淺談鋼琴演奏中的音樂表現

【摘要】音樂在不同的民族、不同國度間的交流幾乎沒有障礙可言，更不用勞心勞力地去“翻譯”。在所有的樂器中，鋼琴的表現力最為豐富而細膩，感染力也最強。如何在鋼琴上獲得理想的音樂境界，這其中離不開音樂表現。本文對鋼琴演奏中的音樂表現進行了闡述和探討。

在所有的樂器中，鋼琴的表現力是最為豐富而細膩的，感染力也是最強的。在鋼琴上獲得理想的音樂境界，離不開音樂表現。音樂是通用的語言，是可以融入人的情感而存入人的心靈之中。在表現某部作品時，首先要分清音樂的特性。

一、抓住音樂的情緒是表現音樂的關鍵

音樂特征是指音樂內容、情緒、形象、意境等，它決定了音樂的局部特性和總體風格。音樂特性是音樂的實質，是領會音樂，把握音樂的基本要素，它決定我們用什么方式，什么手法，什么情感去表現音樂。因此，講到音樂表現，首先要把握樂曲的音樂特征。它大致可以分為三類：抒情性的、活潑的和激情的。

二、表現音樂要把握樂曲的風格

演奏的表達方式一定要符合樂曲的內容。作曲家在寫作時已經將他所知道的和所感覺到的一切都蘊藏在樂曲中了。這其中包括音樂術語，即樂曲的情緒、表情，音樂的速度、性質等；包括樂曲的力度標記，在古典作品中力度標記是從pp到ff，有p，mp，mf，f六個不同的層次，而到了浪漫樂派及后期的一些作品從pppp到ffff，幅度就更大了，還有sf、sfz、crese、dim等；包括樂曲速度的不同變化，主要有放寬（Allargando）、減慢減弱（Calando）、加快（Accelerando）、逐漸加快（Stringendo）等四種。“一首樂曲的正確演繹，來源于正確的理解，而這又得完全依靠細致的正確視譜。”

三、在音樂表現中要善于運用各種觸鍵方式

都說音樂是聲音的藝術，因為聲音就是音樂本身。要使聲音美妙動聽，與觸鍵的力量、力度和觸鍵的方法有著直接的關系。彈奏強弱層次不同的音響，應該從觸鍵上下工夫。用不同的力度，不同的用力方式都會產生不同的效果。然而自然力量的運用是良好聲音的基礎和保證，也是觸鍵時保持自然放松的最佳方法。自然重量要求整只手臂都放松自如，從肩部舒展下垂，到整個手臂協調下垂，通過靈活而放松的手腕調節，將手臂的重量傳到手指，手指的三個小關節都要微微突起，尤其是掌關節，必須要作為力量的支撐點，支撐好手指。所以要想自如的彈好鋼琴并讓它發出悅耳的聲音，最重要的是學會手臂放松，手指要站立支撐好，正確運用手臂的自然重量。

1．在斷奏練習中體會重量彈奏法這種練習不能離鍵太高，不能敲擊，也不能擠壓琴鍵，要讓聲音充分揚出來，具有彈性，才能有光彩。

2．當音樂要求如歌的、充滿感情的彈奏時，重量的使用也起著至關重要的作用。這種練習不是靠指尖，而是要把手指放平些，用手指肉較厚的部位去彈，觸鍵要慢，慢慢把力量送到鍵底。在句子進行時，要運用手臂的控制，每一步都要小心地控制。

3．當音樂要求奏出剛勁飽滿，氣勢磅礴的聲音時，用重量彈奏各種和弦是最為常見的。這種練習要求雙手的觸鍵要很整齊，手臂要松弛，自然重量要暢通無阻，才能奏出剛勁飽滿，氣勢磅礴的聲音。

