實驗性平面設計研究①

何 方（南京藝術學院 設計學院，江蘇 南京 210000）

愛爾伯特·愛因斯坦說：“世界上最美麗的是未知的事物。這是所有真藝術，所有真科學的源泉。”

實驗：“Experiment”，是在科學研究中用來檢驗某種假設或者驗證某種已經存在的理論而進行的操作。②維基百科。實驗性設計是指具有探索性的、非主流和非經典的、對新的可能性的某種設計實踐行為。

美國著名的實驗設計家大衛·卡森（David Carson）這樣定義實驗：“實驗就是之前從未嘗試過的……從未見過或者聽過的事物。”卡森和很多其他設計師指出，實驗的本質表現在成果的形式上的新奇。[1]用沒有嘗試過的方法，沒有嘗試過的形式，沒有嘗試過的材料，沒有嘗試過的想法創造新鮮的體驗，是一種伴隨著未知結果的努力過程。實驗性設計的價值在于得到在過程中產生的不可預知的種種。這些種種的產生，將打破固化的慣常思維，引人思考，使人們得到啟發，對現行存在的“物”進行反思或顛覆，從而使思考回歸原點，以求本質。

目的

實驗性平面設計是以實驗性思維引導的平面設計實驗，其目的在于以“新”的思維方式去試圖解決一個命題，探索平面設計的邊界，對待已經存在的事物可以持“否定”或“懷疑”的態度，它是以當下為前提條件的“反思”。“實驗性”的表現特征是超越當前、具有前衛色彩的；主動尋求、具有探索性的；哲理思辨、具有概念性的。具有前衛色彩即是超越當前，體現了一種顛覆流行樣式和對抗主流的態度。對被大多數人認可和采取的方式表示不滿，或者推翻，或以尋求新的方式來改變現狀。具有探索性，是指實驗的過程中存在不確定、未知和未果因素。探索是在已知和現有的成果基礎上得到其他未知領域的結果的行為過程。是主動的、多途徑的尋求解答的主觀行為。探索不表明一定會有解答，可一定會有過程，在某種程度上，這種過程就是結果。而且實驗成果一旦被大多數人認可，即又變為傳統，新的“實驗”必然再次將它推倒。實驗性設計未必帶來有用的產品，但是它的探索依然對未來存在價值。這些具有探索性的嘗試、異想天開的概念、認真的玩笑都是最具有價值的種子，值得我們細心呵護。實驗性設計是人們試圖用思維方式和藝術表現來預測和探索未來的生活方式和需求形態，尋求“新”和“異”，反叛傳統和揚棄規律，或以極端夸張的形式要素彰顯藝術魅力。

內容

實驗性設計研究三個方面的內容：一、超越現有設計狀態的可能性，質疑與思考；二、運用現有技術和科技擴展平面設計的觸角；三、跨界融合，多學科交叉啟發，引發更多實驗方向和角度。藝術工作者其實和自然科學的工作者一樣，都在以自己的方式和角度探索和認知世界，其行為從理性的、感性的、物質的、精神的、主觀的、客觀的等各個層面試圖解釋世界，反映人們對世界的思考。我們不能簡單地將自然科學界定為理性和物質的，也不能將藝術解釋為感性和精神的，因為實際上，自然的復雜現象往往并不如我們研究的那樣。它們都僅僅是人類認知世界的行為，是組成人類認知的一部分，沒有高下之分。設計與藝術試圖在解釋世界的實踐中解釋自我。實驗性是一種主動的、激進的、非主流的創造性的探索行為，實驗的行為豐富了對自然、社會的認識，代表著未來認知的某種可能性。在藝術創作中，尤其是在藝術訓練中，實驗的意義如同結果一樣重要。

在實驗中，問題本身的提出比答案要重要得多，各能促使個學科的交匯、互動和激發。

資源

實驗藝術要突破現有、尋找創新，在信息大量繁殖占據視覺的今天，對視覺的單純的刺激或是細微的改動已經不能滿足需要。只有與其他專業、其他行業更多的尋求結合，相互借鑒，交叉融合，才能找到更多的可能性，開辟嶄新的空間。一切當代藝術，包括實驗性建筑、實驗性電影、實驗文學、實驗性戲劇等，都是橫向比較的資源，它們切入思考的角度和解決問題的方法，往往會直接引發在平面設計領域的思考，一切科學，包括新技術、科學理論、物理的、化學的、醫學的，都可以成為縱向結合的資源。成為平面設計注入強大的改造性基因。一切人文的、社會的、心理的、價值觀的，都可以成為設計關注的內容和資源。當代數字化綜合發展，數字平臺和資源也驅使大量視覺動態影像、互動影像的產生，這一方面的研究也成為代表未來方向的重要內容。

一、概念性的平面設計

任何一個設計都首先需要一個好的概念，而概念性設計是強調概念在其中起主導作用，或是不強調實現等其他程序。

1.概念的設計與概念性設計

design of conception —— conception design

概念：是反映對象的本質屬性的思維形式。人們通過實踐，從對象的許多屬性中撇開非本質屬性，抽出本質屬性概括而成。在概念形成階段，人的認識已經從感性認識上升到理性認識，把握了事物的本質。科學認識的成果，都是通過形成各種概念來加以總結和概括的。[2]

概念性：是具有概念理論特征的，它不一定是字典里定義的標準，也不一定是人們普遍認同的，而是自我建立一種“新”的能自圓其說的言論，建立對事物的一種“觀念”和抽象“定義”。

概念性設計是以“觀念理論”作為基礎和指導的設計。在概念設計中，更強調設計要求的抽象要素，只要它能夠滿足功能要求，具體采用什么方式是次要的。

概念是設計行為中指導設計的重要線索，它是設計的靈魂與核心，是設計至關重要的中心，有了好的概念，設計才可以成立，對概念的設計是概念性設計中的命脈。

概念性設計的目的是提供一種與以往不同的全新觀念，從本質上重新定義一個事物。概念性設計是指設計時抓住對象的本質屬性，不受已有樣式和結構的影響。對“對象”的本質進行顛覆性的設計詮釋。用全新的眼光看待，開發出新的突破以往程式化思維的新方式。

概念性設計強調的是創造性探索、開發一種新的設計方向或可能性，而不強調設計的實現、可操作、成本等因素，具有實驗設計的意味。概念性設計是理想化的、預言式的，也是對設計概念的物化實現。當然有些概念性設計經過市場調研，后期開發，技術完善也可以投放市場。

課題1／時間—空間—人

時間在物理上是七個基本物理量之一；在哲學上，是表達事物的生滅排列的抽象概念；在相對論中， 時間與空間一起組成思維時空，構成宇宙的基本結構；廣義相對論中， 時間有一個起點，由宇宙大爆炸開始，在此之前，時間是毫無意義的；另一些說法，在重力理論、弦理論、M理論中，語言時間是有量子特性的。

