掠影·聲音·中國

卡列維·阿霍 邁克爾·戈登等

“樂詠中國”委約的五位作曲家分別是卡列維· 阿霍、邁克爾· 戈登、羅賓· 霍洛韋、奧古絲塔· 里德· 托馬斯、塞巴斯蒂安· 柯里爾，均為當今世界樂壇具有很大影響力的作曲家。在音樂會首演之際，我們與國家大劇院一起組織了五位作曲家，談各自的作品，對中國的感受，以及跨文化的音樂、創作和藝術。他們視角不同，觀點各異，甚至相對，但聽到不同的聲音正是我們的本意。

感謝中央音樂學院和云峰教授、杜夫納，作曲家老鑼，以及此次活動的策劃和組織者朱曉蕾、劉超宇共同參加。

唐凌：非常感謝大家的音樂以及參加今天的沙龍。我們一同來談各自的作品，對中國的感受，跨文化的音樂、創作和藝術，以及國家大劇院此次委約國際作曲家的“樂詠中國”活動。

雅爾維：首先，我覺得“樂詠中國”這樣的委約活動非常特別，我不認為有其他哪個國家或者政府的官方機構在做類似的事，尤其是邀請如此眾多的作曲家。我所指揮的三首作品是風格迥異的。現在很多音樂種類融合在一起，非常受聽眾的喜愛。比如柯里爾和戈登的作品，在很大程度上受到流行音樂的啟發，與流行音樂進行了很好的結合。這是音樂創作中最吸引我的部分，所有這些不同的音樂融匯在一起，產生出新的音樂風格。

很高興我們有這樣形式的沙龍，我認為這樣的討論會一直進行下去，不只探討中國委約創作，更是在探討整個管弦樂，交響樂的創作。我們不應該讓中國的管弦樂創作變成歐洲管弦樂的復制品。事實上這是一種新的探索音樂的方式，一種中國的方式。

老鑼（德國作曲家）：現在在中國，大家都在尋找自己的方向。實際上，我們并不知道該往哪走。而且中國正在尋找一種自己的語言來代表21世紀的中國。中國擁有如此博大的文化和古老的傳統，但中國當代音樂卻很少有在世界舞臺上有影響力的作品。

戈登：這看似是一個巨大的問題，但我認為這個問題可能并不成立。如果你打開收音機聽一聽中國的流行音樂，它是使用平均律的，西方的音階，西方的調性，西方的交響樂團。但如果你聽中國的民間戲曲或者甚至是京劇，你會發現那是一個完全不同的語言。所以，我認為這個問題沒有任何意義，這就好像是在問，我怎么樣才能用意大利面、橄欖油、大蒜、番茄來做一餐中國飯？你做不到。

老鑼：但是，土豆和西紅柿過去對于中國是新鮮事物，但是今天他們已成為了中國廚房中的傳統。中國的問題是要找到自己的身份。我想對中國和中國音樂家來說，這是至關重要的，中國音樂家應該找到他們傳統中的精髓。

唐凌：也許作曲家們可以具體就自己的作品來談，你們都來到中國，并選擇了自己感興趣的中國元素作為素材，事實上你們的創作中已經融合了東西方的元素。

雅爾維：我沒有演奏阿霍的作品，但是我看到了譜子，如果我不去讀這首作品的介紹，或者不了解這首曲子的任何背景，而只是讀譜，它看起來一點都不像歐洲人的作品，它看起來很像中國人寫的作品。

阿霍：我從九十年代起就對中國文化很感興趣。一方面是因為我本身的音樂題材風格——歐洲的音樂風格，我已經掌握的很好，但是我想進一步豐富我的創作。我可以從其他的音樂文化中汲取營養，所以我開始了解中國、阿拉伯和印度文化。我買了古琴的CD，也從書上了解到更多的樂器。早在1000年以前，中國人就可以為琴記譜，而且非常精確，節奏非常規律，從譜面上看節奏很規整，但當你聽到CD播放的音樂時，你會發現它并不完全是4/4拍的，它是有變化的。由中國傳統樂器演奏的京劇中，其音樂元素也是非常豐富的，比如說切分音。這一點非常吸引我，我的音樂受到了新的啟發，怎樣用西方的樂器來創作這樣的音樂。比如，在我的作品中，我想要模仿中國的二胡，應該怎么寫旋律。通過聽，我嘗試去塑造這種音色，但它很難用提琴模仿表現出來。因為它是完全不同的，樂手也很難演奏出來。

