復習一下“制片人中心制”

韓小凌

歲末年初，一部《地球最后的夜晚》引發的話題討論遠遠超過了其上映前的宣傳熱度，以及對于文藝片而言近乎天文數字的2.8億元票房。高票房就意味著高觀眾人次觀影，而高人次則意味著受眾群的擴大、審美品位的多樣化，也必然會帶來因為“眾口難調”而產生的各種聲音。這直接導致了影片在票務軟件上2.6分的低分，進而被一些“影評人”抨擊發行方的操作傷害了他們心目中的天才導演畢贛……

盡管中國已經成為世界第二大電影市場，但是我們必須承認，我們的電影行業無論從產量、品質、國際影響力到產業化的產值、技術研發能力、特效技術的專利權擁有量等等，在世界上其實還談不上“強國”。我們壯大的只是基于人口紅利帶來的市場。

因此，我們不妨從產業研究的角度看看究竟什么成就了好萊塢，成就了今天的西方電影制作體系吧。

電影自1895年誕生至1906年的階段，被稱為“攝影師中心”階段，因為這一時期還是短片階段，沒有更多敘事問題，且電影攝影技術尚在早期，因此攝影師的成像能力是成就當時電影的關鍵。

隨后的1907-1913年，被稱為“導演中心制”階段。1914年起，好萊塢進入“制片人中心制”階段。其中1914-1930年是早期最為直接的“制片人中央集權期”。這時期，制片人開始使用非常細節化的拍攝腳本、分鏡頭劇本為整部電影逐個鏡頭地進行計劃和制定周期，一切的場景搭建、主創選擇和其他一切決策都要依托這樣詳細、有計劃性、理性的管理決策。在這種管理手段的幫助下，電影長度才能從以前平均18分鐘延長到75分鐘或更長時間;其次，電影才具有敘事連續性、真實性，才能將敘事優勢和清晰度的技術合為一體——電影自此進入了古典好萊塢階段，也因此逐步形成了類型片模式。達成這兩條，需要生產必須有計劃性。而分鏡頭腳本一方面保證了電影的質量，進而有助于預算控制，更在以后成為電影所有工作的設計藍圖，尤其是重視效的重工業電影。

1919年，時任環球片場經理人的艾爾文·薩爾伯格（Irving Grant Thalberg，1899 –1936）由于導演的超支及失控，先是搬走了攝影機等設備、收回剪輯權，后又辭退了導演。這種當時堪稱引發“地震”的行為，幫助薩爾伯格在未來3年內監制了100多部電影，塑造了環球以及好萊塢的制片人中心制，從而開啟了好萊塢的黃金時代。

制片人中心制隨著電影技術的發展和體量增長，逐步采取PRODUCER-UNIT制和PACKAGE-UNIT制，這二者最大的區別在于，前者所使用的器材和人員基本來自于同一間制片廠;后者則是二戰以后廣泛采用的方式——制片人可以根據需要融資、租賃設備、聘任工作人員，而所有的資源（包括人和設備）都可以來自任何機構。后面一種的制片管理組織形式，直接呼應了獨立制片的興起。

獨立制片只是一種和傳統好萊塢制片廠制有區分的制度，而不是說獨立制片沒有制片人。打個比方，更像是我國的國營制片廠時期，那些掛靠廠標卻并不使用國營廠的投資和器材、人員，而是自己組班子拍攝的電影。

但無論是1914年以后100多年的好萊塢大制片廠，還是后來成長起來的眾多獨立制片公司，其實運用的管理方式還都是制片人中心制——即基于劇本細化，制訂嚴密的拍攝計劃和周期計劃以控制成本保證質量的管理體系。與之相配套的是各大銀行都承認的“完片擔保函”，一種同樣基于對劇本和預算細化分析之后做出的金融保險產品。這三者的完美閉環構成了多數發達國家電影融資、風險控制、規范化生產制作的流程。

在這樣的體制下，沒有一個導演可以任性地超支，也沒有一個制片人敢冒風險去驕縱一個導演，否則他的下部片子就會拿不到完片擔保函，也就無法再得到融資。當然，那些自掏腰包拍片的人例外，但是，那些人本來也不是產業的一分子吧——所謂產業，就是基于現代管理制度下運行的各種人才有效組織在一起、各種資源有效配置在一起的生產經營行為。任何失控和驕縱，顯然都是和產業化無關的舉動。