我們無時無刻存在于時間中，時間包含了細膩的情感與記憶。

課題鏈接：

荷蘭設計師卡倫·范·德拉次（Karen Van de Kraats）2010年設計的日歷，將時間的概念視覺化，太陽升起的時候，地球表面更多的塵埃，太陽顏色顯得比正午更深，像素化噪點表現太陽升起時空氣中的塵埃，以科學的視角詩意的表現日出日落特定時間的色彩效果。時間概念主導了形式的誕生。

拼貼的樂趣——植原亮輔（Uehara Ryosuke）的日歷設計里，時間充滿了記憶的碎片，經過時間過濾，沉淀下來好的、壞的、不完整的、不清晰的、光怪陸離的，零零碎碎拼貼在一起，不整齊的邊緣，撕下來的紙片，剪貼的畫報，一塊蕾絲茶墊，看似輕松，像家里的一摞雜物或者漂亮的紙堆，卻有著對形式細膩把握的專業度。

課題作業呈現：

《松散的時間》——概念日歷，將日歷的數字打破，隨意貼在曲面的裝置上，時間數字飛舞，可以看到時間的縫隙，時間的詩意，時間的流動，時間的靜止。

《時間的復數》——概念來源于量子物理學中的時間定義。插畫《時間的復數》將不同年代、場景、地點的事物平面展開在一幅畫面中，如夢境般交織，無順序、無空間，看似合理平靜地存在著。

畢業設計：《殘·蠶》是一本表現時間概念的日歷，以蠶吃桑葉的過程，一消一長表現生命與時間的關系。

課題2／ 概念—行為—形式

圖1 焚燒的椅子（馬騰巴斯設計）

這個課題希望學生用行為的方式完成一個概念，在概念生成的同時，作品形態也會跟著生成。體會概念設計的核心價值，以概念主導設計的方式。概念設計與作品形式生成的關系。在行為過程中，對概念的表達及完善。

課題鏈接1：荷蘭家具設計師馬騰·巴斯（Maarten Bass）的作品《燃燒系列（Burning Furniture Series）》是將著名的設計師家具進行燃燒從而得到一種特殊的形態，其中包括高迪（Antonio Gaudi,1852-1926）、伊姆斯(Charles Eames,1907-1978)、麥金托什（Charles Rennie Mackintosh,1868-1928）等設計的具有代表性的家具產品，這些熟悉的作品都是歷史上的經典之作，燃燒后的形態具有隨機性，這些被燒過的家具看起來很酷，馬騰·巴斯挑戰這些被放進博物館的家具產品設計，另類的風格源自于燃燒這樣一個奇妙的概念。（圖1）

課題鏈接2：《蠶花》，藝術家徐冰在展廳中央，由新鮮的桑樹枝插成巨大花束，幾百條蠶在樹枝上啃食桑葉，開幕式后，繁茂的樹枝只留下枝干，隨著這些蠶陸續吐絲作繭，蠶繭在展覽期間逐漸布滿枝干，花束由蔥綠轉化為繁茂景象。

2.概念的轉移偷換

偷換概念是對一些看似接近的概念進行偷換，實際上改變了一些所指對象，適用范圍，先決條件等。在設計中的偷換概念是常常用“巧”來故意造一個“漏”，來引起觀眾的注意。同音漢字的字義轉換來源于“通假字”，例如：一個新中式概念的優盤設計命名為通幽，出于曲徑通幽，幽與“U”盤的“U”諧音，又有聯通之意。玄武壺，壺、湖讀音相通，植入趣味。

課題1／ 本末倒置、偷梁換柱

轉換、增減、偷換以達到混淆概念，蒙混局勢的目的。偷梁換柱，對熟悉事物的進行改造，使其產生裝飾、驚奇、怪誕、巧妙的意趣。

課題鏈接1: 設計團體5.5 designers 的作品常常用置換的手法造成視覺的驚詫感，將咖啡杯把手塑造成咖啡糖的質感，顆粒狀的砂糖、黃糖被塑形，形成有趣的錯位，讓人有一種要把手柄取下來放進咖啡的沖動，幽默的表達方式；另一件作品，碗的邊緣逐漸到碗口變成面條，本應在碗內的食物卻變成容器的一個部分，面條的形態增添了碗的藝術感，還有將杯子的上下顛倒，使用時感覺拿倒了，將湯碗的手柄放進碗內底部作為裝飾，這些故意的調味劑式的小“錯誤”，不僅是設計的方法，也是設計態度。置換的方式有：方位倒置、質感遷移、內容置換、材質替代等。例如：石頭抱枕，其中視覺的“硬”與觸覺的“軟”形成有趣的反差，就是一種質感遷移。

課題2／ 交換與對立的詩意——神秘的瑪格麗特

超現實主義畫家雷尼·馬格利特(Rene Magritte，1898.11.21—1967.8.15)的作品常用不同物品間的碰撞，不同詞匯之間的碰撞，物品與人物之間的關系來改變我們的正常思維鏈，例如：他畫中出現的風景和畫面的關系、模特與畫的關系，騎馬人與樹林的關系，天空與鳥的關系等，常把畫里畫外混淆，顛倒，特別是對空間的前后作巧妙安排，例如：一只鳥飛過，遮住畫家的臉部，成為的肖像。一個人騎馬穿過樹林，樹干的部分沒有遮住人，反而空隙的部分穿透了畫面等，從而形成視覺經驗與理性邏輯之間的沖突；寫實的內容與描述的詩意之間的沖突。這種突兀的轉換，扭曲因果，超越了視覺形象本身，具有更多的符號寓意。真實的表象還是隱藏的現象？例如顧左右而言他、斷章取義等都是這類設計的手法。

故意打破完整的形態，類似有一些視覺病癥的人，無法分辨圖底關系，把地毯的圖形看成背景，把背景看成圖形，正如瑪格麗特筆下的樹林，樹木忽而是背景，忽而是事物，樹木之間的空隙時而是背景，時而是事物。它們似乎有意識的破壞整體結構，試圖在更加破碎的狀態中尋求判斷和知覺。

3.哲理性的視覺化演繹

哲理性的設計具有明確形而上的精神價值取向。能將普通的生活道理抽象化。設計師依循某種哲學觀念或者是個人對某種哲學理念的參悟，然后將其視覺表現，表達內省的沉思和靈感的頓悟。

