庫勞《小奏鳴曲》OP.20 no.1—2

摘 要：庫勞一生的創作包括歌劇、室內樂、鋼琴曲、長笛曲、小提琴曲和許多聲樂樂曲，其中以鋼琴小奏鳴曲最為出色。奏鳴曲形式是古典主義時期音樂中極有代表性的形式。全曲為帶再現的單二部曲式，第一部分為呈示部，第二部分為對比展開。該作品短短的16小節，緊扣單二部曲式的作曲特點。豐富的使用了各種作曲手法，保持了古典主義的勻稱、完整和樂思發展嚴格的邏輯性。同時也有浪漫主義早期的情緒波動，變化豐富。

關鍵詞：庫勞；小奏鳴曲；單二部曲式

庫勞的鋼琴小奏鳴曲雖然簡易、短小，但體現了典型的古典主義風格。也是建立在維也納古典樂派之上風格的奏鳴曲。維也納古典主義時期是指18世紀末葉到19世紀初，以海頓、莫扎特、貝多芬各自的成熟期創作為代表，在器樂及聲樂領域所形成的音樂風格。在“啟蒙運動”和“狂飆突進運動”的影響下，18世紀歐洲藝術與音樂文化發生了巨大變化并走向高度繁榮。此時期的音樂語言精練、樸素、親切，形式結構明晰、均勻，音樂中的矛盾沖突得以加強并深化，維也納大師們的創作，體現出形式與內涵的完美結合，成為西方古典音樂的經典范式。

奏鳴曲形式是古典主義時期音樂中極有代表性的形式。奏鳴曲一詞來自意大利文sonare，為鳴響之意，在16世紀前就已存在。到18世紀上半葉，獨奏奏鳴曲取代了三重奏鳴曲的地位，C.P.E.巴赫確立了近代獨奏奏鳴曲（古典奏鳴曲）的結構形式，包括四個樂章：第一樂章快板、奏鳴曲式；第二樂章慢板、三部曲式；第三樂章慢板、小步舞曲或詼諧曲、第四樂章快板回旋曲或回旋奏鳴曲。18世紀下半葉，海頓、莫扎特省去了以往奏鳴曲中的第二樂章或第三樂章，確立了三個樂章的奏鳴曲形式（快板—行板—快板）；在貝多芬的發展下，奏鳴曲體裁又向前邁了一步，就樂章數量來看他的作品包括三個樂章，有的擴展為四個樂章，在發展規模上接近交響曲結構。小奏鳴曲是對奏鳴曲而言，因為它相對短小，單純，故稱為小奏鳴曲。一般由一至三個樂章構成，各樂章之間有對比的主題和對比的速度要求。庫勞的這首小奏鳴曲——作品OP20 no1共為三個樂章，呈示部、展開部、在現部。此曲是小奏鳴曲中的第二樂章。是一個行板樂章，F大調，六八拍。

全曲為帶再現的單二部曲式。所謂單二部曲式就是指：內容互不相同、既對比又統一的兩個樂段構成的曲式。單二部曲式的兩個部分分別代表著音樂發展的不同結構層次和樂思形成并展開的不同階段，第一部分為呈示部，第二部分為對比展開，兩段的作用各不想同，但結構地位同等重要，它們有機的結合成一種曲式的結構樣式。

單二部曲式屬于小型曲式范疇，在兩個樂段之間表現出的是一種程度較低的、輕微的對比關系，從多數曲例來看，這種對比不是真正的對比，而是派生和展開的關系，因此，在這類小型曲式中，既要體現對比，更應注重統一。該作品中，作者在后段的后句中再次出現了呈示段的主題材料，使呈示段與后段之間形成了一種主題材料隔時重現的統一關系，為帶再現的單二部曲式。該曲的曲式結構為a+a+b+a。16小節，每4小節一句，共4句，其中（1～8）小節為第一樂段，（9～16）小節為第二樂段。