4．在彈奏莊嚴緩慢的旋律時，手臂的重量在彈奏時要飽滿深沉，充分體現出聲音橫向進行的力量。這種練習全部手臂和上身的力量去彈，手指貼鍵，觸鍵深些、慢些。

5．另外還有運用重量彈奏快速的十六分音符或速度較快的經過句，使它光彩、均勻、流暢。這種練習重量用得太少，聲音不能飽滿、光彩奪目；若重量用得多手指又不能跑得太快，更不可能輕松自如，就像挑重擔一樣。

由此可見，重量在演奏中對鋼琴音色變化的作用是很大的。它可以幫助我們更好地表現音樂，體會音樂。當然除了自如地運用手臂的重量外，還可以運用身體的重量，力度和音色也就會有更加豐富的變化了。鋼琴演奏是一門表演藝術。它不僅僅是音高、節奏的拼湊，更重要的是蘊藏著作曲家豐富的情感和思想內涵，需要演奏者通過鋼琴，用音樂的語言來表現樂曲的思想感情和音樂形象。不能單純地在彈奏技巧上下工夫，更重要的是把情感融入音樂中去，創造性地展現對音樂語言的感受能力和表現能力，這就是音樂表現力的培養。除此之外，更重要的是對音樂要有內心歌唱的感覺。

在我們學習音樂的過程中，我們對于練琴只限于基本功的練習，有的也只是一些簡單的處理，或者模仿錄音等。就筆者而言，以前練琴是非常被動的，只是做一些表面工作，聽起來就只是乒乓乒乓的聲音，無論什么樂曲聽上去都像是在彈奏手指練習，學起來也沒有什么興趣。其實這是一個普遍的現象，當年齡慢慢增長起來，想象力卻日益衰退，最后只能是一個彈琴的機器。但在后期的專業學習中，想象給了我很大的幫助，先是對聲音的想象，分辨出各種聲音后，通過自己的努力彈奏出理想的音色，使我感到了極大的樂趣，促使我更努力地去學習，從而增強了學習的興趣。以前只知道音高、音值、強弱，而現在想到的還有內心的歌唱，而且還會自覺地用聽覺來檢驗所發出的聲音是不是符合所想到的聲音。因此沒有想象力的演奏是沒有什么生命的。

四、在音樂表現中對聲音的想象

在練琴時，應該以極大的熱情、注意力、想象力和分辨力進行彈奏。然而，要做到這些，首先要對聽覺的要求貫穿始終，理想的聲音只有通過聽覺才能得到驗證。當你彈第一個音時，就要對聲音有一個想象，對聲音要有一個鑒別力，必須要在聲音上下工夫，就是練習聲音。舒曼曾經在《論音樂和音樂家》中說過：“耳的意識并不次于其眼。這個繁忙的器官從周圍世界的一切音響和音調中攝取一定的輪廓；經凝練后形成清晰的形態。在音樂中，直接由這些耳的意識的作用過程而激發的思想和畫面的因素越多，作品的表現力則越富有詩意和創造性。同樣音樂作品的感染力的程度也正是取決于音樂家在接受這些印象時的敏銳程度和想象力水平。”

五、在音樂表現中對樂曲意境的想象

如果能將一首樂曲看作一幅畫去形象思維，便會取得良好的效果。即使像《小星星》這樣的小曲，我們也可以大膽地想象：身處在美麗的夜晚，在深藍色的夜空中，無數的小星星在靜靜地眨著眼睛……這樣，把音樂注入生活，就非常自然地表現了音樂的情感。再如，我們在彈《威尼斯船歌》時，可以想象自己坐在一只小船上，四周的湖水清澈透明，湖水的周圍被茂密的樹林包圍著，明媚的陽光照耀在波光粼粼的水面上，天氣暖洋洋的，偶爾吹來一絲涼風，舒服極了！這樣使歌曲的已經完全展現在腦海中，效果自然是事半功倍。音樂表演中的想象，是以對音樂作品的深刻領會為基礎的；包括音樂作品、作曲家、創作背景、創作意圖，一些說明性的文字等，這些都可以成為想象的依據。鋼琴家郎朗說：“音樂中最偉大之處就在于你可以使用你想象中的任何東西。你可以讀史，小說、看電影，然后通過音樂來編織你想象到的圖畫。”