另外一種則是對名言哲理的視覺表現。歷史上先哲的啟示，偉大思想文明，帶有哲學內核的深刻關照和思索的詩詞等都是表現的對象。

學習、思考，利用設計表達某種的精神追求，研究和探索含有抽象哲理，包含某種世界、人生啟示的設計，用獨特的人生觀、價值觀理解設計。哲學的特征在于追問本質，不斷反思。設計這類課題的目的也在于此。

課題鏈接1：哲理詩 ——“詩中言理”、“以理為詩”

清華美院畢業設計作品《顧城的詩》以面粉鋪滿桌面，堆積抹平，觀眾可以用水泥刻印的模具，在面粉上蓋出一段段詩句，這些來去隨風的作品沒有固定的形態，一直在微弱的變化，氣息一如顧城小時候看到白墻時空落的感覺。

圖2 枯山水是日本侘寂美學的體現

圖3 以枯山水為靈感的服裝設計

課題鏈接2：侘寂美學（wabisabi）

Wabisabi是一種對人生稍縱即逝的深思，接受生命中無可避免的本質，生老病死、花開花謝。對wabisabi美學鉆研甚深的李奧那德·可仁（Leonard Koren）的詮釋是：一種不完美的、沒有永恒不變的、不完整的時間美學。

借用枯山水的形式表達詩意，在各種材料和媒介中轉譯。（圖2-圖4）以簡單的重復表達了修行的儀式感，以殘缺表達惜物，以縮小的世界表達開闊的心境。

課題1/The Nothing

零是一個數字概念，整數系統中一個重要的數，小于一切自然數，介于正數和負數之間唯一的數，記作“0”。羅伯特·卡普蘭所著的《零的歷史》涉足數學、哲學、科學、文學等領域，從科學研究的角度將零的曲折身世深入淺出地娓娓道來，帶領人們透視這個通往無限的圓圈。

在哲學中，佛教大乘空宗的“空”也是零，可以看做是原點，也是萬事萬物的根本出發點。道學中老子“萬物生于有，有生于無”，對于有無之思，存在著的“無”（有的無），“無”的存在（無的有）。

從零作為切入點，思考東西方文化之下的理解。觀察自然，內化思辨。

課題2 ／Bruce Mau成長不完全宣言—烏特勒支藝術學院工作坊

Bruce Mau是著名設計師，宣言是他對設計方面的心得，學生以每一條格言作為出發點，任意做出一件作品，可以是靜止或動態的，也可以是作品或行為。例如“少即是多”，“過程遠遠比結果重要”等設計理念的視覺化表現。

圖4 可以食用的枯山水

4.形態的變體與演繹

形態是指一個物體的外部形式、外觀和狀態。一個物體之所以成為“物”，除了擁有它的特質屬性之外，必須通過外觀形式加以表現，是一種實體。形態是物的多重感官集合體，是質料和形式的綜合。物體的性狀在環境中不斷的運動，例如，水的固態是冰，水的液態是汽。還有一些特殊狀態：例如中子態、超固態、等離子態、費米凝聚體。這是科學中的一般形態分類，在藝術設計中，經過藝術家的創造，藝術的加工，利用外部形態表達內容和情感，通過具象、抽象的形式給視覺、觸覺、聽覺等感官刺激，傳達信息。當然，藝術設計中還可以出現偏離現實、超現實、虛擬現實的形態，從單一形態向混合的形態的變化、具體形態向虛擬形態的變化、固定形態向運動形態的變化。在設計的現實中，形態則可以超越自然，完全按照人的構思表現。

課題鏈接1：自然形態的演繹——高迪建筑

高迪的建筑將眾多自然元素變體和演繹，這些形態似有似無的變形重現了自然中的物，讓人時不時體會到那神龍見首不見尾的點睛之筆。巴特羅之家的樓體是動物骨骼的變體，屋頂的煙囪利用馬賽克和陶罐拼接成鱗片和脊柱，像一條蜿蜒的龍的局部，鱗片便是那層疊的馬賽克，略帶圓潤的幾何性狀，并非寫實的再現自然，而是精彩的點題，通過藝術手法的變體與演繹。

課題鏈接2：《皮膚＋骨頭時裝和建筑的平行實驗》

這一組實驗作品來自于兩個不同專業的交叉，探索了藝術、建筑和服裝之間的關聯性。

課題鏈接3：折疊——對一組圖像的詮釋

美國藝術家Eli Craven的作品《熒幕戀人》是一組以折疊形態重新詮釋圖像的作品，這一組攝影圖像表現了人與人之間的親密關系，通常是一對戀人親吻、愛撫的瞬間，作者通過折疊縮小了空間上的物理距離，把零距離變成負距離，這通過現實超越了現實，塑造了不可能的距離，從而詮釋一種內在的心理距離，詮釋人與人之間的關系。（圖5）他喜歡日常看畫冊的時候將那些經典電影圖片收集起來，創造性地重組，折疊，于是做出這個系列作品。四兩撥千斤的形態變化造出神奇的負距離，透露出作者對愛情、情欲的理解。

圖5 折疊形態詮釋圖像意義，塑造不可能的距離

“形”多指平面維度下的，“態”多指立體維度中的。在平面設計中，不乏對形的變體與演繹。而態則在形的重復、累積和組合下產生，在傳統平面設計中多表現為多張紙的重疊的書籍的形態，由多個面組成的包裝設計等，除了這些平面的常態，新媒體下的當代平面設計已打破對“態”的概念，在虛擬與現實中，更多自由維度的詮釋視覺范疇內的“態”。例如，像電腦屏幕保護圖案那樣生成變幻無窮的曲線或不斷鏈接的水管，是平面的動“態”，利用視覺差和視幻等原理創造的圖形通過特殊眼鏡等輔助工具觀看，是平面的虛擬“態”。

課題1/自然的形態——雪花的變異

雪花的形狀來自于水在大氣中的結晶過程。冰晶有規律的幾何外形，屬六方晶系，每一片雪花沒有一模一樣的，更神奇的是雪花結構隨溫度而變化。呈現出變化多端而又富有規律的視覺變化。以動態幾何圖形表現雪花結構。

課題2/形式的抽離——從美食到首飾

木耳邊、平菇的肌理、魚翅、魚骨頭的形態、云吞、餃子等面食的可塑性，從形式中提取某些特征，發展成設計的形態元素，進行首飾的設計。

課題3/視覺的相遇——并不是真實的相遇，而是在平面之中，通過圖形、圖像的方式跨越時空，包括平面中的矛盾空間與視錯覺、穿越。

課題4/病毒——來自自然的解構

通過科學圖像啟發圖形設計。顯微鏡下的病毒圖形詮釋了自然無處不在的偉大造物。復雜而精致的細小結構，通過放大，呈現出近乎完美的形態。模擬并創造微生物視覺結構。近年來科學與藝術學科交叉課題引起大家的關注，科學圖形從藝術家的審美角度是一塊巨大的可被開發的資源。

