盡情盡興

徐善來

1.設計師Diane Von Furstenberg在紐約的公寓中，墻上懸掛著AndyWarhol為其創作的肖像畫。Von Furstenberg回憶道：“我們都愛玩，Warhol會參加我的派對，我也常聚在他的Factory（工廠）吃午飯。那時他無處不在。”攝影：Horst P.Horst，美國版Vogue 1976年7月刊。

2.1984年的Jean-Charles de Castelbaiac秀場上，模特身穿類似電影膠片造型的連衣裙，反映了好萊塢電影對時裝設計的影響。

3.活躍于60年代的英國模特Twiggy，梳著叛逆的短發、無辜中又帶著些古靈精怪的眼神，成為詮釋波普藝術精神重要的面孔之一。攝影：Bert Stern，美國版Vogue 1967年11月刊。

4.1967年，設計師Mary Quant（坐于前排中央）與模特們展示她的最新設計，背景中繽紛的簡筆雛菊圖案由平面設計師Tom Wolsey創作，成為Mary Ouant鮮明的品牌標志。

5.意大利設計師Elio Fiorucci（前）與助理Cristina Bagnoli。上世紀六七十年代，Elio Fiorucci將波普元素從英國帶回意大利，并融入個人品牌的設計，帶動了波普藝術的流行。

6.Mary katrantzou 2016秋冬秀場以Andy Warhol的“銀色工廠”為靈感，將T臺場地包裹成了銀色的世界。

波普（Pop），這一來自“大眾化”（popular）的詞匯，從上世紀60年代開始重新定義了何為流行文化，并滲透到藝術、設計與哲學議題中，成為半個多世紀以來不斷被討論的話題。

二戰后的英國，因為經濟實力的弱勢，致使設計領域的發展不足。1960年后，隨著英國整體復蘇，年輕一代更加追求設計的品質，面對當時本土設計的陳舊過時，趕超同期的現代主義設計顯得不切實際，新一代的藝術家和設計師們希望“自立門戶”，從視覺差異入手，采用大膽強烈的色彩，突破傳統造型的束縛，甚至刻意尋求標新立異，以此向世界強調英國藝術設計的存在感。

彼時組成英國波普設計主力群體的，大多是剛剛畢業的藝術院校學生，其中又以時裝設計、平面設計領域較為突出：強調個性主張的展現，不再墨守成規。時裝上的離經叛道，是對社會標準的安全的隱性背離。

“好品位已經死了，通俗審美才有生命。”波普時裝的代表、設計師Mary Quant毫不掩飾自己對于顛覆時尚風格的渴望，在她的前衛觀念下，短到不能再短的迷你裙、極富沖擊力的色彩搭配與醒目的線條，在當時保守的英國時裝界刮起一場旋風。

雖然這場從英國興起的藝術運動旨在與現代設計劃清界線，但實際上，美國二戰后迅速崛起與消費主義文化的盛行，是推動這場文化發展的重要基礎。好萊塢星光熠熠的明星矩陣，娛樂業的蓬勃發展，令美國的波普藝術多了幾分紙醉金迷的意味。如果說英國的波普藝術是年輕人個性反叛的產物，那么美國則為這項“光鮮”的藝術加入了更多商業性、現代性的要素。

“我想利用商業復制的技術，徹底使用那些人們已經有了概念的圖像。”美國藝術家Andy Warhol一語道出美式波普的創作理念。在Warhol的創意世界中，可樂罐、罐頭包裝、明星肖像……看似與高端藝術格格不入的流行文化碎片，被他排列重組，賦予不同的色彩方案，令來自生活的素材走進藝術的語境。

不過正如波普藝術在視覺上給人們帶來的即時沖擊，這種除了“個性”而無法用更多動機來解釋的藝術風格，規模隨著60年代的結束而快速萎縮，并逐漸與更多商業化的合作、聯名相關。或許正是因為這種對色彩、線條、客觀事物純粹的創作沖動，讓波普藝術成為時裝設計界屢試不爽的靈感來源，繼續啟發著當下設計師們的創作思維。

在2021早秋系列中，大量與波普文化相關的符號意象重現，將我們帶回了半個世紀前那個狂熱的時代。首當其沖的便是Dior女裝創意總監Maria Grazia Chiuri，她直截了當地表示希望回到剛剛入行時，意大利波普時裝設計的Elio Fiorucci所傳遞的趣味風格中去。Louis Vuitton女裝創意總監Nicolas Ghesquiere則希望從波普藝術中汲取“活力”的元素，點亮那些適合日常穿著的風衣、馬甲和打底衫。而當我們看到Alessandro DellAcqaua打造的新季No.21造型時，很難不聯想到Marilyn Monroe的形象，也許設計師在創作時，腦海中正暢想著這樣一幅畫面：現身Studio 54的Monroe，應該身穿怎樣的時裝縱情狂歡呢？