離乎科技之形，聚于自然之本

嚴諾渲

2022年11月11日晚，俞湘君鋼琴超媒體音樂會《彼岸4.0—聆聽生命的風景》在YOUNG劇場上演。音樂會導演、視覺藝術家達彥，鋼琴家俞湘君，上海音樂學院音樂工程系副教授秦毅、房大磊，青年作曲家徐志博、邵青，以及跨界藝術家賴薩吉攜手合作，共同打造一場超媒體交互視聽盛宴。

已經推出了3個系列的《彼岸》，其前身為“新月當空—鋼琴情景音樂會”，由于后續策劃的主題與“尋求人性之光與理想的‘彼岸”（這一“二戰”后人們的心理變化路徑與音樂發展境況）十分契合，故“彼岸”一名呼之欲出。不同于傳統的鋼琴音樂會，《彼岸》系列音樂會一直秉承“先鋒、超媒體”的核心理念，主要通過計算機交互技術將音樂與影像、燈光結合，力圖深挖音樂多方位闡釋和藝術再創造的可能。

在《彼岸1.0》中，現場舞蹈演員與鋼琴家在場上肢體互動，音樂演奏的舞臺表演性質凸顯，使人眼前一亮；到《彼岸2.0》時，主創團隊將目光聚焦至新媒體元素，以動作捕捉、交互式動畫、遠程操控等技術，讓觀眾在虛擬與現實中穿梭；《彼岸3.0》除了沿用先前的多重表現元素，還專門設置了聲畫同步裝置，將十二平均律與十二色光譜相結合，讓聽眾“看見”音符流動的同時“聽見”斑斕色彩，同時也突出對聽力障礙兒童的社會關懷。而這一次，升級再創作的《彼岸4.0》回望自然，將生態元素融入中西方現代音樂中，城市里的自然之聲不再是簡單的環境白噪音，而是滋養現代人內心的療愈力量。

本次《彼岸4.0》的演出地—YOUNG劇場，是由原先的楊浦大劇院改造而成，數十年歲月積淀的濱江老建筑就此擁抱當代潮流藝術，改造后實際布局也更偏向于傳統音樂廳，彌漫著獨特的歷史人文氣息。而《彼岸4.0》也是YOUNG劇場落成后的首場音樂會，對這座劇場新陳交融的藝術風格奠定有重要意義。

舞臺中央，一架三角鋼琴佇立，伴隨著其身后的數字大屏通電亮起，帶來眼耳感官的交相輝映。演出曲目跨度不小，包括挪威作曲家格里格，法國作曲家梅西安，美國作曲家約翰·凱奇、喬治·克拉姆，中國作曲家高為杰、秦毅等人的多部作品，不論是在地域、風格，還是在創作年代上，都使音樂會呈現出多樣化的文化氣韻。

音樂會一開始，格里格的《挪威民歌》奏響，整體基調清新純凈，又摻雜著浪漫主義的幾分悵然，舞曲跳脫靈動，十分入耳。記錄山川水天之景的影像時而清晰，時而又呈現出抽象的處理—長曝光造就了紅樹林間色塊和光斑的纏繞交織，影像交疊出滴水與藍天共在的情景，獨特拍攝視角使人進入小動物的生存王國……人的意識便在這抽象與具象之間浮動。而音樂影像志導演程俏俏認為：這一部分的畫面雖美，但影像和音樂之間的交互性還有待加強。

徐志博的《逝》充滿生命的意象，用音符鉤沉自然生命體驗，從傾瀉而出的音流中尋找水流、霧氣甚至是分子永不停息的運動軌跡。鋼琴家精于手指上的力度控制，每一個音都十分飽滿，即使是在快速跑動的樂段中，這種珍珠般的顆粒質感又顯得連貫而圓融，延音恰好將每個音符的飽滿凸顯出來，彼此之間絲毫不會相互妨礙。這樣的處理讓每一個音符都仿佛煥發出晶瑩剔透的光澤，卻又不甚刺眼地融合成一叢一簇，將人溫暖地包裹起來。而音樂的變化便在這種無窮的絢爛中進行，最終消逝在回聲與共鳴中。

