繪畫藝術中的視覺構建

王希

【摘? ?要】繪畫是藝術創作中最直觀和重要的視覺表現形式。繪畫本身的呈現也是通過視覺的構建與傳遞來達成目的。本文以繪畫藝術的視覺構建為導向，通過對藝術史上有代表性的繪畫作品進行分析和探究，分別從構圖、色彩和空間三個方面來論述其在繪畫的視覺構建中的重要性及其應用。

【關鍵詞】視覺? 構圖? 色彩? 空間

中圖分類號：J205??文獻標識碼：A?文章編號：1008-3359（2023）13-0049－06

繪畫藝術首先是視覺的藝術。追溯歷史，古希臘人很早就已經開始重視繪畫的視覺特性，雖然當時還沒有使用“視覺藝術”這個名詞，但“透視短縮法”的發現足以證明他們對視覺藝術的重視程度。蘇格拉底也曾說過“繪畫是對所見事物的描繪”，可見當時的人們已經認識到了繪畫的視覺特性。隨著時間的推移，歷史不斷變革使繪畫藝術產生了眾多流派，各種極具表現力的藝術創造使觀者擁有了更多的視覺審美體驗。藝術作為對客觀世界和社會生活的一種精神體現，充分反映了藝術家們的精神意旨。而繪畫作為一種形象明晰的、可為觀者直接把控的藝術形式，以其獨特而又無可取代的方式提升了人們的審美意識，豐富了人們的精神世界。由此可見，繪畫藝術在人類的社會生活中的重要性不言而喻。

隨著社會的進步，繪畫藝術也隨著時代的變遷而不斷發展，衍生出來的藝術作品花樣繁多。以油畫為例，從文藝復興以來，繪畫藝術為人類的精神世界做出了卓越的貢獻，相繼出現了巴洛克、古典主義、浪漫主義、現實主義、印象派、野獸派、立體派……到現代藝術中的抽象藝術以及當代藝術等繪畫流派。眾多的流派反映出了藝術家們在不同的時代背景和文化差異中，會通過不斷地思考、創新，使得藝術在視覺表達盡善盡美。藝術作品的產出不僅僅局限于讓藝術家表達自我和傳遞情感，他們同時也在開辟藝術的道路。以繪畫的視覺表現為出發點，無數先輩們總結出了許多哲學思想與方法理論，為后來者欣賞與探究藝術作品提供了寶貴的經驗，這些經驗也為繪畫的研究提供了有力的幫助。通過總結與摸索，在專注于研究繪畫的視覺構建時會發現，無論在什么歷史時期，以何種表現方式出現的繪畫作品中，形狀、色彩、構圖都是構成繪畫藝術的三大重要因素，任何繪畫作品都不能脫離這三個要素而獨立存在。

一、形態構建：圖形注入的靈魂

所謂圖形，即形狀或造型，它是構成圖像的基礎，一幅繪畫作品在展現內容的同時可以傳遞給觀眾最基礎的信息以及直觀的意圖。繪畫的創造以圖形視覺語言形式的重構來達成形式美目的，通過點、線、面的積累、疊加、變換、排列等各種組合方式實現視覺效果。畫面創作伊始依托于造型，它是畫面的溯源，既是萬丈高樓平地起的根基，也是繪畫物象層面的基礎。與此同時，畫家們的構思影響著畫面的初步搭建，使畫作從物象造型階段已經建立了其觀點與思維模式，也將繪畫的靈魂和精神意志注入其中。正因如此，畫家的創作思緒引導人們能從繪畫作品中獲得極大的愉悅感，以豐富自己的審美感受。觀者潛移默化地被作品影響，從而在某一方向和特質上與觀眾產生共鳴。