圖6 摩爾紋

5.形式的純粹性游戲性

對單純極致的形式探索也是實驗性設計課程訓練的重要內容之一，有的設計師主張形式與內容不可分割，形式來自于內容和功能，但也有的崇尚形式至上與純形式主義的風格，認為純粹的極至夸張的形式表現也是藝術形態的內容，具有獨立意義。對于形式與內容有沒有必要一定捆綁在一起的命題若暫無定論，那么就藝術設計教學而言，對形式的單獨研究確是有必要的。因為它承擔著審美、視覺感官等功能，而這些從某一角度對使用者的感受和心理也產生著重要影響，有時甚至是決定性的。特別在信息過剩的今天，形式感帶來的視覺注意力前所未有的重要，盡管這種注意力被批判為畸形的和有害的。形式是指事物的外在形態的表現，這些表現可以是人為的、刻意的，也可以是自然的、選擇的。通過形式的感訓練可以使設計者敏銳地發現、把握和運用具有獨特氣氛、風格、腔調的形態。不斷追求新的、未嘗試的形式感也是大多數設計師喜愛和樂于探究的，從字體設計、圖形或是立體的、裝置的、動態的樣式，能引起人們的注意力，挑逗人們的興趣，帶來趣味感的形式都是設計師樂此不疲的事情。

以形式本身作為課程的內容，在形式這一單向度上，尋找語言的狂歡，探索形式的趣味和極限。

課題1/ 制圖×拼貼：建筑制圖、高等線、數學制圖、地圖、說明圖、服裝制圖等一系列元素的演繹應用。

課題2/ 平鋪×生活：將生活中出現的一系列物品以平鋪的方式展現，形成一種平面的排列，造成視覺中密集、規則、秩序、趣味。

課題3/ 數據×設計：利用數據的可視化創造畫面的形式。

課題4/ 網眼×錯位：摩爾紋的形態。（圖6）

圖7 用紙張模仿食材

6.書籍的概念與概念書的設計

概念書是區別于傳統書籍而存在的一種探索書籍設計可能性的形式。對書籍表現對可能性、存在的可能性、藝術審美的可能性、編輯的可能性等諸多方面進行研究嘗試。概念書的設計可以分為兩類，一種是院校概念設計訓練的一個課題，另一種則為藝術家實踐的小眾出版物。

書籍的概念是由單頁組成的可閱讀的承載信息的媒介，是文字與承載材料結合在一起的整體。書的發展演變過程是緩慢的，現代書籍的產生是從紙張的發明開始的，到目前為止，紙質書還依然是主流書籍形態，受到閱讀習慣、材料、銷售、市場的影響因素，形態基本變化不大。

概念書的設計，試圖顛覆傳統書籍的圖式束縛，重新回到對書這一基本概念的重新認識，即合并多頁而形成一個整體。在這個概念下，書籍的裝訂方式就打破騎馬釘、膠狀、線裝、圈裝等單一的傳統形式，例如，結合多種裝訂方式于一本書，混搭不同紙張，可以從各個方向翻閱，甚至不裝訂而只用折疊的方式累疊等。

（1）基于概念設計：以書籍為載體的概念設計

（2）圖文形式把玩：后現代的閱讀方式、編排的游戲。

（3）紙張質感游戲：紙張的質感是對細膩、敏感、觸覺的考驗。選擇不同質感的紙張，體驗微妙的色彩、柔韌度、肌理等。（圖7）

（4）空間多維形態: 卷、訂、套、切割、透視、折疊，除了對圖片、文字、字體進行編排，營造空間、疏密、層次，書籍的形態還可以在勒口、書脊、切口等地方創新設計。

（5）裝訂趣味嘗試：實驗性的、破壞性的、反常態的、游戲性的裝訂方式。

（6） 材 質 不循常規：常規的書籍材料以紙張為基本材料，布、麻、板、木、瓦楞、錫箔、壓克力、混合材料、金屬甚至壓縮食物。（圖8）

圖8 用亞克力材質雕刻的書籍封套

（7）閱讀順序解構：《四方連續》提供一種新的閱讀方式。

（8）套書系統構建：以系列作為主要設計點，從整體與部分中找到切入點。

（9）體量極致大小：口袋書、巨型書，體量變化帶來視覺的可能性。（圖9）

紙本閱讀方式的概念中，閱讀不只是純粹關于文字內容，也不只是視讀，它應該擴展為包括翻閱的動作、紙張的氣味、紙張的觸感、聽覺、形態的互動等全方位的體驗。呂敬人先生提出書籍設計的五感，和人的視聽觸嗅味五感相通，是一種綜合的感知方式。

數碼時代的概念書與無文本閱讀：以電子編排為手段的書籍設計，去掉紙張的介質后，書籍的形式和閱讀方式的探索。無字之書以及無內容之書，是探索作為“書”的邊界在哪里的問題。

概念的濃縮精華演變成單純的形式手法：編輯設計被視為近年來書籍設計的飛躍，設計師的介入使得書籍地翻閱和編排形式更加好玩、更具吸引力、更富有品質感。

引導學生能夠以創造性的思維設計書籍。思考書籍的概念、本質，思考書作為承載信息的功能和表達方式，思考人的使用以及和生活的關系。能夠從書籍的整體設計角度出發，從策劃、選擇內容開始到編輯、材料等方面介入設計師的想法。

課題鏈接1：伊瑪·布（Irma Boom,1960-）的書籍設計

圖9 書的體量變化：小的書和大的書

社會能量展評價伊瑪·布是當代書籍形態設計發展的特別貢獻者。她的書籍設計往往是概念書的代表。伊瑪·布說互聯網從概念上改變了書籍，改變了書籍緩慢的靜態傳播特性，當數字媒體技術引入視覺設計領域，使閱讀呈現另一種不同的狀態，它并不是將文字信息簡單的數字化，而是基于視頻和互動，以圖形、色彩、聲音以及動畫影像等多感合一的更為豐富的表現。在此基礎上，如何利用數字科技帶來的更富魅力的閱讀體驗，用發展的眼光去想象更多閱讀方式的可能性。

課題鏈接2：一組概念書：徐冰《天書》、陳琦《蟲洞》、朱瀛春《設計詩》、宋協偉《半本》。這一組概念書，體現了設計師為主導進行編輯、美術、編排等一系列工作，將書籍作為一個整體來設計的案例。

課題鏈3：呂敬人關于書籍設計的概念——書籍五感。在呂敬人教授看來：“一本理想的書應體現和諧對比之美。和諧，為讀者創造精神需求的空間，對比則是創造視覺、觸覺、聽覺、嗅覺、味覺五感之閱讀愉悅的舞臺。”