所以我很想知道怎么能夠讓這些東方的音樂元素為我所用，運用到管弦樂創作中去。同樣的，很多阿拉伯音樂運用到非常復雜的音階、節奏和鼓，還有非洲音樂也都非常有趣。如何豐富音樂固有和常用的節奏是很挑戰的一件事。相比之下，我認為西方的音樂節奏是更原始和單一的。在歐洲你完全找不到這種音樂。在過去的四五年中，我也一直把這些新的音樂元素運用到我的創作中去。

劉超宇（國家大劇院演出部）：所以音樂是有地域性的，它并不像經濟一樣可以全球化。

杜夫納（MDR萊比錫廣播交響樂團總經理）：這是一個全球性的問題。如果我們談到音樂的發展，回顧藝術史，藝術家總是在探尋新的效果、新的聲音、新的音色、新的一切。藝術家在創作民族音樂，藝術家在尋求新的印象。在音樂史中，像十九世紀末德彪西，他在思索怎樣更好的發展音樂，他嘗試著將不同種族的音樂風格雜糅在一起。每個藝術家，包括作曲家，像斯特拉文斯基，都在尋求新的亮點。也許這樣一種進程也同樣發生在中國，中國的作曲家也在從其他文化中發現靈感。我們都在從其他的文化中尋求新的色彩、新的刺激。這正是藝術創作的美好所在。你一直保持著一顆好奇心，一直在探尋、實驗、創造新的感受。

唐凌：柯里爾先生的創作試圖把中國的漢字和作品聯系在一起，音樂和文字都是非常抽象的，以一種抽象表達另一種抽象，這很有意思。與阿霍先生帶有明顯中國色彩的作品不同，這部作品中并不能明顯感受到中國的元素。

柯瑞爾：首先，作為一個外國人，我并不熟悉中國文化，我剛來中國的時候感覺很陌生。我完全不能理解我眼前的這些漢字，但它們很有趣，總是能吸引我的注意力。所以當我創作這首作品時，我希望能帶給你們一種對等感受，把這種感覺顛倒過來，就是我的音樂對這里的聽眾來說是陌生的，但你們一樣會被它所吸引。我在創作音樂時并沒有尋求和這些漢字作直接、或者字面上的對應。但是與此同時，隨著我們旅行的開始，我們驅車走遍了中國的很多地方，有時我們在車上要待四五個小時，我就會坐在那看著沿途的路標，逐漸我開始辨識一些漢字的特征，我意識到，有些字是我以前看到的。我還是不懂它的意思，但是我已經開始把這些碎片拼湊在一起了。所以我希望你們在聽我的音樂的時候能跟隨這一過程，體會同樣的感受。其中有很多碎片化、無序的東西，起初你并不能把它們聯系起來，但你會逐漸的意識到，我之前聽到過這個，這段和那段是有聯系的。所以我的作品也像是在緩慢地解碼很多不了解中國的人初到中國的感受。同時這也給了我一個在音樂上去探索、實驗這些碎片化的東西的機會，作為一個習慣于和這些微小細節打交道的作曲家，我興味盎然。

唐凌：中國的文字是象形文字。即便你們不懂這些文字，還是能從中感受到美感和一些難以名狀的意義。我們的文字書寫能夠構成書法，成為審美的對象。

柯瑞爾：是的，比起羅馬字母，漢字可能更富有一種能量，筆畫的感覺、力度，仿佛有種芭蕾舞式的運動，這些在羅馬字母中是沒有的。這也和音樂的表情有關。從字的結構看也是這樣，這是為什么這部作品名為《量子群》，羅馬字母的大小是不同的，但是漢字看起來更像延續的線條，各部分間的空間和走勢、形態都是很精確的。他們展示了能量、姿態和情感。在我作品的音樂表情上，我也努力想要模仿這些，漢字本身的圖形和視覺結構。