在創作階段，圖形是構建視覺的基礎，這一點可以利用造型原理以素描學科來認定。素描畫也一樣，其利用點線面的畫面構造方法，在不需要色彩加持的情況下，依然可以成為獨立的繪畫形式，許多畫家圍繞素描特性創作出了許多優秀作品的前身，純粹以“形”的塑造植入精髓，搭建了靈魂的載體。繪畫是擁有靈魂的藝術形式，古往今來備受大眾喜愛的眾多藝術作品中，都會發現通過造型表現使繪畫直擊觀眾內心的畫面。在眾多讓人印象深刻的作品中，蒙克的《尖叫》作為表現主義最具代表性的作品，其充分體現了圖形帶來的視覺沖擊。畫面通過線條趨向性的排列、塑造，使線條建立了各個面的關系與分區，整體的畫面背景以曲線形式描繪出了線條的流動感和整個畫面的流通性。在并不規矩的線條描繪下，人物所在的空間方位與遠景的水以及天空都進行了很好的隔斷與連接。柔韌波動的線條與圖形構造使畫面更具有活躍性，充滿了動感。在人物的塑造上，人物面部的結構及表情也都采用線條塑造的形式，簡潔的幾根線條表現出了凹陷的面頰和眼窩，消瘦的臉頰以及驚懼瞪大的眼睛，把面部塑造得酷似一個骷髏頭。當今的觀者可以看到不同版本的《尖叫》，而版畫版本中能更加清晰地體會到“形”的作用。即使作品去掉色彩，以黑色線條的律動展現在人們面前時，依然可以讓觀者深刻地感受到作者想要表達出的絕望情緒。以此可見，圖形的塑造奠定了作品的基調，且并不會因為失去色彩而影響視覺沖擊力。表現主義通常在形態的塑造上有卓越的表現，“形”成了附著于其表現形式上的靈魂。事實也的確如此，從表現主義畫派的繪畫作品中可以感受到造型的力量，畫家們往往將強烈的情感寄托于此。

繪畫本身具有平面性的特質，在用圖形描繪畫面時會呈現出平面藝術的形式美。無論畫面所詮釋的是激烈、驚恐、哀傷，還是溫暖、祥和、平靜，任何表現形式傳達的情緒都會在相對應的人群中產生共鳴，使觀者與作者產生隔時空的靈魂碰撞，這也體現了視覺藝術的魅力。繼具象繪畫重視造型表現之后，抽象派依然遵循了圖形原理。以蒙德里安為首的抽象派作品可以清晰地展現出圖形表現出的形式美，其最著名的作品《紅、黑、藍、黃和灰的構圖》依然離不開點、線、面的基礎塑造原理，但其作品更能讓觀眾感悟到形式美感。將畫面通過改變比例和分割的方法來實現對色塊的拼接，利用數學與理性思考來表達繪畫理想，是富有邏輯性的一種表達方式。在視覺審美中，不同比例與分割的度量會產生不同的視覺及心理感受，因此構圖在其中起到了至關重要的作用。試想，如果缺乏了線條的勾勒，整體構圖也即將失去力量感與規則感，影響畫面的秩序。線在其中起著點睛的作用，從而實現了形式上的突破。從具象到抽象的過程，圖形無疑都是繪畫作品的支架和精神意志的顯現，任何作品都不會跨過這道工序來呈現。縱觀當代流行的數字繪畫，以插畫和漫畫的表現形式居多，并在商業化的驅使下逐漸簡化。如矢量風格繪畫，看似缺乏了線條的塑造，許多形態邊緣不是用直觀的線來體現造型，但其圖形中的線性形式已經通過隱形的方式進行了表達，也可以理解為以面的方式塑造“形”。點成線、線成面的原理依然遵循了傳統造型的原則，并最終依托圖形的形式展現出來。由此可見，各種形式繪畫的基礎都要通過構建圖形的方式來呈現。

