的作品中十分常見。而一些初學者在學習之初并不愿意用樂譜來練習演唱，而是習慣于通過聽音頻、看視頻來“模仿”學習，不管是劇本語言，還是音樂風格，“模仿”學習的方式的確非常容易“上手”，但學習沒有捷徑，通過這種方法學習的學生久而久之便無法做到正常讀譜練習了，一旦脫離了音頻這根“拐杖”，就會出現節奏問題，導致無法演唱。羅蘭·施瓦伯曾說：“養成一個壞習慣或許只是一瞬間，但養成一個好習慣則至少需要三個月。”養成良好的習慣非常重要，音樂劇演員在學習時不僅要學習演唱部分的譜面，還需要學習鋼琴或音樂部分的譜面，為后面更好地合作打好基礎。

從最初的輔助教學到真正以合作者的姿態進行教學，我對學生的要求也在不斷提高。如果關閉自己的耳朵，只彈鋼琴伴奏，音樂劇藝術輔導這個工作似乎算不上有多難，不外乎與學生多磨合幾遍而已。但若想與學生的表演相輔相成，就必須做足準備，不僅要不斷提升自身己的學識，還要在合作過程中學會傾聽，與學生在歌詞、節奏、呼吸氣口、戲劇點等細節上進行默契配合。

從音樂轉向戲劇

作為一種戲劇體裁形式，音樂劇中音樂與戲劇的關系究竟是以音樂輔助戲劇，還是二者平衡關系，學界分說不一。在我國，戲劇學院、舞蹈學院和音樂學院都設有音樂劇專業，根據自身的特色與優勢，每所學校音樂劇專業的側重點也有所不同。在美國，此類情況也比比皆是，甚至連“音樂劇”這個名字都曾有過爭議，大部分人都稱之為“音樂的戲劇”（Musical Theater），但也有一些人認為應稱之為“音樂戲劇”（Music Theater）。對比二者可以發現，“音樂的戲劇”更偏向音樂為輔，而“音樂戲劇”則更傾向于平衡關系。美國的迦太基學院（Cathage College）便是以后者命名。迦太基學院是一所小型的私立學院，在課程設置上擁有很大的自主空間，因此該校將“平衡理念”作為學科建設的導向，在課程設置和安排上盡可能地把音樂、戲劇、舞蹈三者放在同等重要的位置上。此外，迦太基學院還利用劇目排練的方式把三門主課加以融合——該校的學生們清晨就開始舞蹈課，白天上完所有專業課，晚上是排練劇目的時間。

音樂劇《發膠星夢》海報

音樂劇是用音樂來講故事，技術是基礎，但情感比技術更重要。紐約大學音樂劇教授在大師課上曾給學生做過這樣一組練習：先請一位學生演唱自己準備的曲目，唱完后，老師會為這首曲目設定一個情境（不一定是原劇的情境），并由自己或邀請另一位演唱者與其配合互動，明確演唱這首曲目的動機和想要達到的效果。在設定情境下，幾乎每一位演唱者都會有更為生動且更具感染力的表現，演唱者的音質雖沒有產生實質性的變化，但其音色卻變得更加松弛、溫暖了。通過這樣的練習去引導學生體會并實踐在演唱時如何表達真情實感，在演唱時不去過多關注聲音本身，而將注意力集中在歌詞內容的表達上，增加情感的真實度與可信度，在舞臺上的狀態也更松弛。因此，音樂劇演員僅僅擁有卓越的聲樂技巧是遠遠不夠的，講故事的能力同樣需要培養。只有兩者兼顧，擁有全面且立體的音樂理念，才能促進自身未來的發展。

藝術輔導的發展與提升

2007 年，上海音樂學院音樂劇系新增設了一門專業主課——音樂劇合唱課。最初的幾年，音樂劇合唱課開展得并不順利。第一，學生們對于音樂劇理念的認識非常模糊；第二，由于學校聲樂一對一專業課的設定，學生們對于獨唱的興趣遠遠大于合唱，甚至有學生認為沒有必要參與合唱課程。但其實，只要是二人或多人的場景，就可能存在重唱與合唱，哪怕是一名獨唱演員，在音樂劇中也一定會遇到合唱的部分，且與傳統合唱不同的是，音樂劇中的合唱更多是服務于角色和劇情的，這是音樂劇的戲劇屬性決定的。因此，音樂劇合唱課的實用性是非常強的。每當我參加完劇目排演，再次回歸教學中，就會更加深刻地體會到其對于音樂劇排演的重要性。

緊接著，音樂劇系又增設了一門劇目課，將劇目排演作為正式課程納入到了教學體系當中。劇目課開設在本科三年級，低年級學生學習的演唱、表演、舞蹈、合唱，在劇目課上得到了充分的糅合，為來年的畢業大戲做準備。而合唱課則作為劇目課的銜接課程，則為學生們排演劇目片段打下了堅實的基礎。

我曾參演上海音樂學院音樂劇系創排的畢業大戲《發膠星夢》（Hairspray）。音樂劇《發膠星夢》根據1988年同名電影改編而來，2002年首次登上百老匯的舞臺便廣受好評。該劇主要講述的是一個可愛的女孩憑借自己的不斷努力，登上知名電視舞蹈選秀節目，實現自己的舞蹈夢，一舉成名，并收獲愛情的勵志故事。整部作品場景龐大、場面眾多，且包含非常多集體性唱跳片段。唱跳是十分具有挑戰性的，集體性唱跳更是如此。由于該劇的人物角色豐富，劇中的合唱部分聲部多、變化大，和聲多為七和弦，內聲部的變化音較多，且合唱形式也比較多樣，既有領唱、重唱，也有大合唱。因此，排演這部作品首先要做的便是進行合唱部分的排練。

作為劇目課的老師和音樂指導，在排練這部作品時，我對其中的合唱聲部要求非常嚴格，甚至大部分排練時間都用在了合唱上。因為我深知，如果馬虎對待，之后一旦開始加入表演、舞蹈，合唱的部分可能會被忘卻。作為音樂指導，我同時還要負責樂隊的排練和指揮。最終，在大家的不懈努力下，《發膠星夢》順利完成，反響強烈。那一屆的同學，一部分已然是活躍在舞臺上、非常成熟的音樂劇演員了，還有一部分留學回國后進入各個院校，也成為了一名音樂劇系的老師。

比起二十年前初始階段的困難，現今無論是市場的認可度，還是人們對音樂劇的認識度都提高了很多，從上海近兩年來的音樂劇市場火爆度便可見一斑。音樂劇專業面臨著大發展的機遇，給我們的學生帶來了更多的機會和挑戰，同時對學生培養的工作也提出了新的要求。新時代的藝術輔導，在傳統的聲樂鋼琴伴奏工作屬性之外，是否還有更多的空間可以施展才華呢？答案是肯定的。我想，每一位老師也都正承擔起這份責任，為培養出更專業、更優秀的音樂劇演員，努力開拓新的道路！