時尚而古老的絲網版畫

絲網版畫可謂是一種特殊的印刷技術：織造的網眼以特殊的油墨粘連堵塞，然后用顏料從這個被油墨堵塞的模板上壓上去，漏下去的顏料印在最終的介質，比如紙或布上，這時單一顏色的絲網版畫就完成了。要得到一張顏色豐富的絲網版畫作品，則需要將上述的步驟重復多次，這個次數取決于顏色的豐富程度。

這么一說似乎絲網版畫更像是一種工藝，確實沒錯，現在絲網版畫應用最廣的領域包括藝術品的復制和奢侈品中的絲巾，也有一些藝術家用絲網版畫作為作品的元素。但是不可否認，絲網版畫為我們的生活帶來了方便，某種意義上也可以說是相當高級的印刷術，這種印刷術是可以作為藝術形式存在的，尤其在當代這個多元的藝術背景下。

歷史與源流

不要感到驚訝，絲網版畫這種非?！俺薄钡陌娈嫹N類竟然是起源于中國，距今已有兩千多年的歷史了。美國《絲網印刷》雜志對中國絲網印刷技術有過這樣的評述：“有證據證明中國人在兩千年以前就使用馬鬃和模板。明朝初期的服裝證明了他們的競爭精神和加工技術。”

早在中國古代的秦漢時期就出現了夾頡印花方法。到東漢時期夾頡蠟染方法已經普遍流行，而且印制產品的水平也有提高。至隋代大業年間，人們開始用繃有絹網的框子進行印花，使夾頡印花工藝發展為絲網印花。據史書記載，唐朝時宮廷里穿著的精美服飾就有用這種方法印制的。到了宋代絲網印刷又有了發展，并改進了原來使用的油性涂料，開始在染料里加入淀粉類的膠粉，使其成為漿料進行絲網印刷，使絲網印刷產品的色彩更加絢麗。

宋朝開始，這種印刷技術被其他的亞洲國家引進并發展，日本在奈戶時代就用這種方法印染衣服，這種鏤孔版印染法在當時的世界上是最先進的。18世紀后期，這種技術從亞洲傳播到了西歐，當時并沒有大規模流行，直到絲網貿易變得更有利可圖，當時歐洲有許多壁紙就是用這種原始的絲網版畫技術印制的。

而當代的絲網版畫是出現了照片制版法后形成的。最初把感光乳劑應用于絲網印是在1914-1915年左右，當然那時的感光乳劑還處于非常簡單、原始和不穩定的狀態。這也可以說是絲網版畫的真正開端。

歐洲有版畫工作室傳統，這種工作室集結了版畫精英，包括藝術家和技工。二戰期間，許多歐洲的藝術家前往美國繼續創作，版畫工作室也隨之遷往美國，這是之后絲網版畫得以普及的重要因素之一。19世紀二三十年代，美國經濟處于大蕭條時期，政府為了推動藝術品的流通，在1935年到1943年間，特頒布了“聯邦美術計劃”為當時窮困潦倒的藝術家提供了超過5000個工作崗位，同時收藏了約20萬張石版畫和絲網版畫作品。

作為“聯邦美術計劃”的重要一部分，政府為藝術家建立了數量可觀的絲網印刷工作室，并提供設備和材料，為藝術家在版畫技術的探索做好充分的硬件準備。1940年成立了全美絲網版畫協會。羅伯特·馬瑟韋爾、羅伯特·勞申伯格、佛蘭克·斯特拉、安迪·沃霍爾、波洛克、本·尚以及許多美國后現代藝術家都是此次計劃的受益人。也因此，絲網版畫成為了一種與木刻、石板相當的版畫種類被美國的民眾所接受。

與絲網版畫相關的藝術流派有波普藝術，幾何抽象主義，新寫實主義，觀念藝術等。其中波普藝術作為一場視覺藝術的革命在英國和美國廣泛興起，因其特定的藝術風格，這種藝術快速而大量的印制傳播需要絲網印刷技術，因此逐漸被許多波普藝術家應用于藝術創作。