二、色彩構建：色彩與情感表達

色彩是繪畫的重要藝術語言。在繪畫視覺的構建之中，色彩是最具有特點的一個表達部分。早在19世紀，在西班牙和法國南部洞穴的巖石山中就已經發現了公元前10000年以前的洞窟壁畫，附著在上面的野牛和馬等的形象已經有了著色。當時的人們在繪畫上進行著色，只不過是想讓畫面中的動物看起來更逼真，色彩的確有著能使畫面更接近現實的作用，并能夠使畫面更具感染力。但除此之外，色彩在畫面中的作用不僅僅是視覺上的體驗，它同時是創作者向觀眾傳達創作意圖、表達思想情感的至關重要的橋梁。色彩通過人眼和大腦的反射形成了主觀的視覺效應，顏色在一定程度上是人類對色彩的主觀向往所呈現出來的景象。在光線的加持下，把不同的純色的點或色塊在不調和的狀態下放在一起，不同色塊之間所反射出的色彩會通過人眼自動形成過渡的顏色，而這一特點早被印象派畫家所發掘并運用。

印象主義是典型以色彩為導向、運用色彩的對比變化規律建立起的繪畫體系。在印象主義作品里，可以感受到色彩呈現給人們的驚喜。早期的印象派繪畫運用短促的筆觸來給畫面著色，無數的色彩單位組建成了色彩斑斕的作品。這種方式是畫家們最精妙的創新，畫家們往往在現實事物原有的色彩基礎上進行主觀的美化與雕琢，通過色彩的純度、明度以及對比度的關系調和畫面，使畫面在保持色調統一的同時又融合了豐富的色彩。比較典型的作品是莫奈所創作的《干草垛》系列，其畫作真實地再現了光線在不同時間段對物體照射所呈現的色彩變化。印象派提倡走出室內、感受自然的理念也對色彩的藝術發展提供了新的思路。結合印象派作品的用色技巧，后人也因此洞察到了室外光線下的色彩變化規律，從而將其體現在了作品中，很多作品打破了原有的界限，用色也更加豐富大膽。莫奈利用色彩的冷暖對比，將草垛的亮面和暗面進行區分。以夏末清晨的干草垛為例，暗部以冷色來表達未受光的部分，主色用藍綠色系的筆觸鋪墊，在其中摻雜了高飽和度的色點以及暖色系的筆觸，將草垛在光線下的反光也細致入微地表現出來。這種表現手法在視覺上會體現出陽光的熾烈，仔細觀察又會發現每個小筆觸之間存在著色彩變化。這種對暗部塑造的方式打破了以往死氣沉沉的畫面效果。而亮部同樣運用了色彩豐富的筆觸，采用了更為明快溫暖的暖黃色系，充分體現了陽光照射下物體色彩上的視覺變化，營造了清晨陽光下逐漸升溫后的溫暖氛圍。草垛系列作品通過對一天不同時刻的觀察，詮釋了不同光線下的色彩變化，是以往繪畫對于色彩運用的極大突破。印象派作品通常以冷色與暖色進行強烈對比，畫面既表明了現實事物的明暗關系，絢麗的色彩又改變了繪畫中對現實照搬的無趣，那是一種對自然的親身感悟，仿佛在告誡人們這個瞬間即永恒。

印象派色彩的表現方式和小筆觸的運用得到了后印象主義的繼承與發揚，后印象派的修拉則以點彩的表現手法詮釋色彩的變化。以其著名作品《大碗島的星期天下午》為例，其畫面受到印象派的啟迪后，將短促的筆觸改進為更精煉的點涂方式。如果將畫面放大來看，可以感受到每一個色彩單位都像是一個像素點，這類似于相機拍出來的彩色成像原理，但是每一處的顏色又不完全遵循自然景物的原有色彩，融入了主觀的設計，因此光線以及色彩都縈繞出了和諧與寧靜的感受。繪畫在視覺的呈現上往往會遠超于相機單純地定格捕捉，正是因為畫家在創作的同時融入了自己的見解與情感。后印象派較之印象派最大的特點是更多地融入了主觀判斷，色彩帶著自我感悟的傾向性，開創了色彩表現力的獨特方式，同時也使畫面更生動豐富，并通過豐富的畫面傳遞情感，引導觀眾對畫面有更多的感受與思考。

