淺析萊茵赫德《即興曲》Op.28 No.3的藝術特色

杜曼笛 姜 薇

一、創作背景

萊茵赫德(Hugo Reinhold)1854年出生于當時的音樂中心奧地利維也納，是一位多產的作曲家，創作領域包含聲樂、鋼琴、室內樂、管弦樂等，他和他的老師安東·布魯克納都是維也納浪漫主義晚期杰出的作曲家、演奏家、音樂教育家，他們一生致力于鋼琴教學工作，尤其是晚期，幾乎停滯了自己鐘愛的作曲事業全心從事教學工作，在維也納音樂學院的25年時間培養出數位知名作曲家。萊茵赫德也繼承了布魯克納優秀的作曲技法。不同的是萊茵赫德更擅長聲樂領域的作曲創作，他的大型聲樂作品大概有11部，占他作品總數的四分之一，可以看出他對聲樂領域的偏愛，這也就不難解釋為什么他的鋼琴作品旋律特點突出且富有歌唱性。

這首《即興曲》于1881年創作，這一年他的作品發展達到了頂峰，19世紀歐洲的思想文化與藝術風格受政治領域影響頗深，人們開始追求相信自己、崇尚個人的思想與情感，這種情感在藝術家的作品中更是顯而易見。此時的浪漫主義音樂正朝著多元化方向發展，20世紀近代音樂已經初露苗頭，相較于同時期的其他作曲家，他的創作風格則呈現出了濃濃的“復古”風。萊茵赫德的《即興曲》Op.28共有三個樂章，其中的第三首No.3也就是我們所研究的這個樂章，因為其旋律極其富有歌唱性、風格活潑、富有表現力所以廣泛流傳。

二、作品分析

萊茵赫德的《即興曲》Op.28 No.3是升c小調復三部曲式，4/4拍，盡可能快的急板“Presto possible”由呈示部(1—52小節)、展開部(53—90小節)和再現部(91—151小節)構成。

(一)呈示部(1—52小節)

前兩小節以強起的十六分音符逐步加速為引子，營造出緊張的情緒增加了不穩定性，預示著第三小節開始的主旋律，為該曲奠定了明麗的基調。隨后漸弱開門見山地迎來全曲的主旋律，左手主要有分解和弦和半分解和弦配合旋律走向。11—37小節節奏型豐富，和弦織體發生改變，樂句對仗工整，情緒上也是此起彼伏對主題旋律進行著隱隱的暗示。23—36小節采用了聲部交替式的線狀織體，如同兩個人在對話，隨后37小節開始對主題進行了“同頭換尾”式的反復，47—52小節旋律轉移到左手和弦，結尾時和弦走向為Ⅰ—Ⅵ—Ⅳ-Ⅴ然后解決到屬七和弦，好似交談的雙方達成了共識。

(二)展開部(53—90小節)

展開部的情緒與前面呈示部有著很大的懸殊，速度上進入到慢板部分以柔為美，調性色彩有了很強烈的對比由升c小調轉為降D大調。53小節為引子，54小節右手的旋律線條開始出現，從單音到雙音再到三和弦、七和弦。旋律感愈來愈突出，這一部分順應前面部分在旋律上的延伸，運用了大量八分音符，雖然節奏型有所改變，但情緒是在前面部分的基礎上繼續發展。70小節開始時是全曲最高潮的部分，也是情感表達最為突出的地方，句子之間的力度記號也是從弱到強，從平靜到激動，層層遞進也越來越有歌唱的感覺。84—90小節音樂有意識地漸弱和變慢，營造出一種空靈的音樂效果，為接下來的再現做準備，有承上啟下的作用。雖然有很多浪漫主義時期的作曲家仍然沿用古典主義時期奏鳴曲、交響曲的作曲體裁模式，但這抵擋不住他們自然而然的情感流露。浪漫主義時期的作曲家作曲關鍵一點在于他們喜歡在旋律上注重個人主觀感受的抒發，使抒情性大大增強，來增強樂句結構的伸縮性。作曲家通過擴充樂句來達到擴容情感內容的目的，樂曲內部的段落結構也靈活多變，對傳統曲式的增減取舍、混合運用，這種情況亦是屢見不鮮。