圖10 口袋書

課題1/ 四方連續 （中央美術學院課題）

四方之言——方言說

四方連續——新的閱讀方式

“四方”延異——維度的剖析

貌四方連續—續事——開放性敘事

課題2/ 口袋書（德國）

極限、大小引導書本格局變化：超出一般尺寸的書，超大的書裝置或超小的口袋書，在極限尺寸中，體會設計的可能性。（圖10）

課題3/ 裝訂的二次改造

折疊裝訂方式改觀挑逗閱讀情趣：因為書籍具有的系統化的特征，所以通常會以從頭至尾標準的頁面呈現，可是，在閱讀時，某些頁面的尺寸大小、折疊方式、紙張材料發生一些變化，將會給閱讀帶來一些調節和驚喜，只要掌握尺度，在閱讀時偶爾的一些插曲，變調會給書籍帶來變化，或強化某一部分的內容。關于書籍開啟方式的研究也是書籍形態變化的重要角度。

課題4/ 手工書

手工制作保留人為痕跡：與機器生產相對比，相區別，體現出手工的溫度和價值，體現人在制作過程中留下的痕跡。

課題5/ 材料——跨越了紙張和印刷概念的書籍

材料的大膽嘗試突破傳統帶來新意：另一種是受到特殊限制而做的材料的調整，解放區的宣傳品在條件不足的情況下用僅有的紙張進行印刷，相同的內容被印刷在不同的紙張上，顯示出一種獨特的時代背景。

課題6/數字媒體技術下的概念書

顛覆了傳統紙質媒體的書籍，是另一片書籍設計的廣闊天地，也是未來發展的閱讀趨勢，在這樣的大環境下，研究如何過渡、鏈接、轉換閱讀方式和習慣，讓數字技術成為更好輔助工具，增添閱讀的效率與趣味。

二、前衛性課題練習的設計

1.體現當代文化理念的設計

課題鏈接1：無限放大的100元 顧長衛

用視覺藝術來定義這組作品是比較準確的，在顯微鏡下放大或超近距離拍攝紙幣，超近距離地欣賞這些符號，會發現完全進入了另一個微觀的視覺世界。和每天的生活有所關聯的素材經過鏡頭呈現的模樣是陌生而令人驚訝的。無限放大把素材從熟悉帶入陌生，從宏觀帶入微觀，從理性帶入感性。選擇紙幣作為表現對象，是作者對于當代生活的一種觀察，并不簡單意味著某種喜好、褒貶，它是在生活中累積的感受，是一種長期的思考。它所體現的文化寓意也是多元的。

課題鏈接2：垃圾國家Trash Isles(Designed by Plastic Ocean Foundation with LADbible)

微國家是針對太平洋上垃圾成堆而形成的一個垃圾島引發的對海洋環境問題的反思，這個項目向聯合國教科文組織申請了“國家身份”，它擁有獨立的領土，有護照、貨幣、郵票、國旗等一系列國家屬性的身份象征，目前已經有20萬公民。

課題1/ 為特殊人群設計。高橋正實為盲人設計的日歷，以立體的形態和觸感為設計點，同時將視覺與觸覺一并考慮，體現了人人平等的理念以及對特殊群體的關照。

課題2／ 環保生態、可持續發展的設計

思考關于“全球化”現象對人性尊嚴的挑戰，尋找設計中人與社會，自然與生活，設計與自然之間的交融。

2.具有先鋒色彩語法的設計

先鋒與保守相對，先鋒派的作品往往帶有激進的反叛精神，主張反對傳統模式，實踐革新。拋棄舊的成規，創造新的設計觀念、敘述方法。先鋒的本質特征就在于它的獨創性、反叛性與不可重復性。具有先鋒色彩語法的設計，是對審美理想中的自由、反抗、探索和創新的藝術表現，是與世俗潮流逆向而行的操守，是對設計語言的可能性前景的不斷發現。

每個時代都有那個時代的先鋒人物和先鋒作品，也作為那個時代的標志性的樣本，是敢于挑戰傳統的思維和固定模式，并突破性地創造出新語言和新觀念的行為。

課題1/ 先鋒的字體：為先鋒電影設計片頭字幕。片頭動畫設計體現了影片的內容和風格，并以動態的字體和編排體現出視效。觀看科幻電影、懸疑電影、先鋒電影的片頭動畫并分析。

課題2/ 雜亂的能量場：噪點、噪音、干擾信號、打亂序列、電子、偶然。以視覺、聽覺下隱藏的節奏、秩序、點線面構成畫面。以編程或新技術手段變現能量的累積、疏散、轉換等。

課題3/ 扭曲的視覺

弱視：模仿各種視力人群的觀察體驗，例如：近視、弱視、色盲等做幾組字體。

窺視：以圖像的方式表達這一主題詞，可以利用攝影、照片、后期處理等手段呈現。

透視：利用科技手段為輔助，設計一組具有透視性質的海報。

幻視：以迷幻、幻覺、變幻、奇幻、夢幻為關鍵詞，設計一段視頻。

課題4/ 凝固的動態

動態是由若干個瞬間組成的，立體主義繪畫曾將不同時間、空間的畫面同時呈現在一個維度中，打破了常規的觀看方式。凝固的動態是表現瞬間，時間在某一形態中的作用。例如CG藝術作品：太極，表現了動作瞬間在空間中的痕跡所組成的虛實畫面。

3.借鑒當代藝術手法的設計

當代藝術表現多層次的心理結構，表現內心的碰撞、矛盾、沖突、升騰、逆轉、激蕩，也表現對生命的由來去向的思考，對世界意義的思考，對于人在世界中的存在，感受心靈的流動、變化，這一切來源于人類在宇宙中的孤獨感，人的生存之孤獨感，生命對抗世界不確定性之無力。

當代藝術的語言不再已傳統的形式和古典技法設立門檻，而更加注重納入多元的表達。

課題1／ 毀壞——殘損的作品 以平面設計為切入點，用毀壞為手段，設計一個裝置作品，并展示陳列效果。

課題2／ 對立——并置的作品 兩個作品并置，體現其中的關系，矛盾、沖突、抵制等。

課題3/ 潛伏——隱藏的作品 以多種手段將作品隱藏起來，可以借助光影、材料、科技等手段。

課題4/ ——未完成的作品 故意留白或留空，引起觀眾的關注，猜疑和聯想。

三、“反”的意味課題練習的設計

在人類文明積累的過程中，我們會對已有的成果達到多數的認同，對推崇的主流和經典設計也是如此，那些大師的作品在人們心目中總是熠熠生輝。同時，也會有一部分人對這些經典提出質疑，甚至逆向而行，另辟蹊徑。“反”的意味的設計是逆向思考，“反”設計、“反”裝飾、“反”常規……

