巴赫大提琴組曲與舒伯特大提琴奏鳴曲在不同時期背景下的音樂美學鑒賞

摘 要：巴赫和舒伯特作為巴洛克音樂的收藏者以及里程碑式的人物，他們的音樂為歐洲乃至整個世界音樂文化的產生和發展奠定了堅實的基礎。因此，為了分析兩位音樂家的創作風格，本文從音樂美學鑒賞角度對比了不同時期背景下的巴赫大提琴組曲和舒伯特大提琴奏鳴曲。首先，在巴洛克時期背景下分析其整體音樂風格，其次，對巴赫的大提琴組曲和舒伯特的大提琴奏鳴曲進行美學欣賞，包括對樂譜結構的分析、對樂譜文本的欣賞，以及對演奏風格的分析，旨在為大提琴的演奏和研究提供參考。

關鍵詞：巴赫；舒伯特；美學鑒賞

中圖分類號：J622文獻標識碼：A文章編號：2096-0905（2024）04-00-03

一、巴洛克時期音樂風格分析

巴洛克音樂非常注重情感的表達，越來越多的音樂家和作曲家開始認識到，音樂的主要目的是喚起人們的情感，巴洛克音樂反映了人們的喜怒哀樂，反映了人們真實的情感和情緒。無論是歡樂的舞曲、激昂的戰斗音樂，還是憂郁的悲歌，巴洛克音樂都能夠深深地觸動人心，讓人們產生共鳴并沉浸其中。

巴洛克時期的另一個重要發現是主要和次要調式的發展和完成，這是在巴洛克時期中后期發展起來的。隨著大調和小調的出現，以及樂曲節奏的豐富和完整，這一時期的記譜也得到了細化和完善。巴洛克時期的絕大部分音樂作品都傾向于表達一種特定的情緒，這是該時期音樂的普遍特征。巴洛克音樂的另一個重要特點是作品富有旋律性，喜歡巴洛克時期音樂的人很容易理解其獨特之處。這一時期創作的旋律具有不斷演變和開放性的特點，常常出現思維上的重復。樂句在旋律方向上可擴展、發展，也可能在不同的音高上進行重復。這些旋律通常不容易被記住，缺乏平衡和對稱的音樂感覺。

巴洛克時期的節奏變動非常有特點，令人愉快，在一個作品中使用各種節奏或伴奏模式，以豐富作品的內涵，并與旋律方向一致。在研究巴洛克音樂的編曲特點時發現，這一時期發展起來的復調與文藝復興時期的編曲特征有很大的不同。這種復調出現在巴洛克中期，這種作曲技巧的出現導致了巴洛克音樂創作的高峰，被所有作曲家視為巴洛克音樂創作中非常重要的社會因素。所有作曲家都認為這種作曲技巧在巴洛克音樂創作中占有非常重要的社會地位。

許多演奏者在演奏巴赫的作品后發現，巴洛克時期的音樂常常給予演奏者即興創作的空間。如鋼琴演奏者可以在演奏過程中即興創作和弦和琶音，聲樂家和器樂演奏家可以根據自身條件和個人品位加入各種裝飾音。這種即興創作的機會使每次演奏都具有獨特性，讓演奏者能夠自由發揮和表達個人的藝術風格與情感。這也是巴洛克時期音樂的特點之一[1]。

二、巴赫大提琴組曲賞析

（一）巴赫大提琴組曲的結構

組曲，顧名思義，是一些小的音樂片段“串在一起并組合”成一個組，在這個組里的時間也有自己商定的支持模式，即Allemanda、Courante、Sarabande、Minuet和Gigue。組曲由多個舞蹈組成，每個舞蹈通常有兩個部分，并且每個部分都會重復。舞蹈之間以相同的風格、調性演奏，主要通過節奏、強弱和速度的變化來區分彼此。而整個組曲則通過將這些舞蹈組合在一起呈現給聽眾，傳遞出一種連貫而豐富的音樂體驗。組曲的流暢演奏和多樣的舞蹈形式成為巴洛克時期音樂中的重要特色。

