音樂素養在高校影視專業人才培養中的意義與思考

[摘 要]

影視專業學習中，很少會涉及音樂素養的培養。但在學生進行創作實踐的過程中，會發現他們在實際操作中，無論是前期拍攝，還是后期剪輯，沒有節奏的意識，很難體會鏡頭語言的節奏感。這種能力的缺失，使得他們所呈現出來的節目不夠流暢、氣息混亂、缺少藝術感染力。影視專業學生音樂素養的培養不同于音樂專業的要求，具備其特殊性。本文將從影視專業自身特點出發，探討如何有效實現影視專業音樂素養的培養，得以引發大家的思考。

[關鍵詞]音樂素養;節奏;古典音樂

[中圖分類號]J639 [文獻標識碼]A [文章編號]1007-2233（2020）09-0018-03

綜觀各高校影視專業課程設置，很多院校安排了《藝術導論》這門課程的學習，旨在讓學生對藝術種類及特性有相對完整概括的認知，繼而產生興趣，有意識接觸不同藝術形式，努力提高個人素養。影視專業借助視聽語言講述故事、表達情感、傳遞思想，無論前期拍攝，抑或后期制作，除基本技法的使用，均會涉及對節奏的有效掌控。對高校影視專業的學生而言，既要讓他們養成從視覺類作品中獲取營養的習慣，還要特別注重音樂素養的培養。此言從何談起？

音樂被定義為有組織地通過時間來運動的聲音。節奏、旋律與和聲是音樂的建筑材料，它們的組織形式將影響到每一部作品的色彩、結構和形式。音樂的時間過程即為節奏，五線譜橫軸上用從左到右的音符來表示。從最廣泛的意義而言，節奏是音樂中時間的組織，節奏將時間劃分為長、短段，并由此形成旋律的音高。節奏一詞不僅局限于音樂中的使用，即便在日常生活中我們也常說，節奏太快或太慢。建筑、詩歌、雕塑、影視等各藝術類別中均會不同程度地與節奏產生關聯。

一、節奏在影視創作中的作用

影視創作無論是以假定為前提的故事片、電視劇，還是以真實客觀為基礎的紀實類作品，都存在前期拍攝，后期制作，存在畫面與音樂之間的有效配合。

（一）前期拍攝過程中

鏡頭的運動分為鏡頭內部運動和鏡頭外部運動。鏡頭外部運動的推、拉、搖、移、跟、甩，這些最基本的拍攝手法，都存在對節奏的把握。起幅——中間運動——落幅，何處為起幅，中間運動速度如何，落幅在哪一位置，看似十幾秒的鏡頭，拍攝過程中的節奏決定此鏡頭的成功與否。它與所拍攝題材、內容相關，也與后期剪輯過程的使用有關。我們以紀錄片為例，一個是歷史類題材，事關家國命運，另一題材為表現現代化大都市，人潮涌動，同樣是搖鏡頭，其節奏完全不同。前者平穩舒緩，像一位長者在講述已逝時光里的往事;后者，則要求節奏明快，動感強，釋放出十足的速度與激情。再比如，軍事類題材中的特種兵，與同為軍事題材的科研人員，其鏡頭語言的節奏也有所不同。一個需要借助力度與速度塑造人物，一個需要在安靜的實驗室中，通過各種實驗過程完成對人物的塑造。

作為攝影師，如果不能體會不同題材在節奏上的差異，便無法準確把握拍攝過程中鏡頭運動的速度，會導致所拍攝鏡頭難以滿足影片的需要。

（二）后期剪輯中

每個鏡頭時長多少，何時切換，后期剪輯人員要有非常精準的節奏感。有時，一個鏡頭的長度，相差一秒或十幾幀，效果完全不同，或讓觀眾覺得太過急促，或產生拖沓感。這種節奏感的把握非常微妙，借此可區分后期創作者的能力高下。

我們以獲得奧斯卡金像獎的影片《綠皮書》為例，當主人公托尼與薛利博士從美國南部往紐約趕的途中，家中人們在準備圣誕，兩段內容平行進行，節奏卻有所不同。家中準備圣誕晚宴，鏡頭數目、剪輯節奏要快于路途中的片段，凸顯出節日里人們心中的快樂情緒，與正在回來的途中，下著雪，路途遙遠的主人公的狀態形成對比。再比如，載人航天中，問題的排查與即將發射，其剪輯節奏亦是不同，前者重點在如何解決問題，困難是什么，相對緩慢的節奏體現人物內心的焦慮;發射時，則要通過鏡頭的快速切換，讓觀眾如身臨發射現場，感受到極其緊張的情緒。