同時，我也做了很多作曲家都會做的嘗試，就是把我在這經歷的新元素吸納進來。在美國我也不會創作一首很富于美國地域特色的作品，我不太習慣那樣。所以對這首作品，我在做我一直在做的，事實上，把很多元素調和成一體對我來說非常重要。

雅爾維：中國的漢字是準確的，但也是需要聯系語境的。它們同時也是形聲的，它們同時具備意思和聲音。西方的語言是字母文字，字母組合形成詞語，詞語組合形成意群與句子。這些和漢語是不同的，但這是我們每個人文化的一部分，這是我們心態、感覺的一部分。我覺得那是我們形成我們整個感受和理解的根基。

唐凌：我們的幾位作曲家，有的選擇了漢字，有的選擇了聲音，這些選擇本身就饒有意味。這也是我特別感興趣的，如何用你們各自不同的思維來捕捉和選擇這些中國的元素。此前你們可能對中國文化并不是特別了解，這種新鮮感其實很寶貴。

雅爾維：所以也許我們應該像霍洛維那樣，他的做法是對的，應該去表現和演奏這些意象、畫面，而不是只關注和計算節奏和音符。

霍洛維：很顯然，我的作品是五部中受到中國民間藝術的啟發最少的，但是我個人獲得很多靈感。從技術層面講，我的收獲并不大，但是我很喜愛并且真正感受到了我在中國經歷的一切，這些都融入作品中。我不能把自己假設成一個中國的作曲家進行創作。

但我經歷了這樣一場令人興奮的旅程，一定程度上它改變了我對事物的感受。我非常崇尚民間藝術，也充分領略到民族音樂中蘊含的豐富素材，但我的音樂并不會全盤照搬這些音樂元素。我的作品更多的是受到我看到的事物的啟發。柯里爾已經充分地闡述了他的作品和書法的關系。我作品中的很長的旋律線條也是蘊含著書法的意味的，這是拜這次旅行所賜。

雅爾維：但是你的作品中有幾處都很像中國作曲家的處理。

霍洛維：中國古代音樂就只有五個音，我只能通過豐富和弦，使用復雜的和聲結構來營造不同的聲音效果。從這點上看，我的作品也是非常中國的。

唐凌：在此次五部作品中，霍洛維先生的作品《在中國》是唯一一部試圖全景式描繪中國的作品，這里面有鄉村，有城市，有歷史，也有當代的東西。

霍洛維：我覺得我們每個人的作品都是對這次旅程的一次全方位、復雜且深刻的回應。只是我的作品恰好更像圖畫，一張明信片，更加視覺化，更多的是關于我所看到的而不是聽到的。但無疑我們五位都對我們的所見所聞做出了充分的回應，只是以不同的方式。

我在用我的眼睛創作，早上我在一個地方看到了一座輪廓秀美的山峰，晚上我又看到了上海摩天大樓的的奇特造型。這些不是我聽到的，是我看到的。我怎么能用音樂去描繪這座山峰呢？自然的、人工的、傳統的、新奇的，我想把它們的形狀用音樂的語匯表達出來。我把自己看到的感受到的東西概念化，也許這一點上和阿霍的作品不同，他的創作靈感源自他對中國古代音樂、民族音樂的興趣。我并沒有這樣的知識，但都是對感性印象的回應。

