淺析日本陶瓷器物中的“物哀美學”

楊慕琛，戚 彬*，任允鵬

（1.山東理工大學，淄博 255049；2.山東硅元新型材料股份有限公司，淄博 255086）

近年來，日本的陶瓷器銷量有增無減，陶瓷業發展規模逐漸擴大，這代表了人們對于日本陶瓷器的欣賞與認可［1］，況且日本陶瓷器早已發展出民族特點，每件器具上無不體現了“物哀美學”。它在日本陶瓷器中具體有：色彩留白、材料質樸、造型殘缺等特征。下圖為日本設計師小川狀一為三倉堂設計的陶質卵形花器（見圖1），“物哀美學”的三個特點在這個花瓶（日本常稱之為花器）上均有體現。它在顏色上有極少的裝飾，基本采用的固有色、材料也顯得尤為質樸。最突出的特點是瓶口的不完整性與不規則性，即造型殘缺，同時正是“物哀美學”的核心體現。日本欣賞殘缺美，相信“不完美”是對“完美”的一種升華，作為一種更美的姿態來展現，且與中國審美中的“圓滿”與“完美”理念恰恰相反［2］。

1 “物哀美學”的源流

圖1 小川壯一的卵形花器

1.1 “物哀美學”基本釋義

“物哀”這個概念在日本很早已經形成，但這一名詞直到江戶時期才首次被日本國學家本居宣長提出［3］。其中，“物”可以是具象也可以是抽象的存在的物體，“哀”是人們與物體之間產生的一種心理感受。“物哀”是指人們接觸事物從而引發的真情流露。用這幾個形容詞來概括“物哀美學”的特點以及感受：“殘缺”、“質樸”、“纖巧”、“空寂”、“自然”、“坦誠”足矣。

1.2 “物哀美學”形成原因

在自然地理因素方面，日本國土面積狹小，是四面臨海的島國，因而在日本人的審美里，更偏向于纖巧可愛的事物。由于日本處在亞歐板塊與太平洋板塊的接壤處，因而自然災害是避免不了的，所以他們長期以來敬畏自然，且一直保持著這種危機意識，這種危機意識經過長時間發展傳承與提煉升華，慢慢形成了獨特的審美理念：世間萬物變幻無常，永恒不會留存，因此更加珍惜須臾的美好；憐惜萬物，更能捕捉到易逝與不完美事物的美，因此對于殘缺的事物有著極度的鐘愛。

圖2 森正洋（白山陶器工作室）的G型醬油瓶

在歷史文化因素方面，日本自古以來就存在對山川河海的敬畏感。在中國的隋唐時期即日本的飛鳥時代，佛教漸漸傳入，并在大眾中廣泛傳播開來。佛教中的“因緣和合”的觀念與“悲苦意識”滲入了日本民間，再加上日本國土面積狹小，自然災害頻繁等特點的影響，更加深了“物哀”的審美意識［4］。但日本佛教尊重人們的天性，沒有清規戒律，因此他們的作品中也沒有束縛感與虛偽感，所以我們既能感受到日本陶瓷中的質樸、空寂，又可感受到純粹、坦誠［5］。

2 “物哀美學”的體現

2.1 色彩“留白”與“物的八分目”

在陶瓷器的設計中，日本人普遍喜歡大面積保留材料的固有色，并且喜歡用少量的顏色達到多樣的效果。因此日本的陶瓷器都帶有淡淡的禪味，更強調了空寂、枯淡。簡素，并不像中國的陶瓷器那樣精美富麗。除了固有色的使用，在現代設計中，他們更喜歡用“白”來作為物體的主色，白瓷與青白瓷是主要基調（如圖2）。這反映了一種民族用色習慣，白色是最干凈的，且可以包容任何色彩，并降低其純度，使顏色變得內斂；且白色象征著開始，象征著無窮的潛力，擁有自然的魅力。可以說，它是“純粹”、“包容”與“自然”的象征。

在日本也流傳著“物的八分目”理念的俗語，通俗來講，即“飯只吃八分飽”。這句簡單的俗語實則隱含了深度的哲學：飯不能吃到十分飽，人的欲望也不能太滿，對物質的滿足要從十分“抑制”到八分，始終都要有一個克己的過程。這在色彩“留白”上也一個道理，顏色不能鋪陳太滿，要留出空間來克制自己，讓自己返璞歸真，追求萬物本身的純真與樸素。