在色彩的運用上，如果說印象派繪畫作品是室外繪畫色彩創新的先驅，那么就不得不提野獸派畫家們對色彩的解放。19世紀著名的象征主義畫家莫羅曾認為：“美的色調不可能從照抄自然中得到，繪畫中的色彩必須依靠思索、想象和夢幻才能獲得。”馬蒂斯正是受到了啟發，開啟了色彩的夢幻之旅，也成了野獸派的主要代表人物，他的作品憑借著明艷的色彩俘獲了觀眾的內心。馬蒂斯的作品對色彩的運用一向大膽并充滿熱情，他筆下的景物色彩明快鮮艷，猶如給現實生活加上了完美的濾鏡，豐富的色塊碰撞出了他內心的激情，同時也將這份帶有熱烈情感的色彩直觀地傳遞給了觀眾。他的代表作《紅色的和諧》《羅馬尼亞人的上衣》《紅色時間、藍餐桌上的靜物》等，都大膽運用了高飽和度紅色來描繪畫面，紅色與藍、黑、白的組合使整體色彩變得更加奪目耀眼。當馬蒂斯舍棄了透視，單純用色彩去鋪墊他所創造的繪畫時，能體現出他對于色彩的強烈追求。他曾說：“奴隸式的再現自然，對于他是不可能的事。”在他的畫作中，色彩詮釋了他內心的全部真切情感，不摻雜外界的干擾，他通過色彩實現了情感的表達。

繪畫可以在客觀環境下衍生出帶有主觀思想與情感的表達，正因如此，包括畫家在內的創作者們會以現實生活為源頭，借此途徑直抒胸臆，這種可傳遞性的表達方式驗證了藝術來源于生活又高于生活的藝術領悟。色彩作為表達情感的重要途徑，能夠使觀者被色彩搭配的舒適度或獨特性所吸引，色彩能很好地詮釋熱烈的情感，從而帶動觀者情緒，這正是許多的印象派和野獸派的作品大受好評的原因。當然，其他畫派在色彩的運用和表達上也有各自的特點。但以理念與感官的雙重方式融入畫面是色彩構建的重要思路，賦予情感的色彩搭配是使畫面更具有生機和感染力的必要條件，善于利用色彩是構建繪畫的有效手段。鮮明艷麗的色彩充斥著熱烈與激動，暗淡樸素的色彩縈繞了憂郁與悲傷，色彩總是可以引領人們感悟畫面所傳達出的情感，無論畫面想要體現哪種調性，色彩都是在為視覺構建中的情感表達所服務。

三、維度構建：構圖的空間向往

隨著時代的更迭，藝術的表達方式在不斷演變，每個時代的人們都在追求著創新，藝術家們對畫面效果的追求也越來越高。從過往的作品中不難發現，畫家們越來越注重畫面的節奏感和韻律，經過無數次對繪畫的探索與嘗試，一套成型的繪畫體系也隨之誕生，如今，可以將其歸結為一套具備可用性的方法論。繪畫的表現本質決定了藝術作品是平面的屬性，在視覺輸出時，單一維度的視覺效果不足以滿足創作者在畫面中想要表達的訴求，所以很多畫家在創作前期都會構思出理想的構圖，他們往往會在平面的紙張或畫布上創造出多維度或具有空間感的構圖，以便于體現畫面的空間關系。空間與構圖方式有著密不可分的關系，空間感會被畫面中的透視、景別、虛實和疏密關系等因素的設計及布局所影響。而構圖則起到了決定性作用，其是繪畫創作中需要考量的重要問題，也是構建空間關系的重要因素。