巴赫的《無伴奏大提琴組曲》以相似的方式呈現，展現出精湛的設計理念。每一部作品都包含了六個舞曲環節，并配有一個序幕。獨特的調性變換貫穿始終，自光明的G大調起始，歷經沉郁的d小調、寬廣的C大調、和睦的降E大調、陰暗的c小調，最終落腳到充滿活力的D大調上。巴赫通過這種精心設計的結構，展示了他對音樂的深刻理解和創造力。這部著作中的發展演變過程蘊含了一個不斷提升的主旨，每首樂章都通過對立和一致的方式展現出巴赫內心的動蕩與矛盾，盡管他的日常生活中充滿了貧困與苦難，但他從未喪失信念，始終保持著一種向上的心態去追求光明。

（二）大提琴組曲選段的文本分析

盡管當時的音樂作品通常沒有前奏部分，但為了滿足創作者的需求，他們有時會在作品的開頭加入一個前奏。這種前奏通常由兩個完全不同的主題組成，它特別強調和弦的拆解、音階的推進以及技巧的自由表現。通過這種前奏部分，可以喚起后續舞蹈的音樂主題，并產生預熱的效果。這樣的前奏部分不僅在音樂結構上起到引導作用，也提供了創作的機會讓作曲家展示自己的技巧和想象力。前奏部分的獨特性以及與后續舞蹈的對比，為整個組曲創造了一種引人入勝的開場效果，使聽眾在開始欣賞音樂之前就能夠感受到其魅力和獨特性[2]。

《第一組曲前奏曲》是基于光明且富有生氣的G大調譜寫而成，其長度為42小節。按照一般的大提琴手表演方式，此樂章的速度為每分鐘78-84拍。該作品的主要元素包括和弦分解，主要使用一拍四音或兩拍八音的組合技巧。首音符在每一小節中都被突出，保持了較長的延續時間。

這首曲子的開篇就能讓人想起溫柔的日落和流淌的小溪；在樂曲的后半部分，它以音階的形式描繪旋律，其中融入了更為突出的復調手法，以屬音g、d等作為連接低音（支柱音）的線索，并在其上下呈現類似音階的模式。整首曲子以一個簡單的十六音符和聲分解和模式交替進行，并以一個全音屬和弦結束。

（三）巴赫大提琴組曲演奏的特點與技巧

巴赫所作的《無伴奏大提琴組曲》中的第六部作品是為了追求音樂表現力和深度來抒發他內心的情感，并以獨特的五弦大提琴視角出發，整首歌曲充滿了溫馨和快樂的感覺。他的創作方式包括了寬廣的音階、多彩的調性和強烈的熱情，象征著所有歡愉的融合，仿佛是一部專為大提琴譜寫的交響詩篇，能夠與貝多芬的《第九交響曲》相匹敵，展現出光明的前景，向全世界宣布成功的喜悅。至于當代的大提琴演奏者，他們通過運用這把樂器來塑造女性高音旋律，但因為樂器的局限性，要想達到這個目標就需要具備卓越的技術水平。

在前六個部分的序幕里，音樂主題已經明朗化并涵蓋了整個組曲的核心意義，這是為了后續舞劇內容的指引與充實做預備工作。首段前兩個小節中的旋律和節奏雖然一致，但是所傳達的信息卻各異，因此需要采用不同的力度來表現。如果我們設想其聲音如同回響的話，那么強烈程度的差異會更加顯著。當左手操控著琴弓調整琴弦上的張力的時候，這兩句話就被看作是“F”和“P”的效果。整部作品自始至終保持穩定的節奏，只有顏色豐富的地方例外，其他地方均采用了同一種節奏模式，這樣就使人易于在構圖方面產生混淆，進而造成樂句模糊不清、雜亂無章，節奏拖拉，極有可能出現“流水賬”的情況。針對這個問題，表演者應先確定樂句的分割點，細分出詳盡的構造，以此強化每句、每個節奏、每個拍子的重點。在一些曲目中所示的弓形法可能導致重音錯誤[3]。