我有著各種混雜的感受，一些震撼，一些迷戀，一些反感，常人都會有的感受。有時我不喜歡我所看到的了解到的，有時我很受觸動，內心激動不已。在我的音樂中我嘗試著去表達反差極為強烈的情緒，贊美、厭惡。如果你仔細聽，你會發現這些情緒都在音樂里。但最終的的印象和感受是充滿贊美和喜悅的。我想要用“節慶”這樣一個詞，我的最后一個樂章是一種行板的，贊美詩式的。行板用來詮釋速度，但“節慶”、“節日”是用來形容感受的。當然節日寓意著慶祝，是歡騰而喜悅的。所以所有那些反差強烈的，有時甚至是消極的東西在結尾都匯聚為一種昂揚向上的力量。我很希望你們能聽到。

唐凌：昨天在排練的時候，《北京和聲》這個作品令指揮格外地沉醉投入，一個城市的聲音，是如何被聽見和表達的？

戈登：我在寫這首作品的時候非常痛苦，中國的音樂是很意象化的，它是很富有表情的，極具個人色彩的，這讓我感到很不習慣。我想我的作品和音樂幾乎沒有給演奏者發揮個性的空間。整個樂團就像一個工廠，他們需要像機器一樣去演奏自己那一小部分，沒有人有機會彰顯個性。所以我不得不向他們介紹怎樣去詮釋這樣一部不同的作品。

唐凌：托馬斯女士是我們幾位作曲家中唯一的一位女性作曲家，選擇了鼓作為作品的主題，鼓在中國文化中是一個非常陽剛、強勁的意象。

托馬斯：我們在一個苗寨停留時，大家都住在村莊。有一天我們穿過村里的一條小路，遇到一個和我年紀相仿的婦女。她每天從早上4點就起來耕作，干農活。我覺得他們的勞作如此辛苦，強度如此之大，一個月又一個月，赤腳在田埂間勞作。這景象讓我印象極為深刻，所以我想在我的作品中表現豐收和與這種周而復始的循環有關的東西。

我們在苗寨看到很多的鼓樓。一路上我都不得不去想像這鼓聲都意味著什么。族長要召集大家開會，還是哪家新添了孩子。這鼓聲會傳達很多不同的意思。我覺得鼓聲的召喚在中國的文化中是很古老很美的。所以在我的作品中我決定采用六個中國鼓，包括大鼓。這些鼓在樂團中總是被放在最后面。這些鼓聲的震撼力和深厚的歷史讓我非常著迷。我的作品由四部分組成，但是它們之間并沒有停頓。整首是13分鐘，每一段大概是三、四分鐘。你可以想象音樂的開頭是雀躍的陽光、號角聲和沐浴在陽光下播種的村民，好一番熱鬧的景象。早上五點鐘的太陽爬上山頭，陽光下一派豐收勞作的景象。這一切都是亮色的，充滿能量和活力的，然后鼓聲就此拉開序幕。

這首作品是源自于我在中國的這段精彩絕倫的旅程，我甚至覺得我的作品是印象主義的，不是法國的印象主義，我是說它更像一幅畫，山水、稻田、村落和辛勤勞作的居民，播種，收獲，播種，收獲……周而復始，幾千年來得以延續演進，極具儀式感和美感。也許我的作品就是苗族人一天生活的快照，日出到日落，再到晚上的歡慶。從這個角度講，這是一幅印象主義的畫作，它講述了一個故事，記錄了一段影像。你一定能夠從中看到這些畫面。

唐凌：鼓和豐收，都是中國古老的農耕文明中非常典型的意象。

托馬斯：是的，我讀了很多關于鼓的文章，它們都提到鼓在祭祀、耕作、戰事、鼓舞氣勢、節慶活動等很多不同的情境中都會用到。更有趣的是每種不同的鼓聲都有不同的寓意。在我的作品中，我希望用到六種鼓，每一個鼓手要演奏一個大鼓和另外一個其他的鼓。所以每個樂手都可以兩種鼓交替演奏，所以音樂也是跳躍的。作品中能聽到很快的從邦戈鼓、剛果鼓、到大鼓的切換。我們能從中感受到能量的跳躍。