眾多繪畫作品中都體現出了立體以及多維的空間感，但由于平面媒介的局限性，繪畫中所呈現的也只是通過圖形視覺引導而形成的虛擬立體空間。畫家們和普通人一樣，起初都是通過眼睛接受了所處環境的自然物象，并渴望將所見的事物以自我意識相融合，從而表達在圖像中。雖然如今看來樹立空間關系是理所當然的創作意圖，但這其實是在歷史的長河中經歷了偉大變革和思辨的結果。回望史前以及古埃及時期的藝術，藝術家們對于視覺的表現形式還停留在平面化的程度，在翻看許多古埃及墓室中遺留下來的壁畫時，可以直觀了解那個時期繪畫創作者的意圖與表達方式。畫面中人物的頭部、下半身肢體以及腳都采用了側面的表現手法，而軀體的上半部分則仍然采用正面的角度，就這樣將不同觀察角度下的身體的各個部分連接在一起，這種表現方式還包括植物、動物。古埃及人在塑造畫面時都遵循著同一規則，這種規則的運用同時體現在整體構圖上，他們不注重個體與空間的真實關系，扁平化的處理方式使畫面凸顯出一股強烈的克制感。但是偉大的藝術家們不會停下追求藝術的腳步。追溯到比公元前500年更早一些的時候，在一只流傳至今的署名為尤西米德斯的希臘花瓶上，藝術家們已經開始大膽地創新，將花瓶上人物的一只腳畫成了從正面看的樣子，透視法從此誕生。畫面透視的出現幫助了畫家們更具體地在畫面上描繪出物象的正確結構，同時也體現出了他們塑造畫面時對于空間的向往，給后繼的藝術發展提供了新的思路。因此，在當今所見的大量繪畫作品中都脫離不了透視方法的表現。透視概念的出現除了可以增加構圖的豐富性與合理性之外，還能通過透視的視覺效果使觀眾感受到畫面的視覺沖擊。不妨把透視帶到其他形式的繪畫中進行驗證，例如，在漫畫這種表現形式下，能更明晰地解讀透視在畫面中的作用。漫畫作品的創作基于分鏡頭語言，每一格的內容都是站在不同的視角來呈現的，其中包括觀者視角、主人公視角以及上帝視角。當一幅作品以仰視角度出現時，畫面往往會產生一種壓迫感，這種角度的空間塑造通常用來表現緊張的局面。例如，布滿烏云的天空、高大的山巒、巨型怪物等。而以俯視的角度塑造畫面時，則可以展現空間的整體性，多用來交代大環境。例如，以攝像頭的角度俯視的電梯內部、以上帝視角俯視的整個村莊等。在平視角度時，以塑造景物及建筑為例，經常涉及的透視包括：一點透視、兩點透視或三點透視。透視在畫面中的呈現取決于人眼的不同視角，透視的產生極大地增強了畫面的立體空間感。

