用攝影手段表現民族舞臺藝術

民族舞臺藝術誕生于我國少數民族地區的山野村寨，經整理、編排、繼承展現在我國城市、鄉鎮的劇院舞臺。西藏大型舞劇《珠穆朗瑪》、云南原生態歌舞劇《云南映象》、貴州舞劇《多彩貴州風》等具有當地民族風格的舞臺藝術為弘揚我國少數民族文化開辟了新路，第三屆全國少數民族文藝匯演的成功舉辦，給少數民族舞臺藝術的發展起到了推波助瀾的作用，民族舞臺藝術如雨后春筍，蒸蒸日上。

舞臺藝術攝影是攝影門類中較受人們喜愛的一門攝影藝術。民族舞臺藝術由于民族藝術家美輪美奐的舞姿，精湛嫻熟的演技，絢麗多彩的服裝，給人留下了美不勝收的視覺感受，深得舞臺攝影者的青睞。

觀眾對民族舞臺藝術的認知性和視覺美是建立在舞臺藝術特性的基礎上的。而攝影者是依據自己對舞臺藝術理解的程度，運用所掌握的攝影手段營造出影像美的視覺作品，作者必須嚴格按照這種標準才能創作出美的作品，它順應了民族舞臺藝術的存在形態、審美規律和發展趨勢以及現代藝術的形態體系。正因為這樣，民族舞臺藝術攝影才被人們所接受，并形成了自己的審美語言。民族舞臺藝術攝影作為一門實用技術，除攝影者對藝術的理解之外還有對攝影技術有著一定的要求，這些技術標準是建立在攝影者對色彩學、構圖學、光學的掌握與應用上。民族舞臺藝術攝影在藝術的生活化和技術化，生活和技術的藝術化方面發揮著作用，可以說民族舞臺藝術攝影屬于實用攝影領域。

民族舞臺藝術攝影對相機的使用要求隨著數碼技術的發展已經不是太高，現階段的專業數碼相機幾乎可以勝任任何復雜的拍攝環境。速度和光圈的優先以及超聲波自動聚焦，自動化的白平衡，加上高感光度數碼技術等功能的應用，涵蓋了攝影所具備的全部技能，科學技術喚起了更多的攝影者對民族舞臺藝術視覺影像的追求。

數碼相機出色的影像質量以及技術的多樣性，為人們拍攝民族舞臺藝術開辟了新紀元。數碼技術的發展促使攝影者對影像美學的認識有了更進一步的提高，攝影的含義就如用光線繪畫。光線屬于物理技術，而繪畫則是藝術，物理給予攝影者限制，但藝術給予攝影者自由。

沒有光就無所謂舞臺藝術攝影，在這里光線已不是一般的視覺介質，攝影者在拍攝民族舞臺藝術時，駕馭光線創作藝術作品更多的是調動自己對光線的性能和光線的可操作性的認識程度。光線的運用是攝影者賴以創作最基本的前提，是攝影者掌握器材之后不可小視的技術，這項技術的把握直接關系到攝影者的視覺經驗，攝影者要根據光線的變化來判斷舞臺藝術攝影的空間和情感。

民族舞臺藝術攝影的整個思維過程是攝影者的創造性與主觀性的探索，具體地說，就是在民族舞臺藝術拍攝之前，攝影者先要在自己的腦海中對所要拍攝的對象有意識地形成一個最終要得到的視覺影像。也就是說，攝影者拍攝時，不但要了解民族舞臺藝術本身，更重要的是要進一步觀察它所表現的潛在影像。在民族舞臺攝影藝術中，攝影者可以自由地、刻意地表現個人的想象與情感的抒發。在攝影創作過程中，攝影者彼此之間的思維模式與表現手法或許不盡相同，但對個人而言，其最終的目標與宗旨卻是相同的，那就是記錄藝術的永恒。