1.體現矛盾性與復雜性的設計

英國建筑師作品《懸空的建筑》在市中心建立了一座視覺上完全懸空的石材建筑，它其實是利用泡沫材料制作而成，所有鋼架結構安裝在依靠于這棟建筑邊一個隱蔽的販賣車上。

質感的詫異：石頭海綿沙發，模仿石頭的質感，卻是泡沫的觸感。

課題1/ 不可翻閱的書——《不裁》，是一本反其道而行之的書，首先是一本“不讓看”的書，把內容隱藏起來。然后通過觀眾的互動，裁切，才能獲得文本內容。

課題2/ 懸浮 體現了失重的感覺。是違背了地心引力的自然規律，讓人反思。

課題3/ 第三只眼 看見不可看見的東西，從神話、科學、宗教中得到啟發，引發對不可證實、不可看見的內容的認知與思考。

2.價值與功能的顛覆性設計

實用與功能并不是衡量設計的唯一標準，正如設計師的服裝秀里出現的大部分服裝并不是為日常所用。在商業社會，消費年代，功能主義至上的今天，還有一些顛覆價值與功能的設計，它們有著獨立存在的價值和必要性。

當一些概念被設計出來，它還僅僅只是概念，沒有實現的條件和可能，例如：一些概念車的設計，還沒有技術可以支持生產，但是首先概念的提出，就顛覆了原有的設計，創新不是局部調整，而是質的飛躍。

（1）對價值的顛覆：對重新定義、道德建構、生存方式、利益判斷、心靈羞澀、價值去化等問題的思考。

（2）對功能的顛覆：對能使用的設計、不能實現的設計、功能轉換的設計等問題的思考。

對傳統的顛覆，是從另一端看過來，從逆向的角度去嘗試，這種對立的場，在設計中與經典對峙，形成另一種模式。一些看起來毫無意義的設計有沒有存在的必要，例如：生長的書、吸墨水的日歷等，這些設計的存在有沒有價值，當人們發現“無意義”的意義，它又有向另一端無限展開的可能。

四、數碼化課題練習的設計

1.非線性實驗練習

圖11 非線性的隨機性和非秩序性

“線性”（linear）原本是數學概念，“線性系統是指系統對于某種力的響應，是嚴格成比例，不會出現像混沌行為那樣力的巨量擴展……非線性系統的行為模式則是變化多端，幾乎不能用精確數學描述與分析。”[4]“非線性”（non-linear），變量之間的數學關系，不是直線而是曲線、曲面、或不確定的屬性，叫非線性。非線性是自然界復雜性的典型性質之一，與線性相比，非線性更接近客觀事物性質本身，是量化研究認識復雜知識的重要方法之一。①百度百科。非線性系統表征為各變量變化不均勻也不成比例，系統存在著不確定性、隨機性和偶然性，變量本身或之間一動而牽發全身，是不穩定、不規則、無中心、非秩序、不可預測的。（圖11）

課題1/繁衍——變量變質過程

圖12 分形藝術圖形

單形元素的不規則演化，從一條曲線的流動開始，向無數種曲線的漸變與交織。《高山流水》《雨打芭蕉》等箏曲系列海報作品就是利用線條的繁衍，找到自動生成的變化規律，形成優美的韻律。

課題2/生成——平面中的參數化意向。參數化是一種運動變量。它分為兩個部分：參數化圖元和參數化修改引擎。參數化通過修改引擎提供的參數更改技術，使每一個構建都互相關聯。通常用在建筑和立體結構上，但是這種運動變量也可以啟發平面設計。讓圖形顯示出相互關聯的構件式特征。

課題3/分形（圖12）：分形理論的提出最早是在數學領域，由數學家芒德勃羅提出，理論基礎是分形幾何學。分形藝術（fractal art），是基于分形理論通過計算機程序編輯生成的藝術創作作品。研究不規則幾何元素帶來的無窮玄機和美感，其維度并非整數的幾何圖形，而是在越來越細微的尺度上不斷自我重復，是一項科學與藝術的融合，以科學激發藝術想象，又以藝術美感激發科學想象。分形藝術的應用領域跨自然哲學、建筑藝術學、計算機圖形學、音樂學等多種學科領域，體現出許多自然法則與深奧的數學哲理。分形藝術把數學方程式轉化為視覺化的、可見易懂的藝術作品，把抽象顯現化，并通過數碼技術展示了無窮盡的圖形繁衍可能性。可以稱之為數字圖形繁衍，是因為它符合了自然生長的法則，具有某種神秘的生命感和生長性，以計算機編程為母體，每個局部都有極強的繁衍功能，如此以秩序加混亂往復。

圖13 利用分形設計的混合媒材裝置藝術

《淹沒》是混合媒材裝置藝術，觀眾穿越琳瑯滿目的燈，挑戰自然的空間觀念。8,064點的燈懸浮在一個天花板上。該作品結合聲音，物理空間和虛擬世界產生身臨其境的和感的頂部空間，參與者可探索體驗占用物理空間和互動媒體結合的高潮。游客通過成串浮動的燈泡時燈光開始閃爍，瘋狂、充滿活力，移動照明搭配電子配樂，帶給觀眾一個不同的體驗。（圖13）

圖14 利用數碼技術軟件設計的圖形

2.數碼化印刷實驗練習

數碼化印刷是印刷全過程的數碼化。印刷技術的發展到今天已經順暢的銜接了設計和制作的各個環節。不僅簡化了傳統印刷繁復的流程，減少了眾多的設備和復雜的工序，而且解決了傳統印刷大批量起印的麻煩。它是區別于手工絲網印刷的機器化印刷。

課題1／試錯印刷，故意利用校準錯誤、疊加、色彩混亂等錯誤印刷來嘗試新的視覺形式。

課題2／瑕疵與壞片，模仿印刷壞片的形式來設計圖形。

課題3／CMYK，研究荷蘭設計師卡爾馬滕斯利用CMYK的印刷語言進行創作的作品。

課題4/ 網點，色彩構成的像素疊加原理，放大后呈現的網狀結構與色彩點陣共同組成的視覺效果。

3.數碼化綜合性設計練習

數碼技術以數碼科技和傳媒技術為基礎，它的發展大大改造了平面設計的面貌，并以難以想象的速度發展著，它利用科技讓設計呈現更為多樣的一面，確實延伸了手工無法企及的部分，使人的想象力得到新的解放。（圖14）