而中國的絲網版畫技術的引進則更晚一些，1979年至80年，中央美術學院由老版畫家李樺建成了大陸第一個絲網版畫工作室，之后版畫系研究生班的廣軍于1980年創作了中國第一幅現代絲網版畫作品《秋天你好》，雖技法簡單且帶有實驗性，但其意義更多的是作為中國現代絲網版畫發展的開端。后來絲網版畫的技術被中國許多具有當代思考的藝術家運用，逐漸推廣開來。

絲網版畫的技巧

不同材質和形狀的承印物的絲網印工藝基本步驟相同，但所用印料和印刷調整略有不同。一般絲網版畫創作數量在30-50張之間，也有更多的。

一般情況下，顏色越豐富，即套色越多，絲網版畫的最終效果越細致。但套色越多，后面的制版、印刷就會有較大的難度。從印刷上看，套色越少對版越容易，印刷成功率越高。

絲網版畫的技法很多，技法的不同能制作出不同風格的版畫作品，在制作版畫時要選用相應容易表達的技法去制作，否則就達不到創作者的預想效果。絲網版畫的技法主要有堵網制版法、切割制版法、感光制版法三類，每一類大都可獲得許多效果。堵網制版法可以使用感光膠直接在網上制作，根據創作者的意圖采用涌灑、吸擦、噴霧、直接筆繪以及其它材料壓印，可以做出各種理想的肌理、紋樣，繪畫性強；切割制版法是對雙面膠、軟片、拷貝紙等較薄的材料進行切割后，并把它粘在絲網的背面遮擋后直接進行印刷，這種方法簡便，可以獲得硬邊、剪紙般的形象；感光制版法是絲網版畫制作中最普遍使用的制版，它可以制作各種筆觸、肌理等隨意性很強的畫面，也可以制作出細膩、豐富的色彩層次，是表現力最強的方法。還可以采用軟片手繪、圖片復印、電腦制作、攝影等手段制版，都可以獲得各種藝術效果。因此，創作時可以根據自己的創作風格選擇技法以達到理想的效果。

代表人物

安迪·沃霍爾endprint

這個擁有600頂白色假發的奇怪“老頭”至今仍是一個符號，他被譽為“波普教皇”。而波普藝術，作為現代藝術與后現代藝術的分水嶺，是二戰后西方現代諸美術流派中影響最大的。

沃霍爾1928年出生于美國賓夕法尼亞州的匹斯堡，是捷克移民的后裔，生長在一個貧民區。從小體弱多病的他自卑害羞，藝術便成為他最好的朋友和精神寄托。他在21歲的時候來到了魂牽夢繞的紐約，為了省錢，他和17個人合住一個地下室，從書籍插畫設計到櫥窗設計，他為了生計做過很多商業的設計工作，這種窘迫的生活讓他一直保持商業的敏感，這種敏感也被帶到他之后的所有作品中。

他的第一件波普藝術作品作品是可口可樂，他想，總統喝可口可樂，利茲·泰勒喝可口可樂，你也可以喝可口可樂，而這個可口可樂是一樣的，沒有人能夠買到更好的可口可樂，所有的可口可樂都是一樣好的。為什么不能讓它成為藝術品呢？于是他用絲網版畫制作了一系列可口可樂的作品，包括一大堆瓶子的和單個瓶子的，其中有一幅在佳士得拍出了5730萬美元的天價。

事實上，1962年安迪·沃霍爾34歲開始就成為了一個有錢的藝術家，當時他舉辦了自己首個波普藝術展—— 32幅“坎貝爾濃湯罐”系列畫作，至今這32罐罐頭仍在世界現當代美術史上占據一席之地。當時的作品之所以受歡迎，是因為他主打的方向是“大眾藝術”。他隨意做著信手拈來的主題，在街頭小報上看到的新聞轉天就會出現在他的絲網印上。