（三）音樂與畫面的配合

音樂是影片無法缺少的組成，選擇怎樣的音樂，何時以何種形式出現，如何做到與畫面相得益彰的配合？這些都會考驗到導演及后期制作人員的節奏感。適合的音樂對影片觀賞性的提升、情緒的渲染、人物心理的外化等均有著無法替代的價值。

我們仍以《綠皮書》為例，白人托尼對黑人音樂家薛利博士的稱呼由黑鬼到天才的轉變，就是因為他感知到了博士彈奏出的音樂的魅力，他雖然沒有接受過很好的教育，但他能夠感受到音樂中傳達出的情感，并被其感染和觸動。這一點也成為兩位看似完全不可能成為朋友，不可能彼此接受相互影響和改變的基礎。所以，這段音樂的選擇尤為關鍵和重要。要在相對短暫的時間內，既要讓托尼感知到，也要讓銀幕前的觀眾與托尼產生共情。

《綠皮書》中為了表現薛利博士內心的孤獨，他獨自一人在陽臺喝酒時，用了一段音樂，既與現場情景吻合，又可以將托尼看到這一幕時的心理活動外現。人物心理的節奏與畫面的節奏非常貼切。

綜上所述，我們了解到，節奏存在于影視創作的每一個環節，對節奏的準確把握，取決于創作者的音樂素養。在影視專業培養中，要特別強調學生對音樂的熱愛與學習。

二、學生音樂素養的培養

（一）了解音樂基礎知識

音樂是門獨立的學科，作為影視專業的學生，為了提高自身音樂素養，需要學習音樂的基礎知識。如樂譜、節拍、速度、旋律、音高、調性等相關音樂術語及其含義。唯有熟悉這些術語，才能更好地理解音樂。同時需要了解音樂發展變化的歷史。

音樂基礎知識及音樂史的學習，有助于自身素養的提高，也有利于行業人員之間的溝通。有個例子可以借用一下。中央歌劇院每年都會邀請國內知名導演參與歌劇的排練，期望通過這種合作，在保證音樂呈現的同時，能讓劇情緊湊，人物豐滿。比較不如人意的環節是，這些導演多數不懂五線譜，雖然他們都有很好的導演才華，卻受限于音樂基礎知識的缺乏，與演員、樂隊溝通時產生諸多障礙。記得當年曾聽一位攝影師頗為感慨地講過，他去拍攝一場國外交響樂團在北京的演出，現場國外拍攝團隊，攝影師人手一份演出的音樂總譜，他們非常清楚地知道音樂的行進過程，鏡頭運動的節奏切合音樂自身的節奏變化而變化。

（二）學會欣賞古典音樂

古典音樂是西方音樂的精華，它既代表西方的“嚴肅”音樂或“藝術”音樂，也可以把一個特定歷史時期的音樂稱為“古典主義”音樂，即海頓、莫扎特寫出偉大作品和貝多芬寫出早期杰作的時期。這些藝術家創作的音樂被認為比例均衡，形式準確，是完美音樂的標準。古典音樂被認為具備持續的審美價值。

欣賞古典音樂是一種需要后天練習獲得的能力，通過學習古典音樂，可以幫助學生了解何為節拍，節奏是什么，什么是旋律，和聲是如何變化的，為何要有變化？欣賞音樂的過程，可以讓學生了解自己的內心，開掘被屏蔽的感受，在音樂中體會它所表達的，人類共有的焦慮、緊張，或安寧等內心的變化。

古典音樂的作用不僅僅有利于培養學生的節奏感，很多經典影片中都有古典音樂的蹤影。如斯坦利·庫布里克《2001年太空漫游》中使用了理查·施特勞斯的《查拉圖斯特拉如是說》作為配樂，至今廣為流傳，《肖申克的救贖》中歌劇《費加羅的婚禮》的片段，讓身陷牢獄中的人們享受了片刻心靈的自由與美好。弗朗西斯·福特·科波拉的《現代啟示錄》中，美軍空軍指揮官基戈爾上校指揮機群對越南一區域進行轟炸，極為壯觀龐大的機隊，伴隨著德國作曲家理查德·瓦格納的歌劇《女武神》的音樂，視覺和聽覺震撼感極強。那一瞬間，不知是感慨美軍的強大，還是他們的傲慢，或者是他們把殺戮視作游戲的無知無畏……