數碼后期：數碼后期狹義上是指利用電腦技術對照片的渲染美化處理，但因照片的數碼化也模糊了照片與圖片的概念，所以，我們也可以理解數碼后期是利用電腦技術對圖片進行加工處理，特指在原圖片的基礎上繼續處理，也可以指對動態視頻所做特效，電影里的這種手法被稱為視覺特效。

課題1/ 濾鏡的力量[5]：濾鏡是用于圖像處理的各種效果。特別是在PHOTOSHOP中，菜單中包含了很多簡單易操作，看起來又具有神奇效果的濾鏡。此外還有很多其他外掛濾鏡可以下載使用。濾鏡操作簡單，一鍵到達，可是光靠濾鏡卻是難以達到完美效果的，因為濾鏡的效果直接而強烈，使用時需謹慎、恰當、控制。這些濾鏡的設計本身就只是一個單獨的效果而已，它并不是一個完整的設計，使用濾鏡作為表現的輔助手段，探索技術生成的魅力。

課題2/ 代碼繪圖

代碼繪圖是指利用編寫計算機程序來實現藝術設計。Processing這種新興的計算機語言，將藝術概念和程序設計相結合，用運算的方式實現藝術設計作品，藝術家在網絡環境下，學習程序語言，如虎添翼，除了對圖像和文字的擺布，進而可以擺脫軟件的限制，跨領域的對數字技術和藝術 連動態模式和互動模式都可以全盤掌控。

五、實驗性課題練習的設計

1.偶發性設計練習課題

課題來源：

關于偶然性：設計與藝術都來自于自然，自然看似有規律，其實是未知和偶然的，有序中包含無序，無序中蘊含著有序，設計越接近自然，越接近人的本質，就越容易與自然達到和諧，符合自然的規律。實驗的好處在于因為過程中自發產生和偶然的出現，可以讓人參悟到某種“必然”，并在“必然”中找到線索，找到思索的源頭。學生可以從必然與偶然之間找出設計的出路。偶發藝術（Happenings）是指盛行于20世紀60年代的即興發生的表演藝術和美術流派。偶發是形態迷人的、不可重復的、隨機而不可多得的，富有變化、難以琢磨、不可預知充滿神秘感和驚喜。

教學目的：

通過對實驗過程中偶發事件的記錄、觀察、控制，提高審美判斷力，掌握對偶發形態內在復雜結構和周期的判斷，觀察非機械模式的能量轉換與平衡，并在此基礎上引發出設計靈感，得到設計的元素或概念。研究偶發形態的種類和生發方式，在設計中展開以此為參考的形式生成原理。

課題解讀：

偶發形態的變化性：在《探索·發現》欄目里，海洋里魚群的集體游走變化，總是令人百看不厭，魚群像是一個充滿柔性空間曲面的整體，下一秒生發出意料之中又意想不到的狀態，從這里涌現到那里。

圖15 水墨的偶發性實驗視頻

圖16 字體的構建與瓦解

藝術家可以創造一些條件讓自然形態發生，事物在運動中留下變化的痕跡，捕捉到瞬間的無規律形態。偶發形態具有不確定性，在行為進行時，并不知道最終結果是怎樣的，何時以何種方式出現。例如：墨汁滴入水中的形態是無法控制的，每次的墨量、釋放角度、速度都會引起形態無窮的變化。（圖15-圖16）記錄色粉粉末運動瞬間的影像作品也表現了作者沉浸在自我創作空間，探索色粉收到力的影響跳躍、彈落的各個偶發瞬間。

對偶發的控制：藝術家對偶發過程的控制與選擇正是他思想、精神的軌跡，憑借忘我、盡興的創作，在其中游戲、誘發、干擾、順勢、調整、處理，以達到在自然天成中尋找精神與形態的高度統一。在創作中，放松心態，投入創作，即時記錄下痕跡、效果，體會在大自然和人共同創造出的過程中有效的形態并得到愉悅。藝術家對偶發的時間和效果的控制與操作是決定設計最終效果的關鍵。一些利用偶發手段的作品，例如：用圓珠筆系在柳樹枝條上，風過筆動，在紙上“寫”出、“畫”出詩意的痕跡，貌似自然天作，實際是藝術家借自然之手展現內心的禪意。

課題鏈接1: 蔡國強——《火藥系列》創造了實驗性的繪畫方式，用爆炸瞬間留下的痕跡，用破壞的方式去塑造形態，探索一種偶然與必然之間的可能性。

課題鏈接2: 徐冰——《蠶花》，讓蠶在書籍、電腦、鉛字片、報紙上孵化、吐絲，各種載體上的材料被蠶絲纏繞混合在一起，載體上的文字也隨之若隱若現，甚至消失，借此表達文明與自然的關系。 徐冰在展覽會上，在大花瓶里插滿桑葉，展覽會的期間，蠶寶寶吞食桑葉，瓶花每天呈現不同形態，整個過程便是展覽的內容，充滿未知的變化。

課題1／磁粉的實驗

用磁粉的物理特性，在磁場作用下，聚合、離散、坍塌等，呈現出物理實驗般的神奇視覺效果。

課題2／顏——關于色彩的實驗影像（圖17）

畢業作品研究色彩在液態、固態、純凈、混合時的各種狀態，并用多種手段實驗并記錄過程：包括影像、手工制作凝結固化、聲音頻率控制運動狀態、延時攝影等。

圖17 畢業設計《關于色彩的實驗》

2.純粹的視覺形式的實驗

功能性和形式感是藝術設計討論的兩大主題，對于功能至上、形式至上還是功能與形式的結合的討論也很多，有人主張，功能是設計最核心的內容，好的形式感是伴隨對的功能油然而生的，功能對了，形式感自然就“美”。也有人主張，形式感是設計藝術領域關注最多的部分，是視覺藝術的核心，獨特的視覺形式感，對形式的單純探索，這種美感，也就是尼采說的那種“形而上的慰藉”。

逾越了功能和某種實用的純粹形式是一種詩意的自我表現，建筑和音樂通過不斷的自我修正，使形式走向純粹化。

課題1／顯微鏡下的雪花——分形藝術：分形藝術是數學概念衍生出來的，自相似原則和迭代生成原則是其重要原理，在分形程序下，幾何變化成規律的不規則生長，不同尺度的對稱，無限延伸的精細結構，就像切開的花椰菜內部結構或者海洋貝類的螺旋形結構，自然以一種無限的方式不斷放大自相似的圖案，它有著數學的數理美感、自然的生長美感，以及類似計算機程序構造的美感。看起來相對簡單的方程式可以推導出無限復雜的系統，產生獨特的美感。

