當代藝術創作中的一點感悟

談及當代藝術創作，我腦海中一般閃現用色大膽、抽象、夸張、晦澀等畫面。我無從探及旁人思想，至少我對本人已看眾多當代藝術展覽的印象是這樣的。不可否認，很多優秀作品很好的解讀了當下，引起觀者共鳴，但還有很多是渾水摸魚，抽象得玄乎，然而它們也冠冕堂皇地以藝術的名義掛在各種展廳或畫廊。在這樣一個時代大背景下，作為年輕的學藝者的我們如果不能正確解讀當代藝術，盲目跟風，那樣創作出來的“藝術”無從觸及藝術的真諦，多少青年藝術創作者隨波逐流，失去自我，淹沒在藝術的洪流中。

到底如何解讀當代藝術、怎樣創作才能使藝術生趣盎然、經久不衰？首先正確解讀當代藝術自然繞不開當代藝術與傳統藝術、現代藝術的區別，藝術創作為什么一定要當代等話題。在藝術門類五花八門、藝術形式多種多樣的當下，作為藝術專門院校學生的我們該如何解讀當代與傳統？什么是好的，該留下？什么是不好的，該舍棄？我們的創作之路該何去何從······

當下是個經濟繁榮，藝術與商業緊密掛鉤的高科技信息化時代，藝術前衛、觀念性強，展覽形式也多種多樣，多裝置、影像媒體藝術、數碼藝術、現成品藝術、行為藝術、偶發藝術、中國式波普等。形式大都有別于傳統架上繪畫，內容大比較抽象、隱晦，多讓人捉摸不透。甚至有了越看不懂就越當代的錯誤理解，在這種大趨勢下，眾多青年創作者們秉著想創作出引人注目的當代藝術作品，各顯神通。于是更多創作者們摒棄傳統的形，畫得越來越抽象、夸張，有的看得人云里霧里，丈二的和尚摸不著頭腦。至此，我困惑，難道隨便潑個顏料、抽象到眾人看不懂就是當代藝術？所謂傳統與當代界限真的這么淺顯嗎？

從史學角度看，當代藝術為近50年的藝術，解構主義顛覆過去的邏輯，是當代藝術的奠基石，它認為前面的事物和后面的事物是有關聯的，一個作品的文化內涵必定是動態的，通俗點說，就是它既有前面傳統的痕跡，又有后面生活的反映。它具有原創性、批判性、當下性、反叛性（反古典、反現代、反架上）等特征。簡言之，即當代藝術是藝術家作為個人對世界、社會的看法，將其用藝術的方式傳達，會涉及政治，但藝術絕不是政治，它是對當下人的生存狀態，如饑餓、貧窮等的表達，將審美放在最次要位置，它的作品只是一個媒介，對現有規則批判，觀念藝術已經不是當代了。而傳統藝術將審美放在首位。

針對討論激烈的傳統、現代、當代區別問題，我個人覺得本質上它們之間不存在斷層，而是一種合時宜的變形轉換的承接關系。非要劃分很清楚的界限是不對的，它們之間并不沖突，都是大的文化背景下衍生出來的人們的精神層面的物質顯現，傳統更偏向于基礎，如古典主義繪畫具有敘事性、文學性；現代主義是傳統到當代的過度階段，它們的繪畫傾向情感表現性、審美性；當代主義則是關注今天人們的生活，既不仿古也不超前，對今天的文化活動的描述，注重其觀念性。當下是個被物質強奸過的世界，人性在扭曲，藝術創作自然會受一定影響。