作曲家高為杰的作品《秋野》從描繪秋日的蕭瑟景象出發，進入到對人生的悲懷抒情之中。該作品一頭一尾都是“秋”主題，其中共有三個部分：第一部分以“地”為主題，雷鳴肆虐，凡間的喧鬧混亂在這聲聲響雷中愈演愈烈；第二部分則是“人”，鋼琴家用綢緞般細膩的觸鍵，溫柔地歌頌寧靜純潔的人性；而最后的“天”，則是用鋼琴表現了雨從天而降，先是絲絲沁入，最后酣暢淋漓，彌合了地的艱澀與人的柔軟。《秋野》是一部現代無調性音樂作品，但結合了中國民樂元素，作品聽似對景情的描繪，實則表達了天、地、人合一的生命體悟。

音樂會進入到高潮，全場最令人期待的無疑是作曲家秦毅的《meta鳥歌》，本場為世界首演。全曲由真實的鳥鳴聲開始，再由和它具有精確的數據映射關系的鋼琴聲相互重疊，在不知不覺中悄然過渡成機器算法合成的“人工”鳥鳴。配上屏幕上色彩的點染渲染，音樂像一團迷霧順著呼吸經歷時光的穿梭—對于其中的視聽元素設計過程，AI影像設計者達彥如此解釋道：音樂通過營造虛無縹緲的氛圍向大的低頻過渡，呈現出時間倒退、從未來回到遠古的感覺；色彩基調是從艷麗到黑白系，而AI將把古代水墨畫的文字變成影像，好似天書，似是而非。整部作品不管是自然之鳥、器樂之鳥還是AI之鳥，都飽含著呼吸吐納，在聲聲鳥鳴中，音樂廳幻化成巨大的吐息之場，體現出作者秦毅老師內心對自然的追求。

值得一提的是，整場音樂會并非完全依附于多媒體的藝術表達，除視聽結合之外，音樂會中的《逝》《秋野》《4'33"》《大宇宙》《金烏扶桑》等當代音樂作品都采用傳統的純鋼琴演奏模式。個人認為這種編排邏輯是十分恰當合理的，先用較為簡單明了的藝術表達打開聽眾的想象天地，再立足于意境將現代音樂進一步結合到這種藝術表達中，從而由淺至深地擴充了“自然”的意涵，既滿足了聽眾對音樂療愈的期待，又使得歷來遠離大眾的先鋒音樂能夠較大程度地為人所理解接受。現代音樂應將聽眾的感性需求作為創作的切入點，用感性叩開雙方溝通的大門，對于藝術家和聽眾來說，這將是一個雙贏的過程。

作曲家邵青作品《金烏扶桑》的靈感來源于《山海經》中神鳥金烏的神話，這是當代與古代二重映像、今人與先人跨越時空的一場靈魂對話。全曲對預置鋼琴有大量的運用，還伴有鋼琴家彈撥鋼琴弦的獨特奏法，極盡鋼琴樂器本身的功能，在音色上形成了獨特的音響意象，鋼琴自成一座蒙太奇式的小劇場，一幅遠古畫卷徐徐展開，神秘又萬般詭譎：巫師步履搖晃帶動身上的銅器沙沙作響，傳說中的金烏啼叫不休，群鳥的爭吵不絕于耳—鋼琴主題旋律摻雜著各種金屬的撞擊聲，最后爆裂沉重的極低音讓人不禁感覺是置身于宇宙洪荒當中。

在音樂會的最后，鋼琴家又以格里格的鋼琴作品《心境》呼應了開頭清新質樸的音樂氛圍，在佳境中回望原初的美好。

整場音樂會下來，我們看到了“自然”這一概念的包羅萬象，而此中萬千變化是由科技手段將視覺與音響敘事融合所帶來的。一種平靜、深沉而淳樸的本質，隨著人類生活方式的迭代，有著更為多元的表達，但我們對于自然的渴求始終不變。面對現實充滿不確定因素刺激騷動的生活，焦躁與不安使得我們對自然的滋養甘之若飴。而在音樂中，我們能夠彌補自身缺失的那部分本質，尋找到屬于我們的伊甸園—在那里，時間被無盡地延長，心靈可以得到放松，我們卸下重負，走向自我，遨游在廣袤的想象天地中。讓人在大地上詩意地棲居，這，也是藝術存在的終極要義。