課題2／近視眼的圖像生成——模仿近視眼的視覺感受，將圖形進行處理，探討視覺原理與圖形之間的關系。

課題3／行動軌跡——當人們看一幅畫面的時候，會根據畫面自動選擇視覺路徑，記錄視覺路徑，研究畫面形式與視覺之間的聯系。

3.學科交叉的實驗

平面設計作為藝術領域中的一個部分，也可以分享、借鑒其他藝術門類的思維。實驗電影、當代藝術、實驗音樂、當代文學、戲劇，其思考方式、表達形式、甚至載體都漸漸趨同或融合，藝術的各個門類自發的相互合作，已然成為一種自覺的行為，并越來越普遍。當然，因為越來越多的跨學科研究的盛行，也讓合作從藝術門類本身跨越到不同學科之間，例如：數學、醫學、天文等自然科學的內容與設計相互激發。例如：分形（Fractal）是當今科學最前沿的概念之一，但它從提出那天開始就與藝術緊密地聯系在一起。分形藝術（Fractal Art），來自于“科學計算的可視化”命題，通過為電腦輸入一個數學公式，電腦運算后自動生成一些復雜的但又有規律的圖形，它不僅為人們探索數學世界的構型，同時也利用科學和程序生成美妙的圖形，成為科學和藝術互為利用的共生品。好的科學圖形同時也是視覺藝術的一部分。分形圖形所包含的數學內容不是模仿自然對象，而是絕對真實的“自然”，但這種真實卻不是現實的，它可以稱之為“虛擬現實主義”，[6]是一種新的圖形風格。相反，科學家也承認繪畫、圖形、觀念等藝術給予他們眾多啟示，他們正試圖利用這些開發研究新成果。TED演講中曾有一名醫學博士，受到醫學插圖以紅藍兩色標注動靜脈血管的啟發，想設計一種藥品，讓癌癥患者服用后身體某些部分呈現不同色彩，以便為醫生清晰辨別各部分（因為人體內部器官的各個組織都是一樣的血肉顏色，并不像醫學圖示那樣分明），避免傳統憑經驗器官被切除的失誤，這是跨學科實驗的成果。

關于跨界課題的嘗試，洪煒在畢業設計中利用DNA科學實驗為背景，嘗試尋找科學語言和實驗痕跡所產生的圖形，并利用這些復雜多變又貌似規律的自然結構傳遞她關于進化論主題的構想。（圖18、圖19）這些圖形的特點是無限放大橫坐標，總有細節出現，另外，無論怎樣操作，每次的結果都是意想不到的不同。它是自然界的產物，是偶然中的必然，似乎同時具有電腦圖形復制與倍增的特點與自然界不可復制、絕無相同的構造，在科學中稱之為“自相似性”。同時，科學圖形也是圖的系譜的一個分支，具有自身強烈的特點和美感。來自科技、生物和平面設計的跨界啟發。

以前，人們用很多科學的手段證明事物按照線性發展，也就是按照一定的規律，非線性相對混沌，代表了復雜性和千變萬化，近年來引起科學界更多的關注。

圖18 利用光導纖維模仿呼吸的海報（作者：洪煒）

圖19 根據DNA實驗的痕跡設計的書（作者：洪煒）

因工業化發展專業細分的要求和教學分科的需要，各學科長期以來劃分清晰，這種單向度的發展使各學科之間嚴重脫節，例如：科學界不懂藝術、藝術界不懂理工、設計界不懂構造等。而在現實生活中，自然的存在是沒有邊界的，以至于人們只能看到事物多面體的其中幾個面而不能觀其全部。 各個學科的交匯、互動和激發，全學科的知識則可以彌補這些缺憾。

還有一些如《從建筑到文學》嘗試了以世界著名的當代建筑作為背景創作小說，小說同時融合了建筑設計的理念。《鳥兒為什么歌唱》是一本由自然學家、哲學家、音樂家和鳥兒展開的私密對話。音樂家嘗試與鳥兒合奏，正是因為這樣，生活才會變得有趣、豐富，才能多一種視角重新理解事物。《Skin+Bones——parallel practices in fashion and architechture》是一場關于服裝和建筑的平行實驗。以建筑的構造、表皮、光影、局部、質感、造型為靈感，在身體上構建一個立體的服裝，形成一個個形態和空間。藝術之間思考方式的平行推移也會帶來非同凡響的效果，這也是一種手法。

圖20 平面陶瓷作品

圖21 建筑與視覺

不同藝術專業的學科交叉實驗

課題鏈接：

展覽1：奇怪吸引子——澳大利亞科學與藝術展，策展人Antoanetta Ivanova

展覽2: 超級關系——2013國際科技藝術展，策展人：林書民

展覽3: 設計與彈性思維——MOMA現代藝術博物館，策展人： Paola Antonelli

不同學科之間的交叉實驗

課題1 ／ 科學＋視覺

畢業設計：磁粉的實驗 利用物理規律、化學反應等制造視覺效果。

畢業設計：DNA的圖像實驗 以科學圖像作為形式的誘發基因。

課題2 / 手工藝＋視覺，傳統平面設計的規則可以在不同的材料與媒介中進行轉換。例如平面陶瓷作品（圖20）、書法陶瓷作品等。

課題3 ／ 音樂＋視覺：作品sound portraits以音樂節奏干擾圖像。

課題4 ／ 建筑＋視覺：建筑表皮 參考上海世博會 （圖21）

課題5 ／ 雕塑＋視覺：制作一組構成裝置，然后在空間中置放它們，使它們產生空間關系，裝置最終轉換成平面視覺作品。

課題6 / 原生＋視覺：藝術家構建的相對封閉而獨特的世界，無意識的尋找關于“我”的行為。一些自閉癥兒童、精神病患者、通靈者等原生藝術家，他們都有非同一般的表達手法和形式，似乎他們能比常人看到更多“真實”的東西，甚至另一部分的世界。他們畫作或圖形中不同于一般自然的形態，經過極端的圖形來展現他們獨特的世界，這些不同在他們的世界里便是自然，便是真實。畫作的內容也是他們思考方式的結晶，是他們所看到和思考的表現。往往是他們在探索自己的內心世界，構建自我意識形態。例如：一個設計師把孩子畫的歪七扭八的兒童畫做成玩偶，就收到意想不到的呆萌效果。利用原生造型做成一個設計，形式不限。

總 結

實驗性平面設計是視覺溝通設計的一個方向，它的目的在于探索平面設計的邊界，以更加寬廣的視角和更加豐富的資源支撐設計的溝通，質疑正確和標準，在過程中探索未知，等待驚喜的出現。心靈的思考、技術的革新、過程的實驗都是我們尋求答案與解決問題的主動行為。也許這些過程中充滿了質疑、批判、阻力，但正是這種不按常規的路徑才給這個領域的創新帶來各種不同的新、奇、特局面。