消失之后：“藝術家不在場，藝術在現場”
——記琨廷藝術實驗計劃第四回聯展

徐思穎

消失之后：“藝術家不在場，藝術在現場”
——記琨廷藝術實驗計劃第四回聯展

徐思穎

編者按：“藝術家不在場，藝術在現場”是一個不同常態的展覽，策展人、作者的身份不得而知，解釋作品的權利完全交給觀眾。通常的觀覽經驗中，人們對展品價值的評價常常依靠標簽上的作者信息或展覽的背景介紹文本。因而，這次展覽的意義可能正在于，它迫使失去輔助信息的觀眾更積極地、自主地進行作品的解讀，回到作品本身。

Editor’s note:“The Artist Is Not Present, Art Is Present” is an extraordinary exhibition with identities of the curator and the artists unknown and the right of interpreting the works given completely to the audience. At usual exhibitions, the audience’s evaluation of the works often depends on the information about the artists on the labels or textual background introductions. Therefore, the significance of this exhibition perhaps lies in that the audience, without the help of auxiliary information, is forced to comprehend the works more actively and independently.

由吳作人國際美術基金會（WIFA）、中國美術家協會實驗藝術委員會、中國美術批評家年會和北京大學中國現代藝術檔案發起的“創意發動！琨廷藝術實驗計劃”第四回聯展“藝術家不在場，藝術在現場”（The Artist is not Present, Art is Present）于2015年10月22日在北京房山悄然開幕。沒有開幕式、剪彩、致辭，展覽刻意抹去了策展人的身份與參展作品的作者信息，讓一切介紹展覽背景的文本消失；在11個展廳里，12位藝術家以匿名方式展出了繪畫、裝置、錄像、雕塑、行為等不同媒介的作品。

本次展覽的想法源于著名行為藝術家瑪瑞娜·阿布拉莫維奇（Marina Abramovi?）2010年紐約現代藝術博物館回顧展作品《藝術家在現場》（Art is Present）。作品進行過程中，瑪瑞娜安靜地凝視著現場1500多位觀眾，沒有說明文字，沒有導覽，篩除了文本，只有感于當下的體驗。觀眾不再置身作品之外，相反，他（她）們已成為作品的一部分。瑪瑞娜試圖以這種方式突破作者、作品與觀眾間的身份界限，讓觀眾和藝術家的關系平等化，一同共享藝術，體驗藝術。

“藝術家不在場，藝術在現場”—《D.》現場作品

參展作品《停止思考》

瑪瑞娜證明了除去文本，藝術依然存在，作品依然可成。循此思路，展覽“藝術家不在場，藝術在現場”探索了作者身份消失之后作品“被觀看”的可能性。展場中僅留下作品和理念文字，其余信息皆被隱去，策展人想營造一種單純的對話情境，使作品與觀眾做最直接的溝通，她表示“藝術展示的內核理念應由作品本身釋放，并且完成同觀者之間的信息交換，而不是由任何與作品有關的藝術家或者策展人來引領”。

一、回歸：沒有定式，觀眾成為主體

如朱青生在《沒有人是藝術家，也沒有人不是藝術家》中指出，從現代到當代，藝術歷經了四次革命，藝術從尋找自身、獨立化、反傳統、觀念沖突與問題批判，到現在還在探索，此次展覽或許給出了線索——觀眾。雖然波伊斯提出“人人都是藝術家”的口號，安迪·沃霍爾以大眾消費為作品，解放了藝術的高塔，但都是站在藝術家指定的前提下，藝術家主導觀看的語序。“藝術家不在場，藝術在現場”打破了上述“給出”與“被給出”的思維定式，將觀眾塑造為主體。這可以有兩種解讀：藝術品的在場和觀眾解讀藝術的在場，此刻，觀眾也成為了作者，創造了屬于自己的世界觀。“觀看”反而成為激發本性的過程，意義的解讀必須由觀者自己展開。

二、消失：“藝術”“作品”“藝術家”的還原與凈化

藝術是個人與社會的對談，作品可以是對現實問題的追問，也可以是對內心的表述。“藝術家不在場，藝術在現場”的提法別有意味，從字面而言，它只不過是一種常態性的描述——藝術家不會時時在展場看顧，觀眾僅能從現場作品中感受藝術；從概念而言，它之所以值得被“強調”，實際上觸及了藝術（Art）、藝術作品（Artworks）、藝術家（Artist）的身份問題。