上世紀七八十年代可以說是安迪·沃霍爾的鼎盛時期，他幾乎參與了所有門類的藝術創作，包括繪畫、電影、電視節目、音樂、設計、雕塑、裝置……可以說只要是安迪·沃霍爾的名字，印在一張草紙上都是值錢的，他就像一臺印鈔機一樣，這種狀態頗類似他曾說過的名言：“人人都應該是一臺機器?！彼褚慌_機器這一點還能從他的生活細節中窺見端倪，安迪·沃霍爾對自己的記錄幾乎可以精確到分秒，他每隔一段時間就將自己所有的票據，包括打車發票、咖啡收據、博物館門票等，以及某段時間的所有雜物裝在一個盒子里，他將這個盒子稱為“時間膠囊”，并將這些“膠囊”封起來。直到他去世后人們才將他的“時間膠囊”整理出來，幾乎可以根據“時間膠囊”以及他每天早上口述給秘書的日記整理出他每天的行程，和誰見面，吃了什么，時間更是可以根據發票的記錄精確到分秒。

安迪·沃霍爾幾乎從一開始就尋找到最適合自己藝術的載體——絲網版畫。絲網版畫的可復制性和可操作性與安迪·沃霍爾標榜的“大眾”、“藝術”相當契合，在絲網版畫機械的印制過程中因為配色的不同和壓力的不穩定性又會產生一些跳躍的肌理效果，這讓安迪·沃霍爾著迷。絲網版畫輕易地成為安迪·沃霍爾最鐘愛的藝術手法。他在紐約東區47街有一個很大的工作室，叫做“工廠”。在“工廠”里有完備的絲網版畫制作設備和許多藝術實習生，另外有些嬉皮士經常出沒他的“工廠”在里面拍電影、玩耍。安迪·沃霍爾可謂是一個商業藝術的天才，他的作品經常不需要自己動手，讓助手按照自己的理念創作那些湯罐頭、瑪麗蓮·夢露、米老鼠、花、毛澤東……他讓這些作品擁有好幾套不同的配色，甚至若干年后將同樣的圖案拿出來印成底片般的反色，而印制絲網版畫的時候也有意沒有完美對上版，經由這種故意的失誤造成幾種顏色的疊加，而留下一絲手工的痕跡，最后再讓他母親簽上自己的名字，這樣一幅“安迪·沃霍爾”的作品就算完成了。

安迪·沃霍爾所作的一切“藝術品”都打破了以往人們對藝術品的認識，藝術品不再是高高在上不可觸及的東西，許多日常生活用品和大眾偶像也成為了藝術品描繪的對象，甚至藝術品不再稀有，在安迪·沃霍爾去世近30年的今天，我們仍能夠在各處看到這些署名“安迪·沃霍爾”的價值不菲的作品，他的一個系列往往會用絲網印出數十張。他清晰的知道了商業的本質即是復制，而他的成功之處是打破了商業和藝術的界限，他更像一個精神領袖，用個人魅力讓人們為他的“復制”藝術買單。

草間彌生

草間彌生，這個作為日本藝壇三劍客之一的“怪婆婆”一直因為特立獨行的裝扮和鮮明的藝術特點闖進人們的視線。

1929年，草間彌生生于日本長野縣松本市，家境優渥，但是家庭情況復雜，再加上她從小得的怪病，她的感官從小就與眾不同，似乎能聽到動植物說話，看到物體發光，有自殺傾向。畫畫一直是她與外界與內心交流的通道，直到28歲的時候，她來到了夢想之都紐約，帶著自己此前創作的2000多幅作品、2800美金和60件和服，開始了新的生活。在紐約，她從一個窮藝術家混到性解放運動的先驅再到和安迪·沃霍爾比肩的當代藝術家，成為了紐約的新傳奇。受到精神與肉體疾病的雙重困擾，她在1974年回到了日本治病，發現“過去我拋棄故鄉，前往美國，在完全出乎預料的狀況下，我又重新被故鄉的自然和人群所接納。”終于在1978年徹底回到日本，然而保守的日本藝術圈整整花費了20年才接納了這個“有點瘋狂”的前衛藝術家。直到1993年，她代表日本作為第一位參加威尼斯雙年展的女藝術家，這次重磅回歸，讓人感嘆，終于輪到她了。endprint