(三)再現部(91—151小節)

91—141小節從音樂素材的角度來看，這部分為呈示部的再現，調性也回到了升c小調。142小節開始可以說是對主題進行了低三度的模進，一改展開部平緩的音樂狀態呈現出活潑詼諧的樂感，強弱對比明顯，十分朝氣蓬勃。作曲家用這種方式強化聽眾對主題的印象讓人流連忘返。左手的伴奏結構從分解和弦變為柱式和弦，為音樂的強烈結尾開辟了道路。從調性來看跟呈示部幾乎沒有太大對比，但情緒上的對比度還是比較明顯的，這一部分幾乎有四分之三的力度為f，情感表現十分堅定。如在浪漫主義時期大多數作曲家通常會在慢板前加入諧謔曲來增加樂曲故事性，它們大多調性感模糊且變換頻繁單樂章的獨立性更強，這就使速度變化無法跟得上調性的變化。這部作品在調性安排上強調進關系性，而速度的變化也隨調性的變化而轉變。

三、演奏分析

演奏者即是音樂的傳播者，為了達到這首作品的可聽性，我們需要對這首作品的演奏技巧進行挖掘，這部作品的速度標記為“比較急的快板”，就注定了演奏者一開始就要拿出飽滿的熱情來演奏，演奏技術與作品情感表達有著最密切的關聯，是體現作品情感的重要途徑之一，這就要求演奏者在練習時要廣泛進行技巧訓練。

(一)呈示部(1—52小節)

引子部分的雙手交替顫音是漸快的，彈奏時可以想象“琴鍵很燙”的感覺，盡量保持彈奏時觸鍵均勻、統一。主題部分大多是右手十六分音符跑動，密集的和聲分解型和音階流動應有顆粒感，音樂沉浸在細致激昂的表情之中。但難點在左手的分解和弦的跳音彈奏，因為他的走向是由低到高，但指法卻是需要5指向大拇指去帶動，左手可以單獨練習指尖帶動手腕的一個轉動動作，三個手指關節都要發揮出高度的靈敏度和熱情，確保每一個音符都是滿滿的顆粒感。右手為主旋律，大量的十六分音符斷奏不僅要彈奏出旋律線條，還要在快速的跳奏中清晰地彈奏每一個音。確保演奏時不會出現生硬觸鍵的同時也要注意跳音的彈性。11—22小節為十六分音符和八分音符雙手交替的琶音和和弦，每個樂句要在保證時值清晰的情況下推動情緒，運用腰部力量推動手臂用力同時點踩踏板推出氣勢。23—36小節在節奏型與力度上與前面12個小節形成強烈的對比，情緒上自然而然也需要做出差別，演奏這部分時踏板不需要完全的踩到底，根據左手旋律的需要，可以將踏板踩下一半，會產生一種相對柔和的音色，但是注意換踏板時一定要徹底換干凈，否則會出現混淆、不清晰的聲音效果。47小節開始，和弦終止華麗又輝煌，靈動又俏皮的尾聲。

(二)展開部(53—90小節)