從文藝復興開始，藝術家的姓名權獲得重視，作品與作者被緊密地捆綁起來，創作被體系化，成為藝術研究者們追索過去的重要線索，漸漸地，我們已無法判斷單個作品的好壞與否，藝術家的歷史評價成為了解作品的出發點。時至今日，這種現象被商業化，變得更為極端，藝術、作品、藝術家間相互博弈，在“觀看”中爭奪話語權。雖然每個人對“觀看”各有所想，但商業社會卻企圖將大眾的觀感趨同，利用各種宣傳、廣告、名人推薦、社交網絡塑造從眾效應，“明星藝術家”的噱頭掀起大眾的狂烈的消費欲，讓為看而看的跟風者無盡追隨，最終導致藝術家被等同為一個文化符號，成為宣傳的操作對象，藝術創作和藝術作品本身所要求的問題意識被經濟價值和社會價值牽制。雖說這種方式確實讓作品和藝術家得到最有效的宣傳，卻也讓“觀看”成為功利行為，成為任務，這與藝術所強調的精神體驗、自我反思與超越理想相悖。

本次展覽阻斷一切可能被功利化的文本，讓作品歸于單純，讓觀看歸于直接。

觀眾在讀取或使用文字的同時，也讓渡了部分的思想自由，或多或少，文字取代了人對作品最直觀的認識。因此系列作品《停止思考》突出了“拒絕被文字解釋”的創作意圖，解放文本對觀者理解作品的牽制，畫面里的山水、人物、身體都由不同文字堆砌而成，僅能遠觀，不能細看，否則將被文字帶入意義的怪圈中，無法自在地欣賞作品。

“藝術家不在場，藝術在現場”—《ID-身份》現場作品

“藝術家不在場，藝術在現場”—《咸的搖籃曲》現場作品

“藝術家不在場，藝術在現場”—《亡靈書》現場作品

“藝術家不在場，藝術在現場”—《盛開》現場作品

三、在場：在情境中訴說

（一）身體、動態

杜威認為當代藝術是“存在于感官、感覺、敏感、感知、感情與感觸的藝術”，當作品不再釋放社會信息，被真空為純粹的作品，它便成為與場域相結合的“情緒場”和“情境場”，以直白的情感與觀眾互動，訴說故事。

“藝術家不在場，藝術在現場”展覽中有討論“身體”的作品。攝影作品《ID-身份》從自我認同出發，探索人在失去常態的行為中，如何定義自己。創作者（攝影師）消失在作品里，僅紀錄現場，人在沒有指示、沒有鏡子的情況下梳妝，失去了外在參照，參與者試圖以個人經驗和對自身的了解，恢復社會所期待的面相，從中揭示自我美學的定義與危機。每張照片都代表著一個獨立的個體，他（她）們沒有姓名，沒有身份，觀眾卻能從影像的情緒中讀出每個人的個性：規矩、叛逆、高傲……

在另一件視頻作品《咸的搖籃曲》中，藝術家用針把“自己”與一張巨幅的紙縫合在一起，線在衣服間穿梭，人的動作變得僵硬、滯礙，象征人在社會化過程中受到壓迫，失去自由。藝術家以身體作為情緒的載體，逐步將觀者帶入壓抑的情緒中，滲透個人體驗。

（二）陳列、靜態

有別于強烈的情緒，展覽也包含靜態作品，雖然安靜，但作品的思想與情感依然在流動，讓展場形成一個獨具魅力的場域。雕塑作品《盛開》將骨頭與花朵結合在一起，花朵從骨頭的縫隙中蔓發，在凋零中生發美麗，生死輪回，喜與悲顯得如此自然卻又不容回避。

《亡靈書》從文字角度出發，悼念知識在文化變動中的消亡。亡靈書原被用于庇佑靈魂，讓人在死后得到解脫，但本次展出的作品卻以“死亡”貫串，無盡凄然。書（中文、英語、德語、法語等）中的紙張被切除，折疊成骷髏頭骨，有些鋪陳在案，有些被放在地面上。試想日新月異的時代，知識結構不斷更迭調整，意義被拆解，概念被取代，過去的價值與文化語言逐步被淡忘，終將歸亡，如同這些頭骨，上面載滿了信息，但已無法被人了解。

“藝術家不在場，藝術在現場”從方案到作品都充滿了開放性，拋開作者信息，觀者與作品對視時，如夜里獨行，必須打開所有感知神經；人在摸索的同時也會將意義內化于心，明確自身對作品的理解，構成了現實與內在的轉換。所有能垂范后世的作品必先經過質疑與追問，進行自我超越，當藝術不再只為藝術家所擁有時，將打開無限的可能，觀眾有機會回到自身，在體悟中找出屬于自己的真理。

(圖片版權由吳作人國際美術基金會所有)

徐思穎：北京大學藝術學院碩士 現任職于吳作人國際美術基金會

After Disappearance: “The Artist Is Not Present, Art Is Present” —The 4th Group Exhibition of Kun Ting Experimental Art Project

Xu Siying