從50多歲開始，草間彌生一直住在精神療養院里，遠離了曾經迷幻的生活，是個生活中只有藝術的“神經病”。她年輕的時候經常試圖自殺，但是自從漸入藝術之境后，她也開始珍惜生命起來，慶幸自己“還好沒有自殺”，并稱，“如果沒有藝術，我早就死了。”

這個極度敏感的藝術家最喜歡的元素是大小不一的圓點，她的服裝都是自己設計的，里面充滿了這種夸張的符號，用這種圓點，她創造了無數的作品，南瓜、花、蝴蝶、魚……整個日本仿佛都被她的圓點傳染了，人們偏愛穿帶著圓點的服裝。這種圓點類的作品早在她小時候就出現了，似乎是她與生俱來的幻覺的一部分，她曾經畫過一個臉上都是圓點的母親肖像。而到了1990年以后，圓點更是擴大到商業領域，她與一系列高端品牌建立了合作，讓這種“圓點病毒”蔓延全世界。她除了繪畫，還跨界眾多藝術領域，包括裝置、雕塑、小說、影像等等，這與她的假想“競爭對手”安迪·沃霍爾似乎不謀而合。

她的絲網版畫作品非常豐富，曾集結出版了一本《草間彌生全版畫》作品集，有數百張之多的絲網版畫。這些作品從1979年她回到日本后就開始陸續進行，當時正是她南瓜系列創作的高峰，除了南瓜，她也印制了許多顏色鮮艷，充滿裝飾性，用圓點組成的各種東西，幾乎涵蓋日常生活的方方面面，如植物、衣服、動物等等。仿佛這些圓點就是她用于寫日記的筆，巨細無遺的記錄她從一個“神經病”的視角看到的世界。

羅伊·利希滕斯坦

羅伊·利希滕斯坦是美國最重要的藝術家之一、波普藝術的領軍人物。他喜歡描繪日常事物，尤其是平面雜志、漫畫中的場景。羅伊·利希滕斯坦的作品中，最富特色的是他以20 世紀50 年代的美式漫畫作為創作題材的繪畫作品。在這類作品中，他將漫畫形象復制并放大到畫布上，并使用大量網點來表現現代大工業的印刷效果，畫面顏色明快、單純，呈現出他獨特的波普風格。之后利希滕斯坦在不同題材的作品創作中，也都延續了他這一網點式的個人風格。

羅伊·利希滕斯坦1923年10月出生于紐約，1949年在俄亥俄州立大學讀碩士。先后在該大學、紐約州立大學奧斯威分院、新澤西州新不倫瑞克拉特格斯大學格拉斯學院任教至1963年。他在40歲的時候第一次涉足連環畫復制領域，竟是因為他兒子向他下的挑戰，他兒子指著卡通畫對羅伊·利希滕斯坦說：“爸爸，我打賭你不可能畫得和這個一樣好。”就在這一年，他創作了6幅以口香糖包裝紙和漫畫上的人物為原型的卡通復制畫。

此后，羅伊·利希滕斯坦從一系列美式漫畫中截取一個場景，將這個場景原樣放大，他用到了網格復制法，將場景原原本本擴大到畫面上，連那些因為放大而變得十分明顯的印刷圓點也一個不差的還原。而這些印刷放大后的圓點其實就是絲網印刷的痕跡，他對于放大后的細節調整得十分細致，雖然最后的成品看起來就像是拿復印機擴印的結果，他甚至像安迪沃霍爾一樣再將成品復制成一系列絲網版畫，而作品的顏色也都是鮮艷的對比色，透露著強烈的快餐文化的影子。這正是他想傳達的理念：“系統的感知，就是藝術的一切。” 意思是說藝術家憑借自己的感知能力，在生活中意識到藝術潛能的存在，最后經過“移置”創作出新的作品。這句話蘊含著波普藝術內涵的同時，也是我們理解利希滕斯坦藝術作品精神的一個切入點。endprint