除此之外，景別在繪畫中的應用也是至關重要的，景別一般分為近景、中景、遠景、全景以及特寫幾部分。在構圖中，不同的景別直接影響了畫面的空間構建。區分景別不僅可以明確畫面的主次關系，而且可以塑造空間的層次。空間層次一般依靠畫面內容搭建，而畫面中通常將人物作為主體物，那么首先要關注人物在其中所扮演的角色。在人物畫中，人物的景別一般被設定為近景或特寫，這樣的安排使人物主體占用畫面的大部分空間，突出的位置讓大家更多的注意力被吸引到了人物本身上，景別在此刻做了一個視覺中心的引導，觀者在欣賞畫作時直接被帶入了人物的情緒狀態。就像《蒙娜麗莎》一樣，人物畫像占據著主導的位置，以近景和特寫面部的方式提高對人物的關注度，同時虛化背景來襯托主體，這種手法是畫面塑造空間慣用的方式。空間關系影響了畫面的立意，直接將視覺中心鎖定在人物本身，這正是蒙娜麗莎的微笑備受人們關注的原因。隨著景深的拉伸，畫面變幻的景別傳達給觀眾的信息會使得他們改變思考方式。當以中景構圖時，畫面更多強調了故事性。此時，人物仍是主體，但隨著環境的逐漸顯露，人物本身的內在關注會隨之減弱，人物與環境的關系會逐漸清晰，此時增強了人物與環境的關聯性與互動性，情感點也會隨著空間的拉伸而來自多個方向，如維米爾的《廚婦》，畫面精細地刻畫了婦女正在倒牛奶那一時刻的空間關系，表現了人物的平和、寧靜，描繪出了陽光灑進廚房時的氛圍與空間感，營造出了和諧的狀態。此幅作品以中景構圖的方式，既刻畫了人物，又交代了背景，包括人物、地點、時間、事件等，故事性也因此產生。當景深再一次拉伸，人物與環境在畫面中的占比會逐漸反轉，當主體物變小時，人物本身個性化的表述會越來越被淡化，與此同時，畫面更注重營造環境關系，直到拉伸到全景以及大全景時，對于人物的主觀描繪將被整體環境的客觀展現所稀釋，最終徹底突出整體的畫面關系，著重體現故事背景。而當一幅作品失去了人物主體時，可以以風景畫為例，一些自然風光為凸顯層巒疊嶂的壯麗景觀，多以遠景或全景來體現空間關系。以畢沙羅的《清晨陽光下的意大利街道》和塞尚的《圣維克托山》為例，兩幅作品均采用了遠景的構圖方式，第一幅作品塑造了街道上人流涌動的市井氣息，而以景色為主的圣維克托山則呈現了恬靜安謐的自然風光。兩幅畫面雖然表達的場景大相徑庭，但在相同的景別作用下都暗示了營造整體的空間氛圍。不同的景深在改變畫面主次的同時影響了畫面的空間表現，體現了繪畫創作中故事性與空間塑造之間相輔相成的關系。

在一幅畫作中，透視和景別被解決后，畫面的框架基本已被構建出，接下來須通過虛實和疏密的變化來進一步明確空間關系。虛實是拉開前后空間距離的重要環節，虛實可以通過線條的粗細以及輕重來體現，前實后虛和前重后輕是構建空間關系的有效方法。如果以面來塑造依然適用，一般可以用邊緣模糊來塑造遠景或表現近鏡頭的虛化，也可以通過顏色的飽和度、明度以及色調來做對比。主體物或前景都會以飽和度較高、明度高、暖調呈現在畫面中，冷暖和虛實的對比都是拉動空間的有效表現形式。而疏密關系則體現了空間的秩序以及節奏感，成功的畫作往往可以感受到畫面的透氣性。例如在一張畫紙上作畫，創作者不會把整個空間填滿，適當的留白或虛化是畫面空間感的重要體現。與此同時，疏密也可以決定畫面的主次關系，一般著重表現的部分都是用來塑造物象的視覺中心，拉開主次距離，從而使空間感形成。通過以上的構圖規則，可以發現畫面在視覺的構建上形成了既多樣又統一、既單一又復雜的屬性，以相互制約的架構塑造了空間，從而實現了創作者們對于畫面的空間向往。

四、結語

繪畫這種藝術形式是人們對于視覺追求的載體，人們渴望通過視覺的呈現來分享感悟，繪畫創作最終都是通過對圖形、色彩和空間的把控來實現的，其過程不僅融入了創作者的巧妙構思，同時也寄托了情感心思。正是因為藝術創作是人類可以向外界宣泄的重要途徑，人們才會崇尚藝術，藝術作為人類寶貴的精神財富會經久不息地流傳與發展下去。從架上繪畫到電腦數字繪畫以至于到如今的AI繪畫，藝術進程隨著時代的需求在不斷演變。不難發現，其改變的導向與結果趨于作品呈現的便利性與簡潔性，雖然畫家們渴望跳出規則、另辟蹊徑，但對于藝術作品本身的內在構造是始終如一的。各種各樣的視覺表現形式都沒有脫離基礎的視覺構建法則而獨立存在，人們仍然利用已有的繪畫原理來賞析作品或產出作品。對于后人來講，不斷地總結前人的方法論，理解繪畫構建原理、掌握繪畫技巧，在追求視覺呈現的同時優化創作理念，藝術視覺才有望能達到新的高度。

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