《圣經》與西方美術

在西方，藝術與宗教有深刻的淵源，這是因為長期以來，占據西方社會整體的核心地位的是基督教，藝術不僅因為依靠宗教而得到了輝煌發展，而且在很大程度上藝術本身的存在（形式和內容）也統一于宗教范圍之內，成為宗教活動的一種基本工具和方式?？梢哉f，宗教精神是藝術的內在動機，因而藝術與宗教能取得有機的統一。在西方繪畫史上，以題材而論，盡管有古希臘羅馬神話、民族傳說、風俗、各代帝王將相的肖像、歷史事件和人物，但表現更多、甚至極為重要的，則是《圣經》的主題。長期以來，與《圣經》有關的宗教畫被視為唯一“高尚”的畫種。之后才從純粹的宗教畫衍生出歷史畫、風俗畫、風景畫、肖像畫等多個畫種，后來出現的情色畫甚至也打著《圣經》的名義。按照形式劃分，除了油畫、手抄本細密畫之外，還有版畫、彩色玻璃畫、雕塑作品等等。

早期《圣經》主題畫：象征符號

早在公元前3世紀的猶太會堂墻壁上就有關于《圣經》故事的繪畫。早期西方繪畫中有來自《圣經》寓意的象征符號，如《圣經》傳說與古代異族神話相結合的畫面：“魚”和“善良的牧人”象征基督；“鴿子”象征心靈和圣靈；“船”象征教會；“孔雀”象征永恒；“心臟”象征仁愛等。在墓窟繪制的壁畫是為了美化宗教信仰、增添神圣色彩、慰藉死者亡靈。畫面內容除了象征符號外，還有《圣經》故事，如摩西“擊石出水”、耶穌與弟子的“圣餐”、“五餅二魚”的神跡、“拉撒路復活”。墓窟壁畫的藝術特點是寓意、象征、抽象。著重精神的表述和象征的含義：偏重意境而比例失調，缺乏肉質感；精神化的傾向；嚴肅、神秘，甚至令人恐懼。

中世紀《圣經》繪畫：宗教主題和情感

基督教征服日爾曼人以后，手抄本《圣經》流傳歐洲各地，為裝飾這些《圣經》，興起“細密畫”，用于《圣經》封面、扉頁、篇首大寫字母和書中插圖，具有“圖文并茂”之效。中世紀有三個重要的美術流派：羅馬、拜占庭和哥特式美術。初期用來裝飾教堂的鑲嵌畫和祭壇畫取材于《圣經》故事，藝術特色是承襲傳統、公式化、象征性和抽象化，用“可見的東西”讓人“領悟靈性的真理”。正如數學家克蘭的觀察，中世紀的繪畫竭力用“象征語言”來進行繪畫，布局和主體都“力圖說明宗教的主題，并引入宗教的情感”，因此人物被高度定型化，被描繪在平面的二維的畫面上，畫面背景幾乎總是古代的色彩，通常是金色，就好像是要強調畫面的主體與真實的世界毫無關系。

中世紀的藝術風格有“三式”。（1）“羅馬”式：以濕壁畫為主；承襲早期象征性、程式畫和虛擬的傳統手法；人物構圖和布局沒有深度和距離，大小比例以地位尊卑而定。（2）“拜占庭”式：以鑲嵌壁畫和圣像畫而聞名；杰作有《為彼得洗腳》《基督像》《基督降生》；“圣像畫”是在木版上的蛋膠畫，從希臘肖像畫和抄本插圖畫演變而來，線條明快、構圖簡潔、著色深厚，人物表情莊嚴慈祥。如《圣母與圣嬰基督》《天使向馬里亞預言耶穌的降生》《天符拉基米爾圣母》。（3）“哥特”式：12世紀末興起于法國、13世紀流行全歐的建筑形式，以教堂建筑為主。教堂大量使用玻璃窗采光，“玻璃畫”得以流行和發展。玻璃窗呈長形、上圓下方，或者構成玫瑰花圖樣。玻璃上用藍色、紅色、紫色和黃色構成各種圖畫，畫面內容基本上以“耶穌傳”居多。如法國夏特爾大教堂的《耶穌受難》花玻璃畫、瑞士圖爾高古代修道院教堂的圣誕玻璃窗《基督的降生》。畫家的責任只限于技藝方面，至于內容，則由神學家來決定。

