激發求知與想象：蘇富比旗艦藝廊落址香港中環

蘇富比旗艦藝廊于2024年7月在香港中環置地遮打揭幕，以占地2.4萬平方英尺（約2229平方米）的多元空間探索零售、展覽與拍賣新體驗。其中，Sotheby's Salon囊括200件橫跨8000萬年歷史、來自全球各地的收藏，試圖重新定義公眾與藝術之間的屏障，地下樓層展廳“菩提：佛教藝術萃珍”與“冰：龍美術館借展雙珍”雙展揭幕，為觀眾帶來博物館級別的展覽體驗。

蘇富比旗艦藝廊的新空間約2229平方米，樓高兩層，涵蓋作品近20個門類并跨越8000萬年歷史，價格由5000港元至5000萬港元不等。地下設有博物館級展覽空間，為訪客帶來沉浸式觀賞體驗；一樓則是Sotheby's Salon，旨在提供涵蓋近20個門類的零售體驗。旗艦藝廊位于中環核心地段，四通八達，每月人流量將達逾130萬人／次。

蘇富比亞洲區董事總經理洛嘉熙（Nathan Drahi）表示，“蘇富比旗艦藝廊籌備多時，我們銳意讓這個位于香港的展覽空間成為全球訪客的文化樞紐。”蘇富比亞洲區主席仇國仕表示：“我們的愿景是打造一個激發求知與想象的空間：從恐龍化石到頂級手袋、非洲當代設計家具到意大利古典素描、電影海報絕品到畢加索陶瓷作品、韓國當代工藝到珍罕古董名表、哥德式雕塑到當代珠寶設計、中國古代藝術到稀珍書籍及手稿，乃至當代藝術到武士甲胄不等，在此帶來靈感，并吸引現有與新晉的藏家。”新空間由荷蘭鹿特丹建筑規劃事務所MVRDV設計，突破傳統展覽空間固有的概念和界限，并試圖重新定義公眾與藝術之間的屏障，“讓藝術文化變得易于觸及。”

位于一樓的Sotheby's Salon 為迎合現今跨門類收藏趨勢而設，空間共五大區域，分設七間沙龍，展示超過200件橫跨8000萬年歷史、來自全球各地的收藏。每間沙龍各述獨特策展，凝聚來自不同領域的美學視角，囊括恐龍化石、珠寶、非洲藝術、球鞋、西洋古典素描及設計，以迎合當今藏家品位多元的追求。旗艦藝廊采用開放式設計，穿透式空間配合玻璃門廊，將原有的獨立店鋪無縫連接，蘇富比經典的藍金色調貫穿一樓各個沙龍。

作為過渡的梯間通道通向地下樓層，相比一樓明亮而開放的設計，地下呈現恢宏的空間秘境，呼應道家思想中的變化觀。地下的空間靈感來自備受中國文化尊崇的供石，強調人與自然之間的平衡、持續適應和變化之道，與當代社會中所重視的生態環保理念不謀而合。

供石將道家思想實體化，亦是這個沉浸式空間的靈感來源，融會貫通古今。Grotto藝廊位于中央， 緊鄰兩側分別是Pantheon藝廊與Sanctum藝廊，每個區域皆以深酒紅色和炭黑色的木材裝飾。樓高6米，高低錯落的天花板營造出石上的玲瓏峰谷、驟然起伏。這三處空間將呈現博物館級別的展覽、藝術表演及大型拍賣會預展。

地下樓層的Grotto 及Pantheon 藝廊正在舉辦展覽“菩提：佛教藝術萃珍”，以佛教造像杰作，追溯佛教藝術發展軌跡。緊鄰Grotto藝廊，在此層最為隱秘的Sanctum藝廊正在呈現“冰：龍美術館借展雙珍”，兩件相距千年的作品分別為格哈德·里希特（Gerhard Richter）《冰山》和北宋汝窯天青釉洗。此件汝官窯筆洗釉如凝脂，冰裂瑩澈，為拍賣史上最高價瓷器。

“菩提：佛教藝術萃珍”以一系列佛教造像杰作，從古犍陀羅到中國盛明，沿南北各朝，途經趙宋，追隨歷史足跡，見證慈法弘揚，展覽以期在探索佛教藝術嬗變之余，顯法揚道，讓觀者得以窺覷凡塵世外，在別有天地之中找到一方凈土。