整個展開部就如同一部圓舞曲，彈奏時腦海里要有畫面感去帶動身體感官，步調有進有退，由于聲部增多難點在于和聲效果，速度可以按照行板的速度來彈，彈奏時注意各個聲部之間音色和力度上的對比，右手和弦的最高音是主旋律，要保持旋律聲部流暢細膩進行，身體氣息要廣闊，巧妙運用手腕力量，同時要富有表現力如同歌唱一般。這部分應該單獨練習旋律單音找感覺，可以參考《哈農》第51條和53條，練習時手腕盡量放松、放平，在緊湊的八度快速演奏中做到完全放松是很難的，所以我們不需要給自己找麻煩，剛開始我們要有意識地去提醒自己放松下來。彈音的手指應有力而不僵硬，這里要說的是右手五指，可以單獨拿出來加以練習，不用的手指稍微保持半圓形。最初開始練習時切記不要急功近利。先練習前三行相同音型的八度，速度力度都上去了再往后面增加練習。在彈奏53條八度音階時可以先斷奏練習保持手腕靈活不僵硬、有彈性。連奏時，每個音符的時值都要均勻分布，先保持時值平均再慢慢加速，彈奏時，可以想象鋼琴會唱歌，這樣做有利于音色的連貫。75小節開始增加了中間聲部，出現在中間部分的弱奏旋律都是富有歌唱性的旋律，這就表示他的弱不同于以往作品中空靈制造氛圍的弱奏，它是富有一定旋律任務的弱奏，這就要求我們區分聲部給每個聲部賦予不同力度，要區分出層次感，提前設計好它們之間的力度區分，如：高聲部旋律f，中聲部旋律mf。層次變化幅度與手指力度相互配合，練習時分聲部單獨練習，就像在合唱中指揮與合唱者相互呼應，使聲音分明。80—85小節旋律線條拉長，彈奏時手臂的重量要下沉，音色要渾厚。

(三)再現部(91—151小節)

再現部在呈示部的基礎上進行了延伸。主題旋律沒有變化，但速度、情緒有所變化，筆者認為這里相較于呈示部可以稍作弱性處理，與呈式部不同的音色可以彈得更加柔美、細膩，練習方式參照呈示部。142小節開始是急板速度上要明顯做出區分，這部分音區變化稍大，再加上速度快，所以手要迅速找準位置，以和弦的強收來強調結束感，相比之下這里的戲劇感更強，線條也更優美。練習時要保持手指力量均勻，指尖接觸琴鍵時不應太用力，不要一下子就加速，以免演奏時出現“剎不住車”的情況，應該循序漸進先慢練，再逐步加速練習。結尾的強和弦，作曲家想要制造出管弦樂隊的音響效果，彈奏這些強烈的和弦在演奏中算是比較容易的部分，但要將每個和弦的力度都進行區分，就要進行單獨的訓練了，最后幾個和弦可以加上踏板，以便發揮出輝煌的音色。

四、藝術特色

綜上所述，萊茵赫德的這首作品之所以有這么高的成就，其一，是因為他善于利用自己豐富的想象力來創造歌曲的歌唱性藝術，將聲樂作品器樂化，他本人極其善用“歌唱性思維”[1]，同時，這也是鋼琴演奏中的重要課題。這個方法在鋼琴作品創作中運用得好則能夠使主題更加豐富多彩同時增加作品的傳唱性，擴寬作品的受眾群引起大眾思想上的共鳴。很多人認為傳唱度廣的多為沒有藝術價值的“口水歌”，但結合古今宏觀來說，即使是全民傳唱的“神曲”也可以是口碑爆棚的經典之作，對演奏者也有著極高的要求。反之，機械化的創作就如同為了讓大眾記住我的作品而作曲。其二，是因為交響性元素的加入，不難看出這首樂曲所運用了大量顫音和琶音這種模仿其他樂器的動機，這種緊湊的節奏型是古典主義音樂的重要元素，加入交響性元素使音樂具有了流動性，每一層音響之間都在作相對獨立的運動在各自的層面負擔著不同的角色。和弦的運用使音樂在情緒風格上呈現出濃厚的浪漫主義情感，為浪漫主義晚期乃至近現代鋼琴作品“樂隊化”奠定了基礎。除此之外，作曲家采用大量大小調交替的手法，在自然體系和聲中巧妙運用半音和聲，從而表達強烈的感情沖突，充分挖掘了德奧樂派的藝術風采，同時也繼承了舒伯特、貝多芬等老一輩作曲家的創作風格。