文藝復興時期的《圣經》畫：歌頌人體

文藝復興時期，神本主義向人本主義轉移。人文主義畫家放棄象征、超脫的手法，用《圣經》題材宣揚人生、表現現實、謳歌人的軀體和精神，體現靈與肉、信與情的有機結合，展示宗教與人生的絢麗多姿，表露出持久的藝術魅力和生活美感。這一時期人才輩出，群星燦爛，涌現出喬托、達，芬奇、米開朗基羅、拉斐爾等著名藝術家。

被譽為“近代繪畫之父”的喬托（]267--]337）創作的作品多為教堂壁畫，內容多涉及《圣經》故事，包括《逃往埃及》《猶大之吻》《哀悼基督》《耶穌復活》等。喬托的代表作《哀悼基督》描繪了基督從十字架放下、人們圍著他平放的遺體悲痛哀悼的場面，寫實手法使人物有血有肉，表情豐富逼真，充滿“人間氣息”。喬托的藝術珍品還有木版畫《十字架上的基督》和《圣母圣嬰圖》，壁畫《最后的審判》。

達，芬奇（1452—1519）的《圣經》繪畫作品種類很多，也很有特色，如《基督受洗》《馬里亞領報》《三王朝拜》《丁香圣母》《巖間圣母》《最后的晚餐》更是絕世佳作。達，芬奇作于1513—1516年間的油畫《施洗約翰》，約翰雖然是男性，也流露出蒙娜麗莎那種甜美的微笑?！蹲詈蟮耐聿汀窂慕Y構、光線、色彩、技法諸方面顯示了達，芬奇的藝術天才。這幅畫繪制在米蘭圣瑪利亞修道院餐廳的墻壁上，人物全部面向觀眾。耶穌坐在正中，12個門徒分坐兩旁，一邊6個，分為4組，每組3人。為了避免構圖上的單調對稱，各組之間用人體的傾斜和手臂的穿插互相聯系，使整個畫面在統一之中有變化，在變化之中又有統一感。耶穌與門徒間的距離稍大，背后一扇大窗戶展開，耶穌的頭部正好受到窗戶光線的襯托，格外突出，如天光投照。整個畫面充滿了強烈的對比，從態勢上看是靜與動的對比，耶穌的鎮靜與安詳戰勝了門徒們的激動與惶恐，更襯托出耶穌的崇高心理狀態。從光線上看是明與暗的對比，圖中13個人，只有猶大一人的臉在暗處，更顯出他的陰險與卑鄙。從心靈刻畫來看是善良與邪惡的對比，耶穌的坦然與寬大更表現出他人格的偉大，而猶大故作鎮靜則更使人感到他的可憎。總之，只有先對畫中的故事和人物有所了解，然后才能理解畫家的創作意圖，與畫家的感情融為一體，更深層次地欣賞這幅不朽的藝術名作。

創作了著名的摩西雕像、大衛雕像和“圣母哀子”雕像的米開朗基羅（1475-1564）也是一位《圣經》畫大師，以雕塑作品和大型《圣經》壁畫而聞名。他的代表作是在意大利西斯廷教堂穹頂上繪制的宏大組畫《創世記》。他耗時7年完成的巨型祭壇畫《最后的審判》描繪了400多個不同姿勢的人體，從在云端出現的上帝，到離開人間的靈魂，無不展現出人體的美的力量，還有人類靈魂的掙扎和向往。由于人物神情動人，充滿青春活力，多為裸體，打破了中世紀禁欲主義，16世紀羅馬折中畫家伏爾泰拉受命給畫中的裸體人像加了衣褲，米開朗基羅原來的藝術風格被改變。伏爾泰拉也因此被稱為“褲子畫家”。

