淺談跨媒介傳播語境下關于梵高的影視改編

何宛依 中國傳媒大學

一、《梵高：畫語人生》——傳統媒體對真人真事改編的呈現

文森特·梵高1853 年出生于荷蘭南部的一個牧師家庭，他是后印象派畫家的代表，是表現主義的先驅。他27 歲才開始學畫，早期學習臨摹米勒、倫勃朗的畫作，并且受到日本浮世繪的影響。在短短九年時間里他創作出了864 張油畫，1037 張素描，150 張水彩畫，繪畫風格實現了從前期灰暗陰沉寫實到后期色彩豐富鮮艷的轉換。

梵高癡迷于繪畫與色彩的世界，直至37 歲英年早逝。在不斷創造藝術的同時，他戲劇化的一生也為后人留下了無盡的藝術想象空間。隨著電影電視等影視媒介的興起，對梵高生平傳奇的演繹實現了從文本到影像的跨越，包括1948 年阿倫·雷乃的《梵高》，1956 柯克·道格拉斯主演的《梵高傳》，1990 年蒂姆·羅斯、保羅·瑞斯主演的《梵高與提奧》……改編自梵高生平的影視作品不勝枚舉[1]。

而在這其中，2010 年由英國BBC 制作的紀錄片《梵高：畫語人生》表現尤為出色。該片由導演安得烈·赫頓指導，由以《神探夏洛克》為人所熟知的英國著名演技派演員本尼迪克特·康伯巴奇飾演梵高。在表現形式上與傳統紀錄片不同，該片虛實結合，由主持人進行旁白解說，配以情景再現式的搬演，穿插真實影像資料。以梵高留在世上的902 封絕大多數是寫給弟弟提奧的信為依據，將一頁一頁書信的線索進行整理，賦予藝術創作成分串聯起情節，再由演員演繹。所有用以描述梵高的話都來自他本人，沒有任何細節是虛構的。演員與演員之間并沒有對手戲，而是引用梵高和他身邊的人的原話以演員之口直接與鏡頭前的觀眾交流溝通，其中字字句句都是真實的，由梵高的內心獨白帶領觀眾縱觀其一生。

影片從梵高最為人所熟知也備受爭議的“割耳事件”入手，先入為主地呈現了梵高經歷精神崩潰后虛弱無助孤獨的狀態，鐵窗、牢房等符號象征著他不為當時的世人所接受，由此試圖揭示梵高瘋癲背后的真實，開始將梵高的一生娓娓道來。

梵高出生于荷蘭海牙的一個牧師家庭，他的父親是一位改革教會的牧師。梵高16 歲開始在古皮爾國際藝術品交易公司做學徒，后因工作原因搬到倫敦。在倫敦期間他沉迷英國藝術與文學，喬治·艾略特的福音小說使他回想起自己在基督教家庭成長的經歷，于是梵高決心追隨父親的步伐開始研讀《圣經》，并且成為了助理牧師，不過因為他傳教過于熱情反而遭到解雇。之后他深入荷蘭海牙的鄉下與農民一起居住，這段經歷使他創作出了《吃土豆的人》，他也由此開始掌握色彩的魔力。父親去世后，他前往巴黎投靠弟弟提奧，開始了真正作為一名畫家的生活。

初到巴黎，梵高進入費南德·科爾蒙的畫室學習，并且結識了許多畫家。后來他厭倦了整天畫石膏像，離開畫室前往普羅旺斯的阿爾勒地區生活，并且邀請高更前來與他一同作畫，希望打造一個屬于畫家的烏托邦。著名畫作《向日葵》《在阿爾勒的房間》《夜間咖啡館》《高更的椅子》均誕生于此時。但沒過多久，高更便無法再忍受梵高的個性，打算離開。梵高因此爆發精神崩潰，拿著匕首向高更追了出去，割下自己左耳的一塊肉送給了他最喜歡的妓女。于是梵高被送進療養院關了起來，之后還被送到圣雷米救濟所進行改造，也是在此期間他畫下了有名的割耳自畫像。后來他前往一個叫奧維爾的小鎮，在那里他遇到了同樣熱愛繪畫的加歇醫生。在奧維爾期間，梵高依然堅持每天早上5 點出門作畫，十分高產，畫下了《星空》《麥田群鴉》《割麥穗者》等名作。在一次去巴黎看望弟弟提奧和其妻兒回來后，梵高擔心自己成為弟弟的負擔，給提奧留下了最后一封信，四天后在他經常作畫的麥田里對著腹部開槍自殺。據說他在腹部中彈后爬回自己的小閣樓，兩天后死在弟弟提奧懷里，去世時僅37 歲，而六個月后弟弟提奧去世，年僅33 歲。