2.2 材料“質樸”與“不立文字”

圖3 日本陶瓷器中“殘缺”體現

日本陶瓷作品總有“樸質本源”之感，他們并不會用過多的藻飾，而是用最本真最樸素的材料進行創造，因而直接蘊含一種樸素溫雅的超凡脫俗之美，剎那間把人們帶入到了大自然的真切與清凈中去，達到一種對人的凈化作用，洗卻人類世界的束縛感與虛偽感，回歸到最原始的本源中去［6］。

“不立文字”是佛教中的用語。大概解釋為：文字只是為了交流而衍生出來的工具，但不需要文字也可完成交流，且人如果執著于文字、語言，則只會走入迷途。抽象來講，各物所產生的交集都可稱之為“交流”，觀賞風花雪月所產生的心理感受同樣是一種“交流”。而這其中完成“交流”過程最重要的則是將精神融入進去，以心印心，用心靈去覺悟［7］。日本陶瓷材料的“質樸”與“不立文字”實質上是相通的。“不立文字”講究不執著于文字與語言，這兒的文字與語言就可代表為材料中的裝飾，都同為衍生物與附屬物。而不立文字，用心靈感悟事物的本源則相當于去除任何裝飾，透過質樸去體會陶瓷器帶給人的感受，以心印心、坦誠相待。

2.3 造型“殘缺”與“無常觀”

由于自然地理因素與歷史文化因素，日本人對于“殘缺審美”與“無常觀”也在長期滲透。“殘缺”是“物哀美學”最直接、應用最廣泛的特點體現。

如圖3所示的四個陶瓷器中，無不展示著“殘缺”所帶來的美。陶瓷器用在最多的器具是茶具，日本的茶道有“七美”，其中“缺陷”為美之首［8］，細看這幾個茶碗，拿志野茶碗為例，茶壁上不規則的裂痕將茶碗進行了空間上的分割，看似破損的殘次品實則是對“殘缺美”最直接的詮釋。因為有著殘缺性，茶碗在空寂的基調中卻不顯單調，把瑕疵直接外漏給人一種純真之感，且殘缺的裂痕更是彰顯了不被“完整性”制約，強調了一種放松的情緒，不必再緊張與謹慎。這并不是工藝水平不夠帶來的裂痕或臟點［9］，而是為了美觀刻意而為之，正體現了從真正“不完美”到“完美”再到追求“不完美”的超越過程。

細看日本樂茶碗與佐竹晃的柴燒作品，會發現茶碗除了殘缺外還有不對稱的特點。不對稱審美也是基于對“殘缺美”的追求中衍生出來的，因為茶碗的不對稱，所以茶具顯得靈巧可人，像是不受約束的嬰兒一樣，仿佛還擁有生命的本源。日本人因為鐘愛不完美，所以追求殘缺，追求不對稱的美。在日常生活中，他們追求虎牙（而非整齊對稱的牙齒）、比起偶數更喜歡奇數，處處可體現對于殘缺美的鐘愛［10］。

3 “物哀美學”啟示小結

由于追求著“留白”、“質樸”，他們始終都有著克己的心理，從外向內克制自己，再由內而外流露坦誠；同時追求著“殘缺”，所以他們更加珍惜脆弱的事物，從而進行自我反省與愛惜一切。櫻花是日本的國花，每年進入三月，沒幾日便在這花季中競相盛開，但持續幾日便開始凋零。若盛開時又受到風雨的摧殘，由開至落的時間也許就在一瞬。所以用“曇花一現”來描述櫻花再合適不過，因此他們對于脆弱的櫻花更是有別樣的情愫。日本人深入骨髓地追求“殘缺”的“物哀審美”在藝術創作中體現的淋漓盡致。不同于我國的地大物博、自然災害較少，我們很自然地把追求“圓滿”與“完美”作為長期以來的審美觀，在日后的設計中，我們既要學會吸收別的民族的理念，并取其精華，去其糟粕，學習他們的克己與對陶瓷藝術的坦誠，學習他們對于殘破品的鐘愛與珍惜；同時又要保持著自己民族的特色，在“不完美”中發現與創造“完美”，不斷的探索事物的本源與精髓，才能設計出更好的陶瓷作品。