拉里·貝爾:我與光線的約會

文 Article > 張慧娟

“每一個創作都只不過是一個實驗、一種體會、一項研究的印記，不多也不少。”

——拉里·貝爾

拉里·貝爾（Larry Bell）美國著名藝術家、雕塑家，2016年獲得棕櫚藝術展（Palm Springs Fine Art Affair）終身成就獎，也是全國藝術基金會（National Endowment for the Arts ）和古根海姆基金會（Guggenheim Foundation） 的創作基金的獲得者。從豪瑟沃斯畫廊（Hauser & Wirth，當代藝術市場中最具影響力的畫廊之一）給出的拉里·貝爾的生平中可以看到貝爾每年都穿梭在大大小小的展覽中，從1959年開始至今，個展和群展加起來多達700多個，國家跨越中國、美國、英國、德國、法國、日本、澳大利亞、西班牙、巴西、挪威、丹麥、瑞士等眾多國家，但遺憾的是我國對他的研究卻少之又少。

現在拉里·貝爾的作品《威尼斯的霧 I》（Venice Fog I，2017）和《威尼斯的霧II》（Venice Fog II，2017）正在豪瑟沃斯洛杉磯藝術中心的庭院中展出。而關于這兩件作品的展也在豪瑟沃斯畫廊（蘇黎世）展開討論，時間從2018年1月18日持續到2018年3月3日。

《威尼斯的霧》由兩件作品組成，兩件作品均為正方體，作品材料為夾層玻璃作品，顏色為藍色，貝爾表示作品的靈感來自加州威尼斯海灘的霧，他想通過這件作品來展現他對霧中水的擴散現象以及洛杉磯出現的沙漠之光的理解，作品在探索材料的同時從光學效應出發，外玻璃霧蒙蒙的顏色與內玻璃的顏色相互作用，像洛杉磯太陽的光束，而玻璃上裂痕創作出的三條線——裂痕的反射、裂痕的影子和裂痕本身，又像是在探索三維物體在現象空間中難以捉摸的本質，尋求聚焦物質性和非物質性更為強大的方式。這兩件具有視覺復雜性的雕塑裝置展現了一系列的多層映射和正方形態，聚焦了色彩與密度帶來的感官刺激。而觀者在不同時間經過雕塑，因光線的不同，也會產生不同的感受。不僅如此這一作品也是他對1992年在德國Abteiberg博物館（Abteiberg Museum）展出作品的重新思考。

從小時候說起

拉里·貝爾1939年出生在美國的墨西哥州，從小喜歡看動畫片并且喜歡畫畫，6歲時全家搬到加州，有機會在Chouinard Art Institute（這個學校被視為迪士尼的搖籃）讀書，但他并沒有成為動畫師，而是在畫框店工作，設計畫框，這份工作開啟了他對結構解剖的熱愛，一段時間內他不停的畫各種幾何圖案，并嘗試用剩余的玻璃鏡面和木材進行立方體創作。

玻璃與光

20世紀60年代，貝爾開始全身心的投入雕塑創作，他自己回憶到“開始時，我把玻璃涂上一層薄薄的金屬膜，呈現不同光線的反射界面”。這正是他創作的奧妙，正是這種金屬電鍍法開啟了他玻璃創作的世界。如1966年創作的《無題》作品，他將銠礦加溫蒸發冷卻后形成的色彩涂抹在玻璃里面，形成一層深淺不一的涂層，給作品創作出視覺上的虛擬空間感和光線感。這種創作方法使他名聲大躁，這一時期的代表作品以“立方體”系列為主。

20世紀70年代貝爾放棄了立方體的創作形式，更多的探索作品與展示空間產生的聯系，這一時期他創作了大量的裝置作品，1971年的《無題》，大大的透明玻璃與周邊的環境形成了一種戲劇性的視覺效果，使人在迷幻與現實中穿梭，1974年創作的《冰山和影子》（The Iceberg and its Shadow）在隨后幾年里獲得了大量的展出機會，幾乎展遍美國，并成功在意大利展出，這個作品宛若一個巨大的迷宮，大型的幾何型玻璃構造出作品的建筑形態，當觀者置入其中時會產生奇妙的心理感受，這種迷幻世界的展覽氛圍在當時非常具有前瞻性。