縱觀近現代中國繪畫史，在西方文明的強勢沖擊下，藝術的主要觀念及演進方式已經逐漸顯現，這種趨勢正在進一步加快。這向我們提出要求：如何轉換自己的文化傳統？即我們要為傳統尋找新的符合于現代藝術發展需要的言說方式。這里的傳統指我們中國畫的傳統，而非西方引進的傳統，我們這一代甚至從徐悲鴻先生那一代人起慢慢接受的都是西方的傳統，也就是我們常說的素描、色彩，這兩種傳統是有區別的，此處不注詳解，但它們有共同點，都是繪畫的基礎。真正優秀的藝術家，不容置疑，基礎是很扎實的，不是像我們今天很多藝術創作者一樣，畫不準型才去變！在學習傳統的過程中，藝術家的修養會隨之提升，其眼界、基本藝術涵養沉淀了，創作才會有內涵，有靈魂，才能稱之為有生命的作品。這個時代太急功近利，致使我們很多年輕人急于要成名，心氣浮躁，想跨越基礎直接玩感受，這就相當于走不穩的孩童急切想跑，甚至想飛。無傳統，只有當代的作品好比無根之木。因而這警醒我們心急吃不了熱豆腐，要一步一個腳印，厚積薄發。這一點用西方哲學史中阿基里斯與龜的寓言做比，便簡潔明了。烏龜的爬行像一個人在學會奔跑前必須經歷的那段時期，先有艱難學步、直立行走，最后方才可以狂奔。藝術的創作過程同樣需要三個階段：觀察、模仿、創新，在觀察模仿的學習積累上，再進行創新。于我們而言，觀察模仿的最好環境就是我們質疑的學院美術教育。因此我們不要困惑，我們的創作之路正在慢慢成熟，學院美術只是我們藝術生涯中的一個階段，基礎是門檻，每個藝術學習者在藝術的大道上要想走得更遠最好是能跨過這個門檻。

當我們比較清醒地認識到基礎教育的重要性，不需再質疑現在接受的學院美術教育時，另一個問題出現了，在創作面對市場時，是堅持自己呢還是隨市場而變？日本著名導演北野武就以一個藝術家的創作之路為題材拍攝了電影《阿基里斯與龜》，影片中主人公真知壽從小藝術天賦凜然，成年后因家道中落，性格內向、偏執，這樣的性格使他在創作之路上搖擺不定，屢屢為他人的意見所迷惑，陷入極端的創作泥潭。期間被一次次否定后依照商人的要求嘗試各種方法尋求創作靈感，這導致他生活一團糟，妻子在受盡患難后離去，女兒無依無靠賣身求生，他自己也被折磨到癲狂，欲把握瀕臨死亡的感覺去體驗藝術的真諦。然而終身未賣出一副畫，但其實他幼時隨性創作出來的向日葵就很成功，影片中很諷刺地揭露了這一點，在他后來去畫廊給畫商看自己的畫又遭譏諷時，鏡頭掠過了一幅他幼時的創作，它已然掛在了該畫廊成為藝術品，片中后期他找賣身的女兒要錢的咖啡館的墻壁上也掛著他青年抱去畫廊被說成毫無價值的風景畫。在當今藝術創作之路上像真知壽這樣的藝術家不計其數，也許沒他那么凄慘，但也是曲折離奇。這也許是藝術家的通病：想要堅持自己的品格，又受不了無人問津的悲哀，久而久之便加深了對藝術創作的懷疑。我覺得藝術的創作之路很漫長，每個人都會有自己的瓶頸和自我否定期，之后便是反省和重新振作，至于那些缺少自我結構和藝術思考的人們，最后呈現的無非是一個失敗者的姿態。我們在當代藝術創作時一定要嚴防自己像真知壽一樣，盲目聽從畫商評價，否定自己。

今天的我們在進行藝術創作時不要舍本逐末，盲目跟風，失去自我，要堅持關注內心、關注社會的藝術表達方向。曾凡志先生在不被主流認可時堅守的就是這一創作理念，最后他成功了。我們不一定都那么幸運，但我們無論如何也不要迷失自我，應該學會在浮躁的大環境下耐心積累、豐富自我結構、加強藝術思考，使自己有生活和文化的沉淀，結合社會畫自己內心的真實，通過繪畫這一媒介反思社會。