淺析中外聲樂藝術的異同
——以欣賞和演唱角度為例

王 珊（河北農業大學，河北 保定 071000）

不同審美視角產生不同的審美標準，在中外對比分析來看，這種差異化的視角主要來源于社會文化背景。歌曲演唱作為人內心情感和生理相結合的一種藝術表現形式和人的日常生活息息相關，也是聯系最緊密和自然的藝術表現形式。中西方歌曲演唱的方式和內容表達雖然存在個性化差異，但是從藝術審美和演唱方式的角度來看存在很多共性，也就是藝術的精妙之處。

一、中外聲樂藝術的差異性

1.社會文化和背景

中西方音樂的差異大多集中于區域差異、文化差異以及社會發展差異幾個方面，其中的差異也影響中國音樂和西方音樂不同的音樂審美[1]。我國最早提出音樂美學思想的是儒、道兩家，中國社會從古到今的音樂發展幾乎都是由當時提出的一些音樂美學思想發展演化而來，本質上都是追求音樂與自然的和諧統一。

中國式審美對中國音樂的發展在一定程度上起到了不可忽視的作用[2]。中國音樂的審美標準是有感而發，講究內斂含蓄。中國傳統音樂追求的是朦朧的意境美，推崇的音樂思想是以內斂、含蓄、淡泊為主，重視抒情的表達和追求意境的深遠是中國音樂審美獨特性的體現，追求意境上的寧靜致遠，給鑒賞者留下美好的印象以便仔細品味，在思想情感上帶來了升華與感悟。

西方音樂在發展過程中關于音樂美的討論存在兩種思想。其中一種強調的是受音樂具體形式以外的因素會對音樂產生一定影響，這種思想強調了內容，內容決定了形式，這就是情感音樂美學的概述；而另一種思想則與之相反，它強調的是音樂本身所體現出的美，換而言之也就是音樂的內在決定音樂美的具體表現。

2.創作思維和方式

從音樂的創作思維來看中西方音樂形式的不同特點，中國注重樂曲的再創作更新，而西方主張專曲專用，重視音樂的原創性[3]。音樂的再創作首先是要尊重原作品的風格來作為其價值取向，創作中改變原作的基本曲調或者音樂節奏等等，來賦予樂曲新的內涵和意義。西方音樂創作則以作品的個性為目標尋求藝術價值，在作品的形式或者創作技巧上以不重復為原則，盡可能做出新的音樂形式或新的音樂風格。

從音樂作品的創作上來看，中西方音樂存在較大的差異。中國傳統音樂的創作具有集體性、創作一體化等特點。這其中集體性是指作品中凝聚著音樂創作者和其他參與者的心血，講求制作過程的集體和協同。創作一體化是指音樂創作過程當中在作曲的同時也就是歌唱或演奏的過程，沒有再創作的分工，也就是音樂制作中的即興化。反觀西方音樂作品，特別是專業作曲家的創作方式具有個體性、再創作分離等特點[4]。西方音樂作品完全是作曲家自身的個人勞動產物，具有濃厚的個性化特征。同時，再創作形式上呈分離狀，即具有明確的分工，例如，作曲家的創作僅是樂譜創作而已，不負責其他環節。

3.語言和生理差異

歌唱環節人體的生理器官需要不斷律動調節，在不斷的運動變化中尋找器官與音樂節奏的平衡感。不管是中國還是西方的聲樂作品演唱，都要在自身語言審美基礎上運用共鳴。但是不同的社會文化、不同的語言必然形成不同的發聲習慣和音樂審美，具體表現在歌唱時共鳴腔體的運用方面。

以漢語和意語的演唱方法分析為例，漢語的發音變化以及口型打開動作大多是橫向的，所以咽腔和口腔內部的容量比較小，音色也較為明亮具有穿透力；而意語發音的口形普遍為縱向，發聲時咽喉向下壓，并且保持后咽壁直立，這樣就會讓咽腔和口腔的容量增大，所以發出的聲音較為圓潤寬厚。把人體自身器官的共鳴運用做到極致，使歌聲具有強力的穿透性，也是意大利美聲學派的重要成就之一[5]。

二、中外聲樂藝術的共同點

1.注重情感的融入

歌手通過聲情并茂的演唱能夠打動聽眾的內心，是因為這個過程融入了演唱者自身的情感，在思想上和感情上和聽眾達成共鳴[6]。這一點在不同文化、不同民族、不同社會背景中的表現都是大體一致，即使大的環境和文化語言會給情感融入的方式以及表現手法造成些許差異影響，但是最終形成的音樂作品和審美價值標準的觀念上終歸是一致的。