《費城故事》一片中，湯姆·漢克斯扮演的白人律師，一位頂級律師事務所的頂級律師，因患有艾滋病，被老板設計，導致被辭退。丹澤爾·華盛頓扮演的黑人律師，廣

告出現在地鐵中，每天的工作就是為低收入人群爭取他們被侵犯的權益。兩位看似不可能交集的人生，因湯姆·漢克斯的這場變故相遇。第二天就要開庭，做最后的辯護，決定是否會勝訴。但白人律師卻在此時，請黑人律師與他一同欣賞一段歌劇，他最喜歡的瑪麗亞·卡拉斯演唱的歌劇——《安德里亞·賽尼亞》的片段。他問丹澤爾·華盛頓，你聽到她聲音中的心痛了嗎？“我把痛苦帶給愛我的人，在痛苦中愛來到我心中，活下去，我是生命，我是愛……”這段歌劇在影片中的作用至關重要，它既是白人律師的心聲，也是他想在這樣重要時刻對黑人律師說的話。起初不為所動的丹澤爾·華盛頓，隨著音樂的變化，開始感受到湯姆·漢克斯的內心，他開始明白眼前的這個人。此時，這件官司已非尋常的官司，它關乎一個人的尊嚴，關乎正義，關乎生命。

無法想象，一位對古典音樂完全不了解的導演，能創作出這些經典片段，能將音樂與畫面如此完美結合，令其繞梁三日不絕于耳。

人們總是認為古典音樂距離自己比較遙遠，障礙在于我們對它缺少了解，也許它與我們的靈魂最為接近。

華語影壇，王家衛和姜文的音樂素養是公認的。他們二者影片中的音樂總能令人印象深刻，他們都是古典音樂的癡迷者。姜文曾發給日本作曲家梅林茂莫扎特的音樂，告訴他，我就要這樣的音樂。他們的音樂素養最終體現在影片中，體現在他們對音樂的選擇、影片的敘事節奏、人物心理的發展脈絡等諸多因素的掌控中。

（三）廣泛接觸不同音樂類型

作為影視專業未來的從業者，所接觸的題材會不盡相同，不同音樂類型的學習，有助于了解地域文化、當地風俗，有助于影片內容的表現。

一段高亢激昂的吼秦腔，立馬將人們帶到一望無際的黃土高原，油潑的辣子，扯不斷的面。幽怨婉轉的越劇，則讓人們想起蘇州的園林，揚州的橋。爵士樂響起，則是另一番景象。音樂有著很強的識別性，民族性。唯有對各種音樂類型了然于胸，方能得心應手。

就像很多服裝設計師會從民族服飾中尋找靈感一樣，很多作曲家也會從民族音樂中挖掘素材。日本作曲家坂本龍一，擔任電影《末代皇帝》作曲時，搜集了很多中國民間音樂，巧妙地將他對影片的理解，與中國音樂的元素相結合，西洋交響樂與中國的二胡、古箏、琵琶相結合，創作出了獲得第60屆奧斯卡最佳原創音樂的電影配樂。

《臥虎藏龍》的作曲譚盾，亦如此。在影片中將中國民間音樂素材與西洋音樂結合。大提琴、笛子、二胡、鼓，尤其是大提琴與二胡，在李慕白即將離世的時刻，似李慕白與俞秀蓮的對話，似他們彼此的心理外現，非常完美地將影片人物的心理與情緒延伸到畫外，延伸到觀眾心中。

三、存在的問題與思考

問題的根源多是觀念所致。影視專業人才培養方案中，音樂素養方面是被忽略的。大學四年的課程安排中，除《藝術導論》一課中會接觸到一點與音樂相關的知識再無任何與音樂相關的學習。

學生幾乎沒有進音樂廳、進劇院的經歷。他們了解最多的就是流行音樂，對交響樂、歌劇、音樂劇、戲曲知之甚少，那些前人留下的寶貴財富與他們之間毫無關聯。

藝術是個人在對審美對象的欣賞中達到美感的最高度，這種美感高度是人在此刻的內在體驗，把這種體驗外化而成為一種固定的形式，就是藝術。藝術的創作是個人化感受的外化，那種體驗非常微妙，要做到恰如其分，需要有著良好而精準的音樂素養。

音樂素養的缺失，致使學生在創作過程中，很難意識到節奏感的存在，無論是前期拍攝、后期制作，包括如何選擇音樂，與主題之間的關系，等等。

它不是故事如何架構，矛盾沖突是否符合人物心理動機等內容，可以言傳身教，為何選用此音樂，為何在此處推出高潮，何時音樂應該進入，這些環節，很多時候只可意會，無法言傳，它與個人的音樂素養直接相關。就像我無法告訴你蘋果的味道，只有親自品嘗后才能明白一樣，藝術創作具有獨特性、唯一性，它不是機械化的流水線作業，唯有通過提高個人素養，才能感知到那些心靈與心靈之間的交流與溝通。

結 論

影視專業學生音樂素養的培養，重在意識的建立，以及相關課程的設置，具有其特殊性。與音樂專業學生的“專”相比，它更需要“廣”，突出引導性。這種素養非一時一日之功，興趣的激發顯得尤為突出。唯有讓他們內心產生這樣的需求感，感受到音樂獨特的魅力，才能實現所期待的音樂素養的培養。

（責任編輯：劉露心）