作曲家個人簡介

羅賓 · 霍洛韋

1943年10月出生于英國利明頓溫泉。1975年至2011年，劍橋大學的音樂教授。霍洛韋90年代創作的作品包括《安特衛普之景》，此外，他還接受了舊金山交響樂團委約，為女高音和管弦樂團創作了《克拉麗莎選段》，以及由BBC交響樂團首演的他的首部交響樂作品。2002年由霍洛韋編曲的德彪西《白與黑》獲得了成功并多次在全世界的舞臺上演奏。霍洛韋最近的作品包括《第四管弦樂隊協奏曲》，由舊金山交響樂團于2007年在邁克爾· 蒂爾森· 托馬斯指揮下實現首演；為2010年BBC逍遙音樂會而作的RELIQUARY；以及2011年BBC逍遙音樂會上由唐納德· 拉尼科斯指揮首演的《第五管弦樂隊協奏曲》。

霍洛韋的作品由布斯和霍克斯出版社獨家出版。

卡列維 · 阿霍

芬蘭作曲家。

迄今為止，創作了15首交響曲和20首協奏曲。

塞巴斯蒂安 · 柯里爾

出生于1959年3月16日。塞巴斯蒂安· 柯里爾是2007年格文美爾大獎得主。《紐約時報》贊譽他的音樂是“令人眼前一亮的音樂”；《華盛頓郵報》則稱他的音樂“抒情、明快，雖植根傳統音樂，卻又與傳統音樂截然不同”，他的音樂作品被許多著名藝術家和樂隊搬上各大劇院的舞臺。2012-2013年，柯里爾推出的新作品有： 《深空天體》（女高音與樂隊合作）；《一刻鐘》（為長笛、豎琴、中提琴而作）；以及適合管弦樂團演奏的 《量子》。2007-2008年，柏林愛樂樂團曾多次演出了柯里爾的室內音樂，其中包括柯里爾三部作品的全球首演。

柯里爾曾榮獲多項大獎，其中包括柏林大獎、羅馬大獎、古根海姆學者獎、國家藝術基金會學者獎、美國藝術文學學院奧斯卡大獎，同時他還是麥克道威爾和耶都藝術區的常駐作曲家。柯瑞爾畢業于茱莉亞音樂學院，并獲得音樂藝術博士學位。

邁克爾 · 戈登

1956年戈登出生于邁阿密海灘，擁有紐約大學藝術學士學位和耶魯大學音樂學院碩士學位。他是紐約著名的音樂組合Bang on a Can的聯合創始人兼聯合藝術總監

戈登創作了大量不同形式的作品，有群情激昂的大型音樂作品，也有受各大管弦樂隊委托打造的錄音作品，還創作了眾多的劇院和歌劇作品。多年來，戈登受林肯中心、卡內基音樂廳、BBC逍遙音樂節、布魯克林音樂學院、九月音樂節、荷蘭音樂節、德累斯頓音樂節以及2000年悉尼奧運會藝術節和其他機構的委托創作了無數作品。戈登獲得了多項大獎和獎勵，還獲得古根海姆基金會、國家藝術基金會、當代表演藝術基金會、美國文學藝術學院等機構的表彰。另外，他還發行了多張唱片。

奧古斯塔 · 里德 · 托馬斯

1964年托馬斯出生在紐約格倫科夫，2009年-2011年，擔任紐黑文交響樂團的MUSICALIVE駐團作曲家。2011年被芝加哥大學聘為作曲專業教授。1997年5月-2006年6月，托馬斯擔任芝加哥交響樂團的駐團作曲家，期間，她不僅與指揮家丹尼爾· 巴倫博伊姆合作完成了九部作品的首演，還與克里夫· 克爾諾特聯合創辦并策劃了MusicNOW系列作品。眾多指揮家曾在托馬斯的音樂中執棒，其中包括皮埃爾· 布萊茲 、埃薩-佩卡· 薩洛寧、小澤征爾、米斯特斯拉夫· 羅斯托波維奇、克利斯托夫· 艾森巴赫等。同時，托馬斯還受世界各地頂級樂團和組織的委托創作了多部音樂。