民族舞臺藝術攝影的特點較為鮮明。拍攝距離和角度受演出環境的限制；舞臺上特殊的人造光源；拍攝對象基本都是運動的。

我的看法是，在攝影位置極端限制的情況下，首先利用好攝影者自身的拍攝位置。有人認為拍攝民族舞臺藝術攝影的最佳位置應該是第一排正中，也有人認為應該是舞臺正中稍偏一點的位置，我認為說的都有道理，但實際真正做到并不容易。因為現在的文藝演出大部分都是商業性的，為了不影響購票觀眾觀看演出的視覺效果，像北京保利劇院十三排以前的座位是不允許任何人拍照的。還有些劇院即使允許攝影，攝影者的位置也不可能如愿地被安排在理想的位置，因此我在這里說的就是充分利用好你所在的位置，發現新角度，利用不同的光源，拍攝出與眾不同的照片。在劇場第一排正中拍攝民族舞臺藝術照片，因為前面沒有障礙，自然可以兼顧整個舞臺，在這個位置上，視角寬闊，利用廣角鏡頭可以拍攝舞臺上演員的全貌。如果使用標準鏡頭可以拍攝舞臺的中景，使用70—200mm變焦鏡頭可以拍攝演員的半身及特寫。但是由于大部分攝影者沒有能力鎖定這個位置，因此還是利用好自己票上的座位因地制宜，合理安排攝影角度。如果攝影者的拍攝座位比較靠后，可以使用中焦或長焦鏡頭，這個位置的優點是攝影者可以更加精力集中抓取舞臺上最好的瞬問，而不用考慮變換鏡頭。另外，前排的位置雖好，但是有些劇院，如解放軍總政歌劇院，第一排的位置略低于舞臺，拍攝角度略微仰角，由于看不到演員的腳，給攝影增加了難度。反之，后排的位置可以提高拍攝角度，形成更舒適的構圖。另外，我認為如果需要拍攝比較龐大的群舞場面，劇場樓上的位置也是不錯的，在這個位置可以拍出場面大，縱深寬的攝影畫面。所以，攝影者到劇場的第一個任務是在確定自己的位置后認真觀察舞臺，確定拍攝思路，選擇合適的照相機鏡頭。當然，如果位置確實不好，不利于拍攝，不妨與別人調換一下座位。

民族舞臺藝術的照明是純粹的人工光源，為了表現舞臺的藝術效果，人物情感的變化，現代舞臺上經常使用的色燈、效果燈、追光燈給數碼相機的白平衡和曝光準確帶來了困難。舞臺光源一般分為兩種，一種是穩定光源，這種光源布光簡單，沒有色燈，沒有追光，燈光不移動，光線比較柔和。在這種光源下，攝影者可以在演出開始前對舞臺進行白平衡的矯正，如果自動白平衡模式不準，最好采用自定義白平衡對相機進行調整。另一種是不穩定光源，舞臺布光復雜，各種光線依據劇情變換多種多樣，光源的照度和色溫也隨著演員的表演經常改變，在這種光源下，我的經驗是把數碼相機的白平衡始終設置在自動模式，由相機自動完成復雜的光線判別。光線的變化給民族舞臺藝術攝影帶來了變幻莫測的藝術效果，但是也給舞臺上人物和背景的照明造成極大的光比，很容易造成人物主體的曝光過度。面對光線復雜，明暗區域對比較大，光線照度和追光角度不斷變換的舞臺演出，數碼相機的自動曝光功能很難保證準確，這就要求攝影者根據自己的實踐經驗靈活運用數碼相機上的點測光、曝光補償、曝光鎖定等功能。

選用大光圈鏡頭是拍攝民族舞臺藝術明智的選擇，由于鏡頭通光性好，使相機可以應用足夠高的快門速度。另外，光圈作為控制景深的一種手段，運用恰當，拍出來的照片會有較好的藝術效果。在舞臺表演藝術中，演員與舞臺雖有一定的距離，但是并不是很大，如果不采用大光圈，拍出來的畫面很可能會使演員與背景重疊，缺乏層次感。尤其在比較簡陋的劇場拍攝，大多背景較為簡單，如果將背景清晰地攝入畫面，勢必會影響到照片的整體效果。采用大光圈的方法來控制景深，可以使背景虛化突出演員主體，產生一種視覺上的美感。即使在正規的劇院拍攝舞臺藝術，適當地運用光圈也很重要。光圈隨著舞臺光線的強弱變化進行調節，這種調節既要適應因舞臺人物運動的速度而確定快門速度，又要照顧光圈大小而產生不同的景深效果。光圈設得過大，可能會曝光過度；光圈過小，又使景深范圍加長，背景得不到虛化，影響到視覺表述的效果。到底該開多大的光圈合適，攝影者應該根據實際拍攝需要確定，這要看你需要達到什么樣的藝術效果。

民族舞臺藝術攝影與其他攝影門類基本的拍攝要求表面上沒有什么不同，但仔細分析還是有一定區別的，主要在于，拍攝民族舞臺藝術照片往往要取決于攝影者對民族文化理解的程度，以及能在極短的時間內迅速完成構圖并按下快門的經驗。這就要求攝影者對少數民族文化有盡可能多的了解，如藏族舞蹈節奏快，肢體動作大；傣族舞蹈節奏慢，舞姿輕柔；蒙古族舞蹈跳躍多；維吾爾族舞蹈旋轉多等等，知道這些就能在拍攝中提前作好準備，在演出中抓取最精彩的瞬間。

民族舞臺藝術攝影從過去單純的記錄型逐步發展到現在的創作型，這個變化也是舞臺攝影從實用性轉向藝術性的過程。過去借助閃光燈進行拍攝，無非是想把畫面拍得更清楚，而這樣的后果是，閃光燈的強光沖淡了舞臺特有的光線和色彩效果，而這些效果恰恰是民族舞臺藝術照片的精華所在。因此，嚴格地講舞臺攝影不宜使用閃光燈，當然，為了發稿的需要，必須使用閃光燈，另當別論，但是拍出的照片肯定會失去舞臺的視覺效果。