四分音符的和弦出現在樂曲的開頭，演奏四分音符的和弦是必不可少的。和弦對音樂來說是必不可少的，它們的演奏方式因時期而異。在巴洛克時期，和弦被分解，在浪漫主義時期，和弦的幾個音符同時發出，所以有必要思考它們的演奏方式。通過輕盈且順暢的彈奏方式，利用右手的弓壓來維持并增強和弦的效果，同時留出足夠的空間迅速轉換和弦，保證每個余下的音符都能充分震蕩。在初次嘗試的部分，從微弱的四分音符和弦起始，尤其關注和弦聲響的穩固度，接著過渡至“f”音符的上升，適當地添加顫音效果。對于這個段落，需要給它提供充足的空間去逐漸加大力度，其他三十二個音符則需保持穩定的狀況，這奠定了整個樂曲的基礎情感——寧靜但溫柔，并且富有魅力。鑒于此作的特點，存在大量的較高位置及高音調旋律，因此我們的左手指法尤為重要，尤其是左手大拇指的位置不夠穩定，容易導致音準出現問題，在使用大拇指來演奏包含全部音階和和弦的音樂時，錯誤的手法會使發出的聲音不準確，甚至音色變得粗糙。這些音樂中的錯誤提示我們要明白，只有正確理解音樂，擁有優秀的表演技藝，二者相互配合，才能夠提升自身音樂認知和修養[4]。

三、舒伯特的大提琴奏鳴曲

（一）舒伯特大提琴奏鳴曲的結構

這首由舒伯特創作的大提琴奏鳴曲包含3個樂章：一是典型的奏鳴曲式；二是以二聲部的形式呈現出的第二個樂章；三是以回旋曲和奏鳴曲的形式構成的第三個樂章。與其他眾多作品相比，此作并未蘊含深厚的音樂意義，反而更像是一首充滿柔美且雅致風格的藝術歌曲。尤其是第二樂章，雖然旋律簡潔但其中所展現的細膩感人之處令人驚嘆不已。此外，在這首作品的第一樂章中，我們還能聽到他曾用過的弦樂四重奏的主旋律。調性的變化給音樂帶來了很大的張力，偶爾重復的母題，來回呼應，使整個作品融為一體。這部作品使用了大量的民間技巧，創造了一種自然流暢的氛圍。盡管它被歸類為古典時期作品，但它具有明顯的舒伯特特色，自由奔放的氣息依然存在。第一樂章的具體結構，如表1所示。

樂曲開頭的引言部分（第1-9小節）以反復發展的形式呈現出首個主旨元素，這不僅明確了調性，還突出了其特有的風格。隨后，鋼琴彈奏一段寧靜的小調旋律，并在第9小節后由大提琴接棒，開啟主要部分（第10-21小節），再度演繹該母題，與初始階段的鋼琴相互映襯。此處的主旨素材猶如一位老者講述著他的人生經歷，充滿憂傷及回憶。在此，作曲家選擇了一個中速的節奏來表現這種情感，同時也傳達了他對溫柔之情的理解。整個樂章跌宕起伏，從第17小節開始，下降的部分逐漸平息，并慢慢上升到首次出現的主題的高潮點，接著過渡到了銜接部分（第22-39小節）。在這個銜接環節里，作曲家并沒有采用同樣的調性。先是a小調，但隨即轉變成活躍且明亮的C大調旋律。

隨后，樂章以平和的方式過渡到第二個主題（第40-62小節）。相較于第一主題的主旋律歌唱風格，鋼琴在此部分采用了更多十六分音符，從而使整體氛圍產生顯著轉變。作者對該主題進行了擴充，并通過多層次的變化來構建出一種前后的跳躍式發展。如此一來，如同陰霾消散一般，過往的憂傷也逐漸淡去。自第44小節起，作者把第二主題拆解成快節奏的十六分音符，賦予其更豐富的調性和色澤，并在第53小節重新演繹第二次主題。