例如國外由威爾第作曲、皮亞維作詞的歌劇《茶花女》和中國的民歌小調《小白菜》在演唱的過程中要先將自身的情感融入歌曲的意境和情節中，在心中構建大體的故事框架。然后想象自己就是音樂故事里的角色，在開始演唱前就有充沛的情感氛圍。再加上熟練的技巧和演唱時的表現力，不管是視覺效果還是聽覺效果都會飽滿充實且扣人心弦。

2.音樂元素的配合

歌曲就是演唱者的語言、聲音和曲子的深度融合，將其中的元素巧妙結合，達到讓人賞心悅目的目的。

我國的傳統音樂表現形式中無論是民謠、曲藝，還是戲劇的發展都講求一個“字正腔圓”的原則。素有“中國戲劇理論始祖”之譽的李漁在其作品《閑情偶遇》中就曾有“字從口出，有字即有口，如出口不分明，有字若無字，是說話有口，唱曲無口，與啞人何異哉”的觀點。

美聲的演唱方式初入中國時由于語言文化的限制和傳統觀念的誤解，認為國外的音樂演奏形式重在聲音的表達，而不重視文字表達。其實早期的國外音樂創作者例如莫扎特等人在作品中就已經開始研究將文字與歌曲的旋律進行充分結合，再往后發展到舒曼、舒伯特時代，作曲家開始從一些詩篇中獲取靈感進行創作，將詩詞和音樂進行相互交融，把句中的重音和曲中的重音做到完美的吻合。所以，無論是傳統民族音樂還是國外的優秀作品都在語言的積累與樂曲的融合方面下足了功夫。

中外歌曲的語音不外乎元音和輔音兩種，而元音是歌曲優劣的重要部分。中國古人總結得出的十九韻、十三轍以及意大利美聲學派所歸納的五個元音都趨于一致地表明了元音訓練的重要性。其演唱要遵守“字正且清”的原則，在長音、尾音等部分保持不變，因為元音的改變也可能導致聽者對于詞義的理解發生偏頗。輔音在歌曲演唱中也是一樣，要求清晰和準確，否則導致即便元音唱得很規范，但聽眾仍然很難去理解詞句含義。比如漢語中前、后鼻音，意語中的單、雙輔音等都需要加強注意。而且輔音也有利于力量的爆發和語氣的展現。所以，在具體的演唱過程中輔音的作用也不能忽視。

無論是在國內還是國外，聲樂練習者每天進行訓練，主要內容就是在練每個字和音的具體音高、音強，尋找并達到一種平衡體驗，感覺訓練過程中是怎樣的壓力、腔體狀態、咬字感覺，讓器官的發聲區域得到統一平衡，達到字正腔圓的境界。

3.演奏呼吸的把握

歌曲演唱藝術最重要的就是呼吸方法和節奏的掌握，中外音樂學者都曾對呼吸的重要性做出相關闡述，由此可以看出呼吸和歌曲之間的緊密聯系。

胸腹式呼吸法是西方歌唱領域的研究者長期研究探討，加之實踐得出的最合理有效的深呼吸方法。具體表現方式為“在吸氣時保持腹部突出，支持整句的氣息，在最后將要完結時慢慢舒緩，恢復腹部到原本的狀態”。在日常的訓練中注意換氣過程的流暢，做深呼吸給身體的肺部灌輸空氣，讓肺部向下擴張伸展至橫膈膜處，在唱同時將下腹向上收縮，然后將氣呼出。

我國古代曾提出“氣沉丹田”的說法，一直以來被習武之人和中國戲曲藝術家所運用。仔細對比就能發現，兩者實際表述的意思大致相同。丹田也就是是呼吸發力的落腳點，也是穩定聲音和氣息的支撐點，在演唱中丹田的支撐使呼吸更加順暢并且能更好掌握呼吸節奏，從而達到歌曲演奏的各種變化。

總結中西方兩種不同音樂歌唱形式在呼吸方面所具有的共性，就是充分放松然后開始吸氣，將氣體充滿整個肺部，使腹部自然凸起，加大腹腔的壓力，因而感覺氣息到達腹部以下。不同的歌唱家演唱時，首先不論其地域、風格、審美、聲音高低變化，只要在同一個水平標準上進行比較就能發現他們在氣息運用方面幾乎一致。由此可見聲樂藝術的包容性和廣泛性，即使同一類型的作品，由于感情不同、音色高低不同、節奏變化不同，都會影響呼吸運動的細微變化。而這一切變化都限定在上述范圍內，也就是胸腹式深呼吸法。

結語

中西方歌唱藝術的表現形式各有千秋，但其中存在的共性也為其中西方音樂文化的相互交融發展奠定了基礎。二者之間的個性也恰巧增強了彼此間交流的吸引力，推動了歌唱藝術的發展和創新。

綜上所述，從音樂的欣賞以及演唱的角度來看，中西方兩種不同的聲樂的表現形式雖然在個性上存在差異，但二者的音樂價值和藝術價值殊途同歸，特別在聲樂發展方面二者可以取長補短、各為所用。