孫煜舒(西南民族大學,四川 成都 610225)
什么是音樂的歌唱性?我所理解的音樂的歌唱性是指不論是何種音樂形式,不論何種樂器演奏都需要融入感情。你所演奏的作品都需要發自內心的去演繹,手中的樂器就如同你的嗓子去歌唱一般來表達你真摯的感情和想法,這樣才能使樂器和樂曲完美的融合在一起,才能感動別人。
為什么音樂需要“歌唱性”呢?作曲家在譜寫曲子的時候,是對自己情感的一種表達,將自己的內心旋律寫成譜例,但是譜例是理性的、機械的將作曲家的旋律音高、節奏強弱、音符時值記錄下來,加入一些表情記號。可是這些統統都不能完美的展現作曲家的內心情感所表達的東西。那么音樂的“歌唱性”就顯得尤為重要了。音樂中的“歌唱性”并不僅僅是字面的意思。它其實是對音樂的一種理解情感的表達。每一位演奏者、演唱者在演繹音樂作品時,都是對作品的二度創作,就像一千個人心中有一千個哈姆雷特一般。每一個人都一首音樂的作品理解和體會也一定不是完全的一樣。這就需要演繹著在接觸作品的時候,深刻體會作品的內涵,了解作曲家想要表達的思想情感,融入自己的感受理解以自己的方式去演繹作品。音樂的“歌唱性”就是對作品情感的演繹的一種要求。音樂的“歌唱性”這么重要,那我們作為音樂學習者應該怎樣去提高音樂的歌唱性呢?我們可以從音樂的張力、呼吸氣口、旋律線條、幾個方面來入手。
音樂中的張力是指在樂曲中,每個樂段、樂句之間的感情處理及強弱快慢的對比。張力的大小決定你所演奏樂曲被觀眾所感同到的感覺大小。在樂曲的表現方面如果沒有張力,那么音樂就如一潭死水毫無波瀾,毫無生機。這樣的音樂就是不流動的、沒有生命的。這也是很多學習音樂者常常會犯的錯誤,只是機械的學會譜子,機械的演奏和演唱。再好的作品也會失去自身的色彩。所以我們一定要注重音樂中的張力表現,選擇恰到好處的力度和方式去演繹作品就比如我們熟知的鋼琴曲月光,在樂曲的前段,描繪了月光靜靜的灑在海面上的畫面,這個時候我們在演繹的時候一定要注意音樂色彩要稍微暗淡一些,音符與音符之間不能鏈接的太緊湊給人一種節奏過快的感覺,。一般來說 張力是在樂曲的節奏之內來表現的,音樂的表現有演奏者或演唱者的自己的理解在里面是很好的,可是音樂表現的張力再大也不能跳出作曲家的根本思想和節奏的基礎,例如著名的小提琴曲《梁祝》,整個作品的基調已經明確的規定好了,演奏者在演繹的時候就不可過于發揮,將其演奏的過于輕快歡樂。
音樂中的呼吸是指樂句之間的起合,就象人在說話一樣,不可能回你一直不喘氣的說,也不可能是沒有表情的在說話,音樂的表現也同理。如果演繹者在音樂中能夠找到每個樂句之間的關系,就可以根據這個關系在音樂中最合適的地方來決定音樂的氣口。達到人與樂器的高度統一境界。每一次在氣口呼吸的同時,要感覺自己也與音樂一同呼吸。想象自己在講述一個故事,對著聽眾娓娓道來,每一個氣口、每一次呼吸都必須要恰到好處。就像歌唱家在演唱歌曲一樣,人們都說“語意不達則歌”意思也就說人們在表達自己情感的時候感覺語言已經顯得蒼白無力時,就用歌聲來抒發自己的情感。在樂器的演奏也需要這樣的狀態。這個很難,需要對音樂非常了解并且自己技術過硬的時候才能體會的到。這也是強調了演繹者必須要對自己演繹的作品做到爛熟于心,肌肉形成高度記憶,不假思索的時候就可以將樂曲表現出來,這樣才能有更多的精力去注意音樂“呼吸”。這也要求了演繹者要對作品不斷的反復練習。
音樂中的旋律線條我的理解就是音樂中的起承轉合,細化到每一個樂句中就是每一個句的起伏對比,一首音樂作品不可能是同一個節奏和速度拉通到底。在不同的樂段表現不同情感時有不同的變現手法。旋律線條也可以說是經過藝術構思而形成的若干樂音的有組織、有節奏的和諧運動。它建立在一定的調式和節拍的基礎上,按一定的音高、時值和音量構成的、具有邏輯因素的單聲部進行。亦稱曲調。它可以是單聲部音樂的整體,也可以是多聲部音樂的主要聲部。在音樂作品中,曲調是表情達意的主要手段,也是一種反映人們內心感受的藝術語言。通常認為,曲調是音樂的靈魂和基礎。那么音樂中的旋律線條就顯得尤為重要。特別是在音樂的“歌唱性”中旋律線條就是流動的血液。音樂旋律線條是一部作品中的基礎,整個作品就是在這個基礎上生根、發芽、抽枝、長葉、開花,最后成長為一株枝繁葉茂、花艷果豐的參天大樹。所以,音樂的線條是作品中所有音樂的發展依據,是決定音樂作品優劣的重要因素。所以我們在演繹音樂作品一定要對作品進行分析,對音樂的旋律走向進行解析。如果我們能將旋律線條表現的好,那么作品就如同溪水匯去大海一般,時而長流直下、時而綿延婉轉、時而細水長流、時而驚人心魄。這樣被表現的音樂作品就十分具有藝術性。
綜上所述,音樂的“歌唱性”在音樂中是十分重要的,可以說是一首歌的骨架和血液。在我們學習音樂的過程中一定要注重音樂的歌唱性,以上是我個人對如何提高音樂“歌唱性”的一點小小的理解。希望在今后的音樂學習中,我也會嚴格要求自己,在對音樂的表現方面做到更好。