在這首作品的末段（從第63-72小節），因其創作初衷是為了六弦樂器，因此四弦樂器的表演范圍相當廣泛，最終通過彈撥與和弦的方式收尾，并且最后的和弦構成了整個擴展部分的核心內容。這個拓展的部分正是這部作品中最令人意外且引人注目的部分。隨后，鋼琴接過大提琴的撥奏和弦，用美妙的音色演繹主要旋律，同時由弦樂隊延續這種撥動方式來呈現分解的和弦做陪襯。在此處，音樂重新回歸溫馨愉悅的主旨。接著五小節過后，音樂的緊張感增強，進而過渡至下一階段。在這個新的階段，和聲轉為了d小調，副題的改編始自第87小節。而在第95小節時，大提琴與鋼琴間的和諧變化緩解了情感氛圍。然后在第105小節，調式再一次回到F大調。接下來，鋼琴部分重復著副題的內容。

本節的材料（第124-188小節）與“呈現部分”有一定的區別。在第132小節中，我們看到的是對第18小節中的四分音符跳躍進行了替代，這采用了四個十六分音符的形式。而在接下來的第138小節后，這個樂曲被調整為E調。而第二主題在第157小節的表現形式及節奏風格則同“展示部”保持一致，同時其調性也被轉換至A大調，使得整個作品氛圍顯得更為活躍。隨后，從第188小節開始，該作品便步入了尾聲部分。此時，旋律趨于平緩，音樂充滿深沉的悲傷感。接下來，由女高音演唱的部分采用大量零碎的節奏來慢慢敘述一段故事。直至終結前，大提琴的旋律逐漸攀升，與此同時，鋼琴的旋律卻逐步下行。最后，這首歌以兩組和弦作了收尾。

（二）舒伯特大提琴奏鳴曲演奏的特點與技巧

在奏鳴曲的表演中，大提琴和鋼琴需要相互配合，確保它們的音高是一致的，并達到聽眾期望的音準標準。在演奏過程中，有兩個因素對弓法的設計起著重要的參考作用，其中之一就是呼吸點。呼吸點的選擇對于保持音樂的連貫性和流暢性非常關鍵，在劃分旋律結構時需要合理安排。此外，把握旋律的強度也至關重要。作品的邏輯結構是由作曲家對音樂語言的運用來構建的。因此，弓法的設計必須與音樂結構相匹配。為了完美地表達旋律的情感色彩，力度和速度的控制也十分重要。旋律的邏輯結構決定了弓的劃分和力度的方向。只有遵循這一原則，才能避免旋律弓形的混亂。在表演中，遵循這些原則可以以一種合乎邏輯的方式表達自己的情感，同時也不會違背作曲家的意圖。因此，在實際演奏中，需要使用合理的力度，并在力度的變化段落內進行調整。

對專業表演者來說，分析奏鳴曲的情感表達，清晰地了解和把握作品的思想特征是不夠的，還需要對作品的情感有更清晰的認識，在此基礎上，產生自己的情感，然后去演奏作品，并將其作為演出的一個境界來實現。這就要求演奏者注意以下兩點：一是要充分了解作品的情感內涵然后再去建立自己的情感；二是在作品和自己的情感之間找到平衡點，不能以樂譜轉換器的形式演奏，但也不能過多地融入個人情感。

四、結束語

本文結合創作時空背景，對巴赫和舒伯特的作品進行深入的探討，通過對音樂的分析和診斷對二者進行了比較研究，有助于更全面地了解作品、更接近作曲家創作時的完整思路，進而理解浪漫主義音樂流派在當時整個歐洲占有的獨特地位。

參考文獻：

[1]李龍.舒伯特《a小調奏鳴曲》的中提琴演奏分析[D].吉林藝術學院，2016.

[2]劉鈺源.舒伯特《阿佩喬尼奏鳴曲》的音樂學分析[D].山東大學，2013.

[3]孫少平.大提琴演奏家卡薩爾斯的精神要點[J].北方音樂，2015，35（06）：60.

[4]張冰冰.論交響樂中大提琴語言的運用和特點[J].樂器，2017（06）：40-43.

作者簡介：方思喆（1999-），女，湖北天門人，博士，從事音樂演奏研究。