室內樂演奏技術的教學探討

【摘要】本研究主要是探討室內樂演奏技術上的問題并提供建議。因此，筆者將根據個人的演奏和教學經驗從學生演奏的關鍵點音準、節奏和平衡進行詳細闡述、分析，并提出個人的練習建議，希望能提供國內室內樂教學上的新思路和參考，促使室內樂在高校發揮更好的效益。

【關鍵詞】室內樂;演奏技術;教學

【中圖分類號】J616? ? ? ? ? ? ? ? ? ? ? ? ? ? ?【文獻標識碼】A

室內樂是音樂表演藝術中十分重要的一種形式，需要幾位演奏者共同合作演奏才能完整呈現。國際著名小提琴家海菲茲就曾說過“如果你有足夠好的技巧，你就可以演奏恩斯特和帕格尼尼，但是很少獨奏家能真正演奏好莫扎特和貝多芬的四重奏。”由此可見，室內樂作品在演奏上不僅是有一定難度的，也有其價值性。由于它的這種特殊性，一直以來很多演奏家們都致力于推廣室內樂，這數十年來也有越來越多的教育家們提倡將室內樂運用在學校教育中。

有鑒于此，筆者將個人演奏、教學經驗，從演奏技巧中的音準、節奏、平衡三方面進行分析，并提供個人的解決建議和參考，希望能提供研究者、教育者在課程上的實際教學參考，讓中國室內樂和室內樂教育得到更切實的運用和更好的發展。

一、音準

音準對器樂學習者而言是一個很基礎卻十分重要的影響因素，由于室內樂的精致性與團隊合作性，音準更是學生們在學習時最容易碰到、也最不易克服的問題之一。要解決這些問題，可以從個人平時培養和團體合作兩方面訓練著手。

在個人平時培養部分，聆聽和調音器是必不可少的。因此筆者會要求學生在平常的基礎練習時，不論是長音、音階或是琶音等練習，都必須非常仔細地聆聽自己所演奏出來的聲音，配合使用調音器，確認每個音都是在正確的音準位置上;樂曲練習時，必須使用調音器，注意樂曲中的每個音（尤其是長音）是否在正確的音準上，仔細聆聽自己所演奏出來的音樂，將容易出現問題的片段特別注明，適當調整氣息、嘴型及口腔位置（管樂）或是手指按弦位置（弦樂）并反復練習，運用這樣的方式來改善音準的問題。每天持續反復這些練習，一段時間后便可以發現自己對音準的控制度得到提高。

在團體合作的練習部分，除了排練一開始需對標準音A4校音以外，根據樂器的不同，對于容易偏差的音區也必須再次進行校對。例如管樂器的低音與高音區。藉由學生自主的校音，以及同儕彼此的相互提醒、調整，提升對音的敏感度。此外，也可以利用三和弦來訓練音感，在平常上課的校音之后，讓學生以長音的方式同時演奏出三和弦中的任一音，以木管三重奏為例，長笛演奏C音，單簧管演奏E音（實際音高），巴松管演奏G音，三位學生同時吹奏出C大調I級和弦，在演奏的過程中請學生仔細聆聽音響效果，指導老師適時給予引導與建議。若組合人數超過三人（例如弦樂四重奏、鋼琴五重奏、單簧管五重奏等），可以讓全部學生演奏不同音域的三和弦，或者有時候可以只選擇三位學生演奏，沒有演奏的學生幫忙聆聽給予建議，這樣的方式同樣也有助于學生在音準上的培養。

二、節奏

以合作的角度來看，室內樂對節奏的要求更是嚴謹，團隊必須對節奏認知一致，才能將樂曲完整演出，若有團員節奏掌握不夠精確，便會讓樂句的銜接、速度的變化、情感的協調等發生問題。

與音準練習相同，節奏訓練同樣也可從個人練習和團隊合作兩方面著手培養。在個人練習方面，首先引導學生平時多聆聽、接觸不同類型的樂曲，培養樂感;開始練習樂曲之初，則要求學生先放慢速度，等對樂曲的節奏型態了解透徹后再逐漸加快速度，這樣便能讓節奏穩定性較高。在演奏快板樂段時，由于演奏速度快，且有許多快速音群，學生更容易發生為了追求速度而忽略了節奏的準確問題，解決之道仍是放慢練習的速度，讓自己清楚知道節奏的律動感;筆者指導學生運用不同的節奏型態（例如將16分音符的音群改以附點的方式演奏）或變換重音位置等練習來加強身體和頭腦的節奏感。當個人掌握了樂曲的律動性以后，可以通過錄音的方式來讓自己確認所演奏片段的節奏是否正確。當然，在這些個人的練習過程中，節拍器是絕對不可少的。

團隊合作在節奏練習上也是十分重要的，剛開始排練時團員對彼此的音樂還不是很熟悉，可以借助節拍器來熟悉樂曲的節拍和彼此的節奏，必須強迫耳朵聆聽其他聲部的節奏感。在比較清楚各聲部之間的感覺之后，可以試著不用節拍器的方式來練習，藉由團員之間的互相聆聽，加深對節奏感的理解和熟悉。在課程中，筆者有時候也會運用“節奏分組”的方式來讓學生熟悉樂曲的節奏，以莫扎特的弦樂三重奏作品編號第563為例，當中有很多兩聲部演奏相同節奏型態的地方，因此在排練時，筆者會讓學生將這些相同節奏型態的部分單獨挑出，一起演奏這些樂句，聆聽彼此所演奏的音樂是否一致，若有差異則可運用前述的練習方式找到如何讓彼此節奏統一，這樣學生不僅會對音樂的律動更有概念，也可以學習彼此協調磨合，幫助團隊的統一性。