五、情感把握

音樂是美妙的、神奇的，好的音樂可以喚醒人們對美好事物的回憶，能給予人力量，也能使人放松心情。正確的理解、分析、把握作品情感的表達是演奏好一部作品的基礎，首先要了解作者，并進一步了解作品的創作背景和其中的難點重點。也只有這樣才能比較準確的洞悉作曲家的意圖，比較容易且有自己思想地完成這首作品。奧地利一位指揮家赫伯特·馮·卡拉揚[2]曾在演出時這樣演講到：“諸如貝多芬、莫扎特這樣的作曲家寫作并不是書寫自己的生活，尤其是莫扎特他的作品所表達的內容幾乎與他的作品毫無關聯，貝多芬所抒發的更多的是宏偉的壯觀的理想生活。”作曲家所處時代不同，審美觀念、思想也會有所差異，他們的作品都或多或少傳達著當時社會的審美需求。而即興曲作為浪漫主義時期的產物，主要作用就是抒發情感，作曲家將自己的情感與藝術相結合，我們從萊茵赫德的標題性作品中可以明確地感受到他個人情感的流露。

這首樂曲用了比較急的快板，整體風格是活潑的。整首樂曲規模較大，感情層層遞進，情緒逐漸高漲，演唱者需注意這首歌曲在不同段落處情感的轉變。

主題部分給人的感覺是積極向上的，作曲家成功地創造了一個十分鮮明的音樂形象，速度為快速至急速，旋律優美，并集中在右手上，開始音樂旋律向上發展，從開始的ff到pp同樣的旋律在不同音區形成了鮮明的對比，連續的力度變化，是即興曲最突出的特點，往往也是我們尋找作曲家情感變化的突破口，這里的情感奮勇且具有歌唱性。呈示部與展開部銜接處左右手交替鳴奏，像是由思慮變為對美好理想的強烈憧憬，活躍的節奏使原有的莊重氣氛逐漸明亮，變得更加富有親和力，隨之調性也逐漸明朗。

在展開部長音處，音樂旋律很安靜，回味無窮，讓人沉寂其中左右手好像兩個人在跳華爾茲你一步我一步相互呼應，為原本火急火燎的音樂意境增添了夢幻感。這段音樂甜美抒情，具有夢幻般的詩意，又略帶世俗般的傷感，與呈示部形成鮮明的對比。在顫音處，烘托渲染氣氛好似黎明前的黑暗，旋律激烈且具有無限遐想的空間充滿不穩定性。緊接著高潮部分旋律銜接緊湊情緒呈現遞進式的慷慨激昂。

再現部的最后段落將樂曲的情感進行了二次升華，音樂延續重復呈示部涌動的旋律，情緒先逐漸削弱然后再緩緩升起。此時，演奏者所有的激情應該在這一部分釋放，最后在和弦fff的力度下強結束是作曲家倔強不服輸的精神體現。

結 語

隨著科技的進步，一些鋼琴家選擇對一些鮮少有人聽過的作品進行錄音，這才使得越來越多的小眾作品也逐漸進入大眾視野，豐富了大家的曲庫，隨著受眾越來越廣，也慢慢成為大家口中的經典之作。萊茵赫德的這首作品從作曲技法上看，在浪漫主義晚期算是相當保守的一部作品，他繼承了浪漫主義即興曲作品的作曲技法、創作思維、情懷，但從旋律動機上看，又有20世紀“寫實”感覺在里面，具有極高的藝術價值，旋律優美抒情且起伏大，樂曲內容豐富飽滿，雖然篇幅不算長，曲式規整，沒有特別突出的大起大落。相比較，這首作品雖沒有貝多芬紀念英雄時的陽剛，也沒有德彪西如畫般的縹緲，但聽完后旋律縈繞心頭，讓人不自覺想哼唱起來。

注釋:

[1]朱笑辰.鋼琴演奏中的歌唱性思維與方法探討[J].藝術評鑒,2021(05):45—47.

[2]赫伯特·馮·卡拉揚，(1908—1989)奧地利著名指揮家、鍵盤樂器演奏家。