擅長畫“美女形象”的拉斐爾（1483-1520）的圣母題材畫色彩飽滿，突出人物的質感。他的《坐著的圣母與睡著的圣母》《西斯廷圣母》《埃斯特拉齊圣母》都十分出名。

17世紀“巴洛克”風格《圣經》畫：寫實主義

“巴洛克”是Baroque的音譯，意思是畸形的珍珠?！鞍吐蹇恕憋L格的特點是表現豐滿、充實；強烈的動勢和飽和的色調，甚至給人_種富麗堂皇、豪華夸張和光怪陸離之感。體現于宗教改革后天主教教堂中的穹頂畫、壁畫和祭壇畫。這樣的畫風中不再是奢華、高高在上的形象，而是漸漸走向人間、走到下層人民之中的人物。如以《基督降生》《基督受刑》《安葬基督》等畫作著稱的卡拉瓦喬（1571-1610）的《圣母之死》中，圣母是一位衣著樸素、雙目緊閉、躺在簡陋棺材之中的婦女。荷蘭畫家菲利普作于1674年的油畫《摩西十誡》中的摩西是一位身著藍色上衣、目光炯炯、右手舉過頭頂扶著樹立的法版的智慧老人，而不再是“頭上長角”的神性的摩西。巴洛克風格的代表人物倫勃朗、魯本斯的《圣經》畫作也充滿對貧苦人民的同情和對大自然的贊美。前者的代表作《圣家族》被馬克思評為“按照荷蘭農婦畫圣母”。后者的名作《耶穌受難》表現了各色人物在耶穌受難時的不同心理狀態和表現：耶穌雖然忍受折磨凌辱依然正氣莊重，圣母和信徒們則悲傷卻堅強，行刑的軍官窮兇極惡。

現代的《圣經》畫：走向世俗化

18世紀《圣經》內容在西方繪畫中仍占有一席之地。進入19、20世紀，《圣經》題材的美術杰作也時常問世。到了現代，宗教走向世俗化，教會也積極迎合現代繪畫藝術帶來的變化，象征主義、立體主義、表現主，義、超現實主義等畫派紛紛講《圣經》中的故事和人物用不同的藝術風格表現出來。如耶穌被釘十字架的場景，立體主義畫風的開創者畢加索借鑒了原始部落用活人祭拜神靈的方式，把耶穌受難與祭拜儀式合二為一，可謂標新立異。再如表現主義畫派的諾爾德所畫的耶穌受難圖中，與耶穌同時受刑的不再是福音書里所說的兩個罪犯，而是換成兩個前胸豐滿的女子，在場的其他人穿的也是現代的衣著，實乃“反叛”。超現實主義的代表達利的耶穌受難畫則將耶穌孤身一人置于一個黑暗而多層次的空間之中，讓人“耳目一新”。在畫家的筆下，同是一個耶穌，卻展現了多個不同的面孔。唯一不變的是“《圣經》的在場”！

無數藝術家從《圣經》中獲取創作靈感，發揮自己的藝術才華，為世界藝術長廊增添了“《圣經》畫”這一富有特色的藝術珍品，《圣經》名畫則增強了西方美術史的歷史感和宗教性。藝術家用藝術語言來詮釋《圣經》，豐富了《圣經》本身的思想，使《圣經》與時俱進，廣為流傳，從而由“神圣”走向“世俗”。當然，由于不少取材于《圣經》故事的美術作品最初是教會的訂件，這些作品無疑含有宗教意味，但它們絕不是簡單闡釋宗教故事的插圖，而是有著豐富、深刻的人文內涵和世俗性。藝術家以自己熟悉的周邊人物和事件為藍本，在藝術創作中加入了自己的認識和理解，同時，這些作品被打上了時代的烙印、時代的思想和感情。