二、《至愛梵高》——大眾媒介使梵高藝術符號得以再生

紀錄片《梵高：畫語人生》在進行藝術加工的同時，還是保守了紀錄電影客觀真實的固有形態，極大程度上還原了事實，將梵高從出生到死亡的經歷較為完整地鋪陳在觀眾面前。而2017 年由多洛塔·科別拉、休·韋爾什曼執導的動畫電影《至愛梵高》可謂是做出了真人真事改編的空前突破。這部致敬梵高的“世界首部全手繪油畫長片”其實并非是一部傳記片，而是加入了商業元素和虛構成分的劇情片。并且在大眾媒介和消費主義的推動下，尤其利用新媒體的營銷宣傳策略，最終實現了對梵高藝術符號的反哺。

《至愛梵高》（《Loving Vincent》）的片名來源于梵高給弟弟提奧的書信落款“Yours Loving Vincent”，影片同樣著眼于信件，不同的是該片以這封信為線索完全虛構了一條故事線。故事講述了郵差之子阿爾芒受父親之托要將梵高生前留給弟弟的最后一封信件親自交到弟弟提奧手上，可是到達收信地址后卻發現提奧也已去世。為了把信件交給提奧遺孀，他來到梵高最后生活的奧維爾小鎮，通過與梵高周圍人的接觸，他發現梵高的死因也許并非自殺那么簡單。

雖然故事是虛構的，但故事中的人物都能夠在梵高的畫中找到原型。導演試圖用梵高的筆觸還原一個梵高畫中的世界，用梵高自己的畫作來講述他的生活。為此片方以《黃衫男子》《彈鋼琴的女孩》《加歇醫生》等梵高畫作中的人物形象為依據設計出20 多位相關人物，并請來了包括道格拉斯·布斯、西爾莎·羅南等在內的專業演員進行表演，通過綠幕拍攝捕捉動作，再由從全球5000 名申請者中甄選出的125 位畫家，完成62450 幅油畫的繪制，轉換成CG 動畫，以相對罕見的每秒12 幀的播放頻次配以1.33 ∶1 的畫幅[2]，還原了120幅梵高的作品并與影片場景相結合，給觀眾帶來身歷其境般的感動。

導演多洛塔·科別拉坦言自己從15 歲起就開始迷戀梵高，也正是這樣一部“粉絲電影”在一定程度上帶動了粉絲經濟，引起了全球梵高迷的狂歡以及對梵高這一藝術符號的再消費。

比起之前同類作品從文本到影像的媒介轉換，《至愛梵高》在藝術層面直接實現了繪畫與電影的跨媒介傳播，使得繪畫由傳統的美術館展覽傳播方式走向媒介融合式的傳播。繪畫除了通過電影這一媒介進行傳播與消費，還能憑借新媒體“兩微一端”的聯動進行小屏傳播[3]。早在電影上映前，新浪微博上的預告片就已經引發熱議，網友們對“全球首部純手繪油畫長片”的噱頭存在獵奇心理，而關于該片制作的幕后花絮及主創采訪也被各微信微博公眾號爭相轉載，使得網友紛紛感嘆于主創們的良苦用心。在社交媒體的粉絲圈層人們通過分享感受評論達到共情，從而引發熱度，帶來流量。這部影片最終在中國收獲了6864.5 萬元票房，豆瓣評分8.6，貓眼電影評分9，時光網評分8.4。而對梵高的藝術符號消費也從線上的精神消費反哺到線下的藝術作品上。梵高作品展，浸入式體驗展，以及相關文化產品畫冊等層出不窮，尤其是對于梵高迷而言，當熟悉的對象進行跨媒介傳播時，內容與媒介的雙重創新就成為吸引他們進行藝術消費的主要動力之一。[4]