六、關于音樂想象力的培養

音樂的想象力就是對音樂聲音與形式方面變化及表現力的想象能力。這種想象越靈敏，越豐富，對音樂內涵的表現就越準確、越深刻。為了充分發揮我們的想象，一定要不斷擴大和豐富自己的生活積累；并且要隨時觀察體驗各種生活的自然景色和生活畫面，善于捕捉那些最激動人心、最富有詩情畫意的生活場景。我們不能一味地追求進度，而應該以培養音樂修養為目的。要知道學琴并不是越學越深，演奏技巧并不是總會不斷提高，因此，學琴到一定程度后就是想拓寬，攝取更多的音樂作品。其中了解更多的音樂文化是最主要的方法，包括了解中外文學作品，多讀關于音樂史的書籍，了解作品的時代以及特點，了解作曲家生平、背景；還可以通過多讀中外文學作品開拓思路，提高表達能力；欣賞繪畫作品，通過優秀的作品（繪畫），提高鋼琴學習者的想象力。多欣賞各類音樂作品，為開闊音樂視野，應多聽音樂會、聽音帶，珍惜接觸音樂的每一次機會，讓學習者提高個人音樂素養，有利于提高作品演奏技巧，更好地表達音樂作品。當我們聽多了，對音樂的感受力就會越來越敏銳，想象力也會變得更加豐富，這時我們就會在音樂中獲得更多的快樂。因此。外在的體驗是音樂想象的主要源泉，可以說沒有生活就沒有想象，沒有想象也就沒有音樂。對于年齡較小的琴童來說，培養他們對音樂的想象力可以采取以下幾種方式：故事法、繪畫法、表演律動法、討論法。

雖然我們在彈奏樂曲時有了豐富的想象力和對音樂的表現，這一切完全由音樂本身的情緒和語言而決定。它的起伏、輕重、緩急，完全是合乎情理的需要，是可以表達的，歌唱的，因此也是自然的。其他如節奏快慢輕重強弱的變化，音色的明暗對比，通篇的句逗、休止及延長音的處理，以及高低潮的安排等都將是你的音樂表現。這些變化并不可以隨心所欲，任意渲染，最重要的是自然而然，符合樂曲原旨，勉強的刻意以求只會讓人感到做作。所以這一切都要變為自己的心聲，是真正發自內心的歌唱，應該認識到最完美的演奏是“自然”。生動形象的體態動作語言，應具備兩個特點：第一要自然，就是不扭捏做作，手勢要如行云流水，輕松自如；第二要明確，就是意思要表達明確，不做無意義的動作，不做過多的動作，給人以手舞足蹈，缺少修養的感覺。動作都是次要的，那不是刻意做出來的，要想有感情有深度的演奏，前提是你必須了解要彈的曲子，必須有一定的認識，有一定的理解才行，演奏時自己的感覺要融到曲子里，要明白曲子表現的是什么，哪里歡喜哪里悲哀，只有這樣才能彈出感情，這時只要全身是放松的，身體的動作自然就有了。當然，有些地方還是要自己加一些夸張點的身體動作，但必須要自然，不能脫離樂曲。關鍵是聽覺的藝術而不是刻意追求視覺的效果。

綜上所述，鋼琴演奏中的音樂表現和音樂想象都是可以培養的。但你需要多接觸、多學習、多思考，建議可以每天聽音樂，這是自我鍛煉樂感的好辦法。另外還提倡大家：“行萬里路，讀萬卷書，聽萬首曲”，“聽萬首曲又是關鍵的關鍵”。若要學習一首作品，盡量去聽一些高質量的CD。因為那是經過精雕細琢的音色和音質，會對我們學習一首新作品很有幫助的。阿勞也說過：“藝術家頭腦里的音樂越多，就越能成為一個偉大的解釋者。”

【參考文獻】

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