三、平衡

除了音準和節奏以外，“平衡”同樣也是室內樂排練時一個非常重要的環節。所謂的平衡指的是一個團隊在音樂上的一致性，包括了音色、音量和音樂性的平衡。

音色平衡的練習可以從“概念”和“理解”兩方面進行。以“概念”來說，首先必須讓學生熟悉其他團員的樂器，從樂器的發展、構造、音域等初步輪廓開始，一直到樂器的音色、樂曲等全面性的認識。有了基本概念以后，接著可以開始進行“理解”，或稱為“換位思考”的教學。排練時引導學生換位思考“以對方的樂器來演奏自己的聲部會是甚么感覺”，從而調整彼此的音色融合，要求學生注意樂句的呼吸須一致，讓團隊的群體合作感增強。這個練習方式對于不同樂器屬性的室內樂組合尤為實用，例如管樂、弦樂與鋼琴的三重奏組合形式。

音量平衡與否會讓演奏出來的音樂有“悅耳或不悅耳”“和諧或不和諧”兩種截然不同的效果。音量平衡與否除了受個人的演奏控制力影響外，樂器先天的個別差異也會造成室內樂演奏時的音量不平衡，因此在樂器搭配上，要考慮樂器之間的兼容性，例如小號和單簧管雖然同為管樂器，但在音量控制上單簧管極容易被小號所蓋過，這樣的組合搭配便很少被運用。

在個人控制方面，教師必須根據學生所呈現出來的音響效果進行調整，引導學生在平時排練時便要常反思“其他團員現在在演奏甚么旋律”“現在誰是主角”“是否該增加音量的大小”等問題，讓學生慢慢能自主調整音量的平衡。以木管三重奏（單簧管、雙簧管、巴松管）為例，巴松管的聲音較為低沉，也較容易被蓋過，因此主題部分若在巴松管，兩個樂器就必須注意音量大小，控制聲音的穿透性;長笛、小提琴和鋼琴的組合則因為樂器性質不同，小提琴的音量變化較容易控制，長笛的高音和低音區則因需要較多的氣息支撐，表現小聲會比較困難，這個時候便要讓學生聆聽彼此的音量銜接，重設大小聲的對比和幅度，平衡長笛和小提琴的音量。

音樂性的平衡關乎整個演出的完整、吸引和流暢程度。在這方面筆者有三個練習建議，找出主題、表達想法、互相傾聽。“找出主題”是學生在排練前就必須做的功課。藉由了解樂曲的行進方向并熟知主題發展的脈絡，團員間方能彼此配合，共同演奏出一首完整的樂曲。待團員對曲目有了初步認識后，適時引導學生“表達想法”，提出個人對曲子的看法，例如對于此曲的感受、覺得有甚么特殊的地方、音樂情感如何表現等。這些交流可以讓學生們了解彼此對樂曲的理解，也能讓教師更清楚知道如何引導學生的音樂思考、統整團隊表現的一致性。團員間的“互相傾聽”也是說明學生音樂性平衡的一個很好的訓練方法。這方面筆者提供的練習方式如下，讓學生找到樂曲中的共通主題并輪流演奏主題出現的這些片段，其后，引導學生對彼此所演奏出的音樂進行討論，找到彼此都滿意的表現方式。運用這種教學模式可以提升學生個人的欣賞和演奏水平，并培養其獨立思考的能力。

除了上述個別的練習方法外，藉由反復排練使團員更清楚彼此的音樂走向和表現特性，可以強化團隊的默契;搭配錄音的方式說明學生了解自己實際的演奏狀況，從而使學生對樂曲有更全面的掌握，并養成自主學習的習慣。

四、結語

室內樂在音樂表演形式中是一個很特殊的存在，音樂交流究宛如三五好友的聚會般，輕松自在、愉快和諧。要表現出這樣的氛圍，音準、節奏、平衡缺一不可，演奏者必須具備良好的演奏素質和能力，才能將室內樂作品完整的演繹出來。就是由于室內樂這種豐富的音樂表現藝術性和精致的審美價值，對于學生來說，更是訓練音樂能力極為重要的方式之一。

本文從演奏技術中的音準、節奏、平衡三方面進行深入探討，提出筆者個人的改進和加強建議，文中所提及的這些建議都是筆者在通過教學實踐和理論思考后，針對學生在室內樂演奏技術上的困難點提供的實際解決方式。未來筆者希望能有更多研究者對室內樂有更多深入地研究探討，亦或是從不同角度、不同研究方法來研究室內樂演奏技術或實踐方面的問題，真正讓室內樂發揮真正力量，更好地幫助音樂教育的發展和普及。

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作者簡介：馮巧婷（1986—），女，漢族，華東交通大學藝術學院，講師，美國亞利桑那州立大學音樂藝術博士。