《至愛梵高》雖為商業性與藝術性共贏跨媒介傳播的成功案例，但歸根結底，最終打動觀眾的并非是虛構的劇情而是梵高的畫作本身，當人們看到梵高的靜態畫作能夠在大銀幕上栩栩如生，在百年之后他終于用作品證明了自己對生命的熱愛時就會感動于他對世界的溫柔和他思想的深刻。

三、《永恒之門》——藝術片對真人真事的風格化改編

相較于2017 年的商業片《至愛梵高》取得的非凡市場成績，2018 年另一部關于梵高的電影《永恒之門》則如梵高的作品不被他所處的時代所接受一樣也并沒有受到當今主流市場與觀眾的歡迎。

該片截取了梵高前往法國后在阿爾勒生活直至最后在奧維爾去世的人生片段。本片的導演是指導過《潛水鐘與蝴蝶》的朱利安·施納貝爾，像《潛水鐘與蝴蝶》一樣，《永恒之門》也是一部極度風格化的人物傳記片。導演依舊運用了大量不穩定的手持攝影以及主觀鏡頭，甚至還在鏡頭前加上濾色鏡，刻意制造模糊，為了使人們成為梵高的眼睛，為了讓人們直接看到梵高所見的世界。片中的聲音呈現也極具主觀性，梵高精神崩潰時的蜂鳴聲，被打時外界聲音的戛然而止，高更離開時梵高內心聲音的不斷回響，這些藝術化的處理使觀眾不僅成為了梵高的眼睛，還是他的耳朵。其實導演這樣做是在極力幫助梵高實現他希望被世人理解的心愿，由此可見導演對梵高的愛。

意識流的敘事體現在片中多段純粹展現了梵高作畫時的狀態，他的筆觸粗糲，運筆似乎是無意識的，流動著人類生命的原始沖動，他在田野里奔跑，感受泥土，捕捉風聲，仰望天空。正如梵高對色彩獨到的演繹，片中的顏色似乎也刻意偏離自然，藍色的樹林，泛著粉紅色的天空，黃色的房間，這些不是自然的顏色，而是梵高內心的顏色。

威廉·達福飾演的梵高溫柔、謙遜、纖細，甚至有些害羞。他渴望生活，希望成為人群的一員，但卻又不知該如何與人接觸。他的身邊凈是些粗鄙、無知、庸俗的人，人們問他為什么畫花，畫樹根？因為這是只有梵高能看到的自然之美，然后他用來自內心來自情感的色彩使人們看見，讓人們覺得自己活著。可是人們不理解，不尊重，不重視，甚至隨意破壞，輕視他的畫。“生命是為了播種，收獲不在這里。”上帝給了他特殊的禮物，可是卻給錯了時間。天才是遠超出他所處時代的，梵高的作品遠超出當時受眾的期待視野，他的畫是給未出生之人畫的，所以一百多年后依然在感動著我們。

四、結語

梵高的一生似乎是對尼采“酒神”精神的實驗，他用癲狂與醉來掩蓋生命悲劇的事實。但瘋癲并不是梵高的生活常態，藝術是苦難的唯一出口。這位強烈而真實的藝術家用畫作直擊我們的感官，用充滿過剩生命力量的色彩滿足我們對現實的綺麗幻想。在接受梵高禮物的同時，我們也在用傳記，電視，電影甚至是新媒體等多種媒介手段延續著他的生命力。對梵高傳奇的跨媒介影視改編，在大眾媒介的影響下以多種視聽元素對原作進行解構重構，在強化了傳播效果的同時也使作品的內涵獲得再生。