菩提，另譯為“覺”，乃一切修佛者終極所求。兩千余年以來，修行之人依佛菩薩形象可近圣道，虔心向佛者更視修造佛菩薩形象為無量功德。論宗教性，佛教形象蘊含超凡之力，脫塵入圣，論藝術性，佛教造像不乏絕美之作，尤其是中國造像，朝代興衰更迭、社會信仰嬗變均可從中洞見。造像發展豐富多樣，其內核不外發心恭請釋迦牟尼佛示現，若遇身量魁偉之像，瞻禮者勿論僧俗，皆肅然起敬，時至今日亦復如是。

佛教形象起源，即佛陀初用具象表達，可溯至公元前五世紀佛祖釋迦牟尼之生平及涅槃。釋迦牟尼火化后，遺骨舍利安放于佛塔下，以塔象征佛陀之身；彼時，佛陀尚無擬人化形象，佛塔便在佛教早期為形象崇拜埋下伏筆。阿育王（約公元前304－232年）于孔雀王朝廣袤國土大力弘佛，立存世最早佛教紀念物以崇奉釋迦牟尼，世稱阿育王柱，然擬人化形象仍未出現。

作為宗教，佛教于公元前3世紀已自印度流傳，然直到公元1世紀前后，古犍陀羅（今巴基斯坦西北部及阿富汗東部）才以擬人化形象塑造釋迦牟尼佛。公元前327年，亞歷山大大帝征服犍陀羅，希臘羅馬傳統漸來此地，于貴霜治下形成犍陀羅造像風格。“菩提：佛教藝術萃珍”呈現了從貴霜帝國（約公元前2 世紀至公元3世紀），至南北朝、隋、唐、宋、元、明各時期的佛造像，見證佛教發展史上諸多高峰。

“冰：龍美術館借展雙珍”為蘇富比旗艦藝廊地下舉行的兩場開幕展之一，兩組杰作突破時空界限，展開別有天地的鑒賞體驗，北宋汝窯瓷洗巧遇格哈德· 里希特的《冰山》。

汝窯雅色，有“雨過天青云破處”之譽，輕罩冰裂片紋，學士文人、鑒藏大家，千年以來奉若瓷中神品，趨之若鶩。里希特的《冰山》聚焦在孤獨的冰川，遺世隊列，望而畏之，捕捉寒極緯度那片煙霧彌漫的迷人冰洋，展現安娜·卡萬在《冰》一書中言及之境（頁172）：“極地的壯麗猶如海市蜃樓，高聳入云、漫天蓋地，是冰超然詭異的建筑。”

里希特的《冰山》被描繪為像是受“夢中古典風格繪畫和未被玷污的原始世界啟發，換言之是受緬懷過去驅使的”（迪特馬爾·埃爾格編，《格哈德·里希特：風景畫作》，奧斯特菲爾登呂伊特，1998年，頁21）。冰峰巉崖聳立海上，迷霧籠罩，寒氣懾人，海面未見任何光源，卻透現幽幽暮光。里希特以暈涂法逐層疊加綠松石色與各種淺灰，色彩微妙遞變，畫面捕捉了夢境所見的瞬間。當問及里希特為何創作風景畫，他斷言：“我要繪畫美麗的事物”（同前注，頁12）。

汝窯脫俗獨特，但釉色變化范圍廣泛，存世作品中從平素無紋的乳濁淡綠，到如本次展出之作般密布片紋的潤澤天青皆有，不一而足。光線落在器表天青釉上，折射出猶如冰面開裂的“冰裂紋”，讓人聯想到里希特在《冰山》描繪的冰川和巨縫。釉面開片紋原為制瓷工藝瑕疵，乃出窯冷卻時，釉層與胎身之收縮速度不同所致，起因偶然，卻成汝瓷特色。因此即使窯工竭力營造開片條件，最終仍可能功虧一簣。燒成如同天然冰晶般閃爍迷人之冰裂釉色，實需天時地利，非人為可控。

《冰山》描繪的凜冽景象曾是攝影鏡頭瞬間捕捉的風景，現在卻順從過去的表達形式，轉化成畫布作品。“就如自然界各類景致般美，也如彩繪工藝品般美，無須理會周遭而散發雋妙之美”（羅伯特·施托爾，《格哈德·里希特：繪畫四十年》，紐約，2002年，頁53）。