1 > 《威尼斯的霧》,裝置作品，2017年

2 > 1971年 無題，初期比較有代表性的立方體系列作品

1 >幻影繪畫 217號，1990年品

2 > 幻想研究3號，1988年作品

幻影繪畫

20世紀80-90年代貝爾更多的投入到繪畫中，如《幻影繪畫》，藝術家利用紙張的不透明性結合不同材料的質感，在光線的配合下，不透明性與各種材料的光線折射呈現出豐富的視覺體驗。貝爾強調自己非常喜歡紙這一材料，不僅是因為紙的可塑性強，還因為紙的遮光性很好，可以作為底色與任何顏色相搭配，縱觀貝爾的架上藝術，他的創作理念與他的雕塑作品一致，也是不斷創造光與空間的魔幻體驗。在他的繪畫作品中也經常出現玻璃、鏡面等材料，這些材料經過形狀的驅動為作品注入立體主義的語言，在顏色的簇擁下與光發生化學反應，而塑料、聚酯薄膜、塑封膜在他的作品中更多的充當形狀功能，因為自身的反光作用，在顏色的干擾下，締造出不同的波長，所以有深度的、閃爍不定的光在刺激觀者視覺體驗的同時也增加了觀者的互動欲望。

魔幻空間

近年來貝爾又重回雕塑作品的創作中，并在香港舉辦了兩次展覽，其中一次是2014年在香港白立方的個展，展覽展出了他的雕塑作《光之結》（light knots），這一作品的材質是聚酯薄膜，聚酯薄膜的表面被鍍上了各種金屬并用石英涂層涂抹，質地非常柔韌，形狀上也被扭成了彎曲狀，像是能扭轉的紙片，這樣的結構形成了復雜的鏡面空間，周圍的光線被傳送和重新吸收反射。

貝爾自己說他喜歡一切跟表面有關的東西，光參與表面的過程是他創作的動力，表面是不變的，有時候他所作的只是調整折射到作品表面的光線，而調整光線對他來說就像魔法一樣，所以我們可以看到他的很多作品都有“重復展出”的嫌疑，如作品《平靜的紅》（paciベc place）在2016年的香港太古廣場（Pacific Place）展出后，又在2017年惠特尼雙年展展出了《平靜的紅II》，這兩個作品在外觀上幾乎一樣，但展出后效果卻大相徑庭。又如《光之結》也曾經多次展出，2014年在香港展出，貝爾把他置于丙烯酸玻璃盒子中，而在2013倫敦白立方（Bermondsey）的展出時，它是被懸掛在天花板上的。2016年重回香港展出時，它被置于了香港太古集團奕居酒店的天花板上。這種調整豐富了作品的觀展感受，可以說每一次被調整的作品都是嶄新的。

3 > 《無題》，初期比較有代表性的立方體系列作品，1962年

4 > 光之結，2014年

5 >《平靜的紅Ⅱ》，2017年惠特尼雙年展展出作

1 > 《光之結》，2013倫敦白立方（Bermondsey）

2 > 2017年在倫敦白立方畫廊展出的作品《在底部的煙》

3 > 在倫敦白立方畫廊展出的作品《二維與三維的玻璃與蒸汽》

極簡主義者的表達

“極簡藝術”（Minimal Art）一詞最早出現在雕塑領域，通常是指20世紀60年代在紐約和洛杉磯出現的一種藝術形態，傾向于單一或者重復的幾何形態表達藝術理念，通常狀態下作品會抹掉任何情感，與抽象表現主義不同，極簡雕塑固守作品的物理世界，材料單純為材料，在陳列方式上也是直截了當，掛在墻上或直接放在地上，摒棄一切干擾作品的不必要東西。

貝爾是極簡主義的代表人物，作品通過三維的玻璃作品，營造空間氛圍，他的作品一般并不刻意強調裝飾感，給人的第一感覺往往是抽象、基本幾何、嚴肅簡單、色調相對單一，作品甚至不斷反復，像frank stella說的那樣“你看到什么就是什么，不做過多的內涵解釋。”有意思的是貝爾甚至不認為自己是藝術家，貝爾說“我的作品，有人稱為藝術，我不會。我只想留下一些證據，記錄自己在工作室的某個時刻，藝術與否交給別人判斷，創作是我的使命，是必須從事的事業”。所以貝爾解釋自己的作品時，強調表面，強調表面的視覺感受，他自己稱之為表面魔法（surface magic），“如果觀眾被我的魔法吸引了，那證明我成功了，觀者對我的作品有任何的反應，都是他個人的經驗，這不是我故意放進作品內的。”

無限與空間

雖然貝爾從不對自己的作品做過多的延伸，但不可否認的是他一直在探索光線在不同表面所呈現的特性，透過反復的測試和探索，貝爾開拓出自己獨特的創作模式和研究領域，作品表現出強烈的自發性、直覺感和即興感。批評家Annette Michelson說：“貝爾的作品激發每個人的意識及我們固有的感知，精致無比的盒子，蘊藏一種不同凡響的性感，引發幻想空間，作品強化物體的美感并散發出不同尋常的詩意，展現別樣的視覺想象空間。”然而除了“表面的魔法”和“想象空間”，我想他的作品啟發我們更多的還有光線的虛實、空間的延伸、無限感的追求等！■