第一段（1～8）小節，a+a的結構，呈示段，有陳述的特點，結構規模也較為方整。第一樂句是該樂章的一個主要旋律，F大調，采用主到屬又到主的走向，使第一樂句較為穩定的結束。第二樂句是第一樂句的裝飾變化重復，從F大調開始在最后三個小節出現了還原F以及還原B這都是即將轉到C大調的標志，接著轉到C大調后，該句結束在了C大調的主和弦，也是F大調的重屬和弦到屬和弦。這種寫法構成了一個在C大調上的收攏性樂句，但在F大調上卻是開放性樂句，采用了二部曲式呈示段常用的半終止式并且轉移到了屬調的寫作手法。

兩句材料基本相同，第二句是對第一句的變化重復。第二句左手開始處是對第一句的右手開始處旋律的模仿，采用的巴洛克時期復調作品常用的模仿手法。這一主要旋律通過音組的變化構成了在聲音色彩上的強烈對比，也形成了一個呼應。在不改變主題的情況下，作者的這種手法使兩個樂句即有了音色上的對比，又有了相互呼應，從而更加生動有意義。在演奏時，第一句的力度記號為p，第二句則要有一個漸強處理，展現出情緒的變化升華。

第二樂段（9～16）小節，為b+a結構。該段非常符合單二部曲式的特點：在呈示部音樂陳述結束時，又引發樂思發展的新意向。在該段第一句中出現了該曲的高潮部分（9～10）小節，高潮部分的寫作手法常用：聲部的反向遠離、和聲的新穎感、聲部的密度加厚、在某個高點上靜止、突然的休止、復調音數的加入等等。該處便使用了常見的聲音漸強處理，以及不協和音的和聲新穎感，并且合理的出現在了該曲的黃金分割處。此句開始處通過連續的三組附點音型上行，作為走向高潮的一個動力。作者也很巧妙地將其與呈示段中的三組附點音型構成了倒影的關系，很有意義，這三組附點音型又的通過模進的手法，向上進行。演奏時要求做漸強處理，把情緒向上推進。當情緒推到一定頂點時，作者又采用了不協和的拿波里和弦，使情緒達到了真正的高潮，同時左手為了配合高潮情緒，也一直使用八度、和弦，連續的屬音，像是交響樂演奏中沉重扎實的圓號聲，力度為F，此時力度一定要達到該曲的頂點。接著高潮過后情緒不能一直緊繃，要通過一些緩和并漸漸地落下，此時，作者使用了連續的屬等待，為下一樂句做一個鋪墊。演奏這一小節時要做一些漸弱漸慢的處理。把剛剛上升到頂點的情緒要漸漸的拉回來。

最后一句是一個變化再現句，回到了呈示部首句的P以及柔美的情緒。當主題經歷了變化、升華，再次出現時，我們對這句的理解也更為深刻，此時的柔美有了與前面高潮F的對比，顯得更加親切，舒適。就像我們的生活一樣，如果沒有酸，也許我們不知道什么叫作甜，我個人認為演奏這句時要充滿著幸福感。最后作者通過連續的音階回旋上行漸強把情緒再次進行小幅度的推進，通過穩定有力的主和弦結束該曲。最后一小節的和弦在演奏時一定要扎實，肯定的結束。

這一樂章的表情術語為dolce（柔美的），是優美柔和的行板（Andante），演奏時要仔細關切樂譜中較為細致的力度記號變化以及情感起伏變化。左手的較多的為和弦的伴奏，和弦的觸鍵變化要與右手的旋律聲部情緒需要相吻合，柔和的、堅定的、深情的等等，通過各種觸鍵方法來恰當表達。另外，一定突出和弦中的旋律音，均勻又有起伏。右手部分要非常細致準確的按照作者的分句，語氣來表達情感。特別注意弱起小節的情感表達，附點節奏的彈性，重音的位置等等。另外再現部分與開始部分的變化呼應也相當重要，情感表達一定恰當準確。

該作品短短的16小節，緊扣單二部曲式的作曲特點。豐富的使用了各種作曲手法，保持了古典主義的勻稱、完整和樂思發展嚴格的邏輯性。同時也有浪漫主義早期的情緒波動，變化豐富。這首作品，幫助我們更深入地了解了帶再現的單二部曲式的特點，以及維也納古典主義樂派時期的作曲技法及演奏技法。具有很高的學習價值。