淺談不同時期的鋼琴音樂特征

李　竹　（昭通學院藝術學院　　657000）

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淺談不同時期的鋼琴音樂特征

李竹（昭通學院藝術學院657000）

摘要：巴洛克一詞源于葡萄牙語的barroco，原意為“形狀不規則的珍珠”，后專指17至18世紀豪華、裝飾性強的建筑與繪畫風格。這一特征反映到當時的音樂領域，就形成了音樂史上的巴洛克時期（1600——1750）。巴洛克時期的音樂具有復雜性、裝飾性、對稱性、宗教性等特點。古典主義時期（1750——1830），又稱維也納古典主義時期，由三位維也納的古典主義音樂巨匠主導該時期的鋼琴藝術，其音樂風格既傳承了巴洛克藝術唯美的風格，又注重對個人情感的表達和描寫。

兩個時期的鋼琴音樂作品具有不同的風格特征，我們在學習的時候要認真考量演奏方法，仔細分析音樂結構以及曲譜版本，嚴謹治學，腳踏實地，才能最終領悟音樂的真諦。

關鍵詞：巴洛克時期；巴赫；《十二平均律鋼琴曲集》；古典主義時期；奏鳴曲；版本

縱觀鋼琴音樂藝術史的發展，從豪華絢麗，裝飾性強的巴洛克時期到細微謹慎，規范性強的古典主義時期，再到追求個性，反對拘泥形式，強調自我表現的浪漫主義時期，最后到大膽創新，另辟蹊徑的20世紀。每一個時期的音樂都是一朵美麗的水花，它們匯聚成了鋼琴音樂藝術史的長河,其中，巴洛克和古典主義時期的音樂起著舉足輕重的作用。

巴洛克一詞源于葡萄牙語的barroco，原意為“形狀不規則的珍珠”，后專指17至18世紀豪華、裝飾性強的建筑與繪畫風格。這一特征反映到當時的音樂領域，就形成了音樂史上的巴洛克時期（1600——1750）。巴洛克時期的音樂具有復雜性、裝飾性、對稱性、宗教性等特點。該時期的鍵盤音樂作品大部分都是為古鋼琴（“擊弦古鋼琴”Clavichord和“羽管鍵琴”Harpsichord的統稱）而作。

由于當時的樂器有音色、音量變化小，延音短；音響強弱對比較差；鍵盤對指觸的力度變化反應甚微等特點，所以演奏巴洛克時期的音樂作品時力度不宜太響，踏板不能過多，這是由音樂作品鮮明的時代性決定的。

巴洛克時期最具代表性的鍵盤藝術作曲家是德國的約翰?塞巴斯蒂安?巴赫（Johann Sebastian Bach 1685——1750），巴赫的鍵盤音樂作品以復調音樂的手法創作，這種音樂風格注重每個聲部的旋律性，有別于用和弦伴奏旋律的主調音樂。舒曼把巴赫的《十二平均律鋼琴曲集》比喻為“音樂家每天的面包”，可見它在鋼琴音樂史上的重要意義。

被稱為音樂的“舊約圣經”的《十二平均律鋼琴曲集》共兩卷，每卷各有24首前奏曲和24首賦格，從C大調開始，分別用12個大調和12個小調寫成，以音級為序間插排列。一卷創作于巴赫年輕之時，前奏曲與賦格音樂曲式保守，情緒統一，富有生活情趣，其中有較多小調作品結束在大調上（這是二卷中沒有的情況）。二卷創作于巴赫年老之時，用了很多詠嘆調風格，情緒傾向灰暗，前奏曲與賦格之間比較獨立，前奏曲有很多復調因素的聲部線條，每首賦格都是富有哲理性的精品，不僅打破了固有的曲式結構，還大量運用了古式奏鳴曲（古式奏鳴曲是兩段體結構，主部與副部情緒對比明顯）。

由于當時的記譜方法較粗略，未標明太多的演奏要求，因此給后世演奏者提供了大的發揮空間，也加大了準確把握風格的難度。其演奏和教學要點是：1.注意音樂的多線條性，每個聲部都有獨立的意義；2.每個聲部的音樂（包括頓音、跳音、休止的地方）都必須在氣息的牽引下連貫并有歌唱性地演奏出來，巴赫曾說：“要像人唱歌那樣來彈。”3.注意觸鍵的力度、角度和速度，用不同音色表現不同聲部，準確、優美、突出地演奏出清晰、鮮明的主題旋律線條；4.裝飾音一般從本音上方大二度開始，音頭需與拍點對齊（這種規則一直沿用到古典主義時期）；5.附點在節奏準確的前提下可以彈得較長；6.速度比古典主義和浪漫主義時期稍慢；7.練習旋律線條時應用合理的指法準確地保持夠各個音的時值，盡量用手指、手腕、手臂連（注意特殊指法形式overlap的使用），當手無法保持連貫時再用踏板，踏板不宜過多、過長，不能有和聲性，應踩得較淺，只起保持音的作用；8.奏法要清楚，演奏不同時值的音符時注意斷連明確，在演奏的過程中注意力必須高度集中；9.樂句線條的漸強大多是階梯式的，并非絕對的上行漸強，下行減弱，應根據和聲的走向和布局來安排強弱變化和對比，但不適宜像浪漫主義作品做過多的力度變化渲染；10.前奏曲演奏完后，手應該停留在琴上，抬手就表示賦格開始。

針對演奏中常見的問題：1.聲部線條間的區別不夠明顯；2.背譜易錯，中斷后不易接下去；3.音樂形象、性格和風格等不準確。有效的訓練方法是：1.先單獨尋找主題，再將各個聲部逐個練習；2然后.進行兩個聲部間的配合練習（雙手自編指法，雙手原樣指法，單手指法）；3.最后進行所有聲部的完整合成。除此之外，分手、分聲部背譜可以大幅度地提高記憶和完整性的保障度。

另外，關于巴赫的《十二平均律鋼琴曲集》通常有如下版本：1.Urtext原版，即凈版，根據手稿編訂，沒有情緒、速度和強弱標記；2.Mugellini慕杰里尼版，指法合理，但連線和力度標記過多，音樂情緒過分浪漫；3.Henle漢勒版，沒有太多標記，指法編訂較好；4.Breitkopf布萊特科普夫版，指法編訂較好；5.Bischoff比紹夫版，列出了編輯的資料來源和變化。在演奏和教學中，我們應該在尊重原版的前提下謹慎地選擇樂譜版本。

接下來是古典主義時期（1750——1830），又稱維也納古典主義時期，由三位維也納的古典主義音樂巨匠主導該時期的鋼琴藝術，其音樂風格既傳承了巴洛克藝術唯美的風格，又注重對個人情感的表達和描寫。這個時期的藝術作品以固定曲式結構的大型作品為主（大型作品是用特定曲式結構寫作而成，有固定的結構規格，段落性、章節性等格式化特征較鮮明的鋼琴作品。例如：奏鳴曲、協奏曲、組曲、回旋曲、變奏曲）。

古典主義時期的鋼琴作品強調調性、對比、節奏和樂句平衡，要求音色細膩、動聽，講究旋律歌唱性，有典型德奧語言文化的色彩與特征，如句子較短，音節重音較多等。演奏中應特別注意旋律的語言化特征。另外，音樂形式具有嚴謹方整的特點，旋律句法和段落清晰對稱，和聲進行包含嚴密的邏輯性，音樂語言樸素精練，音樂表現自如而又有所克制，個人情感的表達充分而又不乏理性，頗有一種欲言又止、欲說還休的意味，透著一種典雅精致之美。

海頓、莫扎特、貝多芬被稱為“維也納古典主義三杰”。

約瑟夫?海頓（Franz Joseph Haydn 1732——1809）是古典奏鳴曲式的確立者，有大量經典器樂作品，對后世音樂藝術有巨大影響。一般認為海頓作有62首鋼琴奏鳴曲，他的音樂作品感情樸實，輕松活潑，節奏歡快，性格率真幽默，形象溫文爾雅，好像幾個人在對話的感覺，具有宮廷音樂的典雅色彩。在演奏和教學的過程中，我們應該嚴格地按照和聲布局分清音樂段落，把握好觸鍵的手法以使音色達到光滑圓潤的效果，切忌使聲音聽起來干澀、生硬。

沃爾夫岡?阿瑪多伊斯?莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart 1756——1791）確立了鋼琴協奏曲的形式，他熱愛歌劇創作，喜歡在音樂中表現顯著的戲劇性效果，講究情緒的起伏、變化和對比。他創作了19首鋼琴奏鳴曲，27首鋼琴協奏曲等作品，確立了鋼琴協奏曲形式。莫扎特的作品性格天真、活潑，給人以熱愛生活、樂觀率直，即使含著眼淚都在微笑的印象。其演奏和教學要點是：1.莫扎特認為旋律是音樂的精髓，因此在演奏中塑造好旋律線條與合理劃分樂句特別重要；2.他本人偏愛明亮、歌唱、晶瑩剔透的音色，所以觸鍵上要特別考究；3.由于時代特征，演奏時不宜使用太多踏板。

路德維希?凡?貝多芬（Ludwig van Beethoven 1770—1827）創作的32首鋼琴奏鳴曲將奏鳴曲形式推向巔峰，被稱為音樂的“新約全書”。貝多芬奏鳴曲的創新之處在于：1.根據表達的需要引入不確定的樂章個數，對樂章尾聲進行大膽擴展；2.幫助確立了新的表情記號縮寫記譜，擴大了音樂表情與音色音量的表現范圍和層次；3.創造性地大膽使用踏板，豐富了音樂表現力。在貝多芬的音樂作品（特別是中后期）中，矛盾、思考和不屈服的抗爭是經常出現的思想內容，他喜歡用激烈寬廣的漸強句積蓄力量和樂句動力，在情緒高點以一個突弱來打斷漸強情緒，從而造成很大反差的戲劇性沖突。在演奏和教學中應該注意節奏的統一性和穩定性，合理調整觸鍵方法來達到音色豐富和情緒起伏的戲劇性效果。

此外，關于海頓、莫扎特、貝多芬的鋼琴奏鳴曲一般有兩個樂譜版本：1.維也納原版，遵照原稿，但編訂的某些指法不太適合亞洲人；2.湖南文藝出版社引進的德國布萊特科普夫版，指法編訂較好，但連線標記不太合理。在演奏和教學中，我們應該揚長避短地選擇版本。

荀子在《勸學》中寫道：“不積跬步，無以至千里；不積小流，無以成江海。”我們作為鋼琴音樂的學習者和研究者，在面對浩如煙海的鋼琴作品時，應該持有嚴謹治學的態度，通過日積月累的學習和研究，才能領悟音樂的真諦。

參考文獻：

[1]（蘇）涅高茨,汪啟璋,吳佩華譯.《論鋼琴表演藝術》.人民音樂出版社，1963.

[2]張式谷,潘一飛.《西方鋼琴音樂概論》.人民音樂出版社，2006.

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[4]錢仁康.《歐洲音樂簡史》.高等教育出版社，2007.

[5]奧托·馮·伊默爾.《巴赫平均律鋼琴曲